LA CITTÀ GIOCATA

Di-segni poetici. La collezione di poesia visiva del Museo Arte Contemporanea di Lecce

2012-02-11T06:17:00.000-08:00

Il Museo Arte Contemporanea Matino “L: Gabrieli” (MACMa), nato dal progetto del Sindaco Giorgio Primiceri, dell’Assessore ai Beni Culturali Antonio Costantino e di Salvatore Luperto (curatore d’arte), a tutt’oggi conta oltre 450 opere provenienti dalle donazioni “L.Gabrieli”, “V. Balsebre”, “E. Miglietta”, “M. Bentivoglio” e di vari autori della poesia verbo-visiva italiana. Il Museo “L. Gabrieli” è il primo in Puglia ad accogliere importanti autori della Poesia Visiva tra cui Eugenio Miccini, Lamberto Pignotti, Michele Perfetti, Adriano Spatola, Mirella Bentivoglio, Lucia Marcucci, Emilio Isgrò, Franco Vaccari, Luciano Caruso, Martino Oberto,William Xerra.ESPONGONO: Paolo Albani, Anna Lisa Alloatti, Fernando Andolcetti, Richard Anthoi, Ignazio Apolloni, Davide Argnani, Maryse Aspart, Nanni Balestrini, Gianni Baretta, Vittore Baroni, Marilla Battilana, Carlo Battisti, Dino Bedino, Toni Bellucci, Mirella Bentivoglio, Carla Bertola, Luigi Bianco, TOMASO BINGA, Anna Boschi, Antonino Bove, Ferruccio Cajani, Carlo Cane, Emma Caprini, Ugo Carrega, Luisella Carretta, Luciano Caruso, Bruno Cassaglia, Luciano Cattania, Giorgio Cegna, Sergio Cena, Cosimo Cimino, Mario Commone, Bruno Conte, Vitaldo Conte, Carlo Marcello Conti, Silvio Craia, Gianluca Cupisti, Alda D'Alessio, Mauro Dal Fior, Betty Danon, Raffaele De Bernardi, Fabio De Poli, Antonio Del Donno, Chiara Diamantini, Marcello Diotallevi, Anna Esposito, Luigi Fagioli, Maria Pia Fanna Roncoroni, Vittorio Fava, Fernanda Fedi, Vincenzo Ferrari, Gio Ferri, Carlo Finotti, Alfio Fiorentino, Giovanni Fontana, Nicola Frangione, Gino Gini, Elisabetta Gut, Pino Guzzonato, Randi Hansen, Emilio Isgrò, Elena Lacava, Maria Lai, Michele Lambo, Sveva Lanza, Paola Levi Montalcini, Oronzo Liuzzi, Arrigo Lora-Totino, Marco Maffei, Ruggero Maggi, Franco Magro, Alfonso Malinconico, Marcello Malquori, Mauro Manfredi, Marco Marchiani Mavilla, Lucia Marcucci, Stelio Maria Martini, Gianni Martinucci, Eugenio Miccini, Enzo Miglietta, Enzo Minarelli, Adamo Modesto, Emilio Morandi, Massimo Mori, Riri Negri, Martino Oberto, Ilaria Occhigrossi, Luciano Ori, Maurizio Osti, Laura P. D'Andrea, Marco Parentela, Francesco Pasca, Enzo Patti, Giancarlo Pavanello, Giuseppe Pellegrino, Walter Pennacchi, Michele Perfetti, Lamberto Pignotti, Antonello Ricci, Gianpaolo Roffi, Antonio Sassu, Alba Savoi, Greta Schodl, Danilo Sergianpietri, Gianni Emilio Simonetti, Carlo Alberto Sitta, Adriano Spatola, Franco Spena, Giovanni Tinti, Luigi Tola, Anna Torelli, Agostino Tulumello, Franco Vaccari, Emilio Villa, Pino Viscusi, Alberto Vitacchio, Rodolfo Vitone, Simona Weller, William Xerra

IL PREMIO PINO PASCALI 2011 A BERTOZZI E CASONI IN MOSTRA A POLIGNANO FINO AL 15 GENNAIO 2012

2011-12-11T07:08:00.001-08:00

Info: La mostra rimarrà aperta fino al 15 gennaio 2012 presso la Fondazione "Pino Pascali" di Polignano a mare -Bari-Orario: dal martedi al sabato ore 18-21domenica ore 11-13 e 18-21 (lunedì chiuso)visite su appuntamento, tel 080.424.9534 -333.2091920

ALLO SPAZIO ARTE ORA RIVIVONO I I40 ANNI DELL'ACCADEMIA DI BELLE ARTI DI FOGGIA

2011-12-11T06:57:00.001-08:00

"APPARTAMENTO AD ATENE" VINCE L'11 FESTIVAL DEL CINEMA INDIPENDENTE DI FOGGIA

2011-12-09T06:48:00.001-08:00

Festival, vince «Appartamento ad Atene»E la kermesse foggiana vola verso ParigiSi è conclusa l'undicesima edizione della manifestazioneNella penultima sera l'omaggio a Troisi di Pavignano

FOGGIA - L’ultimo atto dell’11ma edizione del Festival del cinema indipendente è andato in scena ieri, alla Fiera di Foggia, con la serata di premiazione dei «Lungometraggi» e dei «Cortissimi» in concorso.I PREMIATI - Durante la cerimonia, presentata da Mauro Pulpito e intrattenuta da diversi comici locali, è stata assegnata la menzione speciale della direzione artistica al corto Mad World di Mauro Zingarelli per la qualità di ripresa su temi difficili nonostante la giovane età del regista. Il premio è stato consegnato da Gabriele Antinolfi, direttore dell’editoria presso il Centro sperimentale di cinematografia di Roma. Il miglior cortissimo è andato a Vodka tonic di Ivano Fachin, mentre Donatella Finocchiaro ha consegnato il premio per il miglior attore a Giorgio Colangeli per La strada verso casa di Samuele Rossi, in ex aequo con Laura Morante (assente alla cerimonia per impegni di lavoro) interprete di Appartamento ad Atene di Ruggero Dipaola. Proprio quest’ultimo è stato il vero trionfatore della serata ricevendo dalle mani di Andrea Crisanti (scenografo candidato all’Oscar per «uovo cinema paradiso e presidente di giuria al festival foggiano) il premio per il miglior film in concorso. La migliore sceneggiatura è andata a Erez Kav-El, autore di Restoration di Joseph Madmony, film vincitore quest’anno del Sundance film festival, e che a Foggia si è aggiudicato anche il premio della critica. Appartamento ad Atene, Mad World e Vodka tonic saranno in concorso a Parigi alla prossima edizione dell’Écu festival, dal 30 marzo all’1 aprile.OMAGGIO A TROISI - Mercoledì, invece, nel primo dei due giorni dedicati alla festa del cinema allestita alla Fiera di Foggia, è andato in scena il reading musicale Da domani mi alzo tardi di Anna Pavignano, sceneggiatrice e compagna per nove anni di Massimo Troisi. La Pavignano ha proposto l’omaggio artistico in occasione del trentennale di Ricomincio da tre, opera prima del grande regista partenopeo. Un reading emozionante e intenso, quello della sceneggiatrice torinese, che, partendo da alcuni passi del suo libro dedicato a Troisi, ha ricordato il regista attraverso ricordi reali, voli di fantasia e immagini inedite della vita privata di «quel ragazzo buono nonostante fosse napoletano, di quel soggetto esposto allegramente al pericolo e perciò ancora più tenero, di quel pigrone pieno di umanità».

SHADES OF WOMEN, A ROMA DI SCENA FRANCESCA LOPRIENO

2011-12-06T03:26:00.001-08:00

Come guarda il mondo “l’altra metà del cielo”?Esiste un modo particolare, una specificità psicologica, pur tenendo conto delle diverse culture e delle concrete esperienze di vita, con cui le donne osservano la realtà che le circonda?Ricercatori, psicologi, poeti, ognuno per la sua parte, concordano con Simone De Beauvoir nell’affermare che c’è nell’“Altra metà del cielo”, le donne appunto, una misura di sentimenti, di sensibilità, di disponibilità molto particolari attraverso le quali è possibile loro scoprire e comunicare aspetti della vita, dalla gioia al dolore, realtà nascoste nel profondo di una psiche ferita sulla quale è poi possibile intervenire, curare, amare.Nell’ambito della sua attività annuale, Teatro Due mi ha dato l’occasione e lo spazio necessari per dare inizio ad un progetto dedicato alla fotografia.Il primo passaggio di questo progetto, cui ho aderito con entusiasmo fin dall’inizio, è dedicato alla visione che le donne hanno del mondo e a come alcune di esse riescano col mezzo fotografico ad esplorare la realtà contemporanea nelle sue molteplici dimensioni. Dalla commedia al dramma, alla trasfigurazione poetica.Ho immaginato un programma della rassegna articolato su cinque serate di proiezioni multimediali accompagnate da musica, letture e performances artistiche che possono illustrare allo spettatore la visione delle ricerche fotografiche di alcune tra le migliori fotografe emergenti italiane ed internazionali. Scegliendo il lavoro di queste 15 giovani e affermate autrici, il cui riconoscimento è chiarito dai numerosissimi ed importantissimi premi che molte di loro hanno vinto negli ultimi anni e dalle tante e prestigiose mostre cui queste fotografe sono invitate ad esporre regolarmente in tutta Europa, ho cercato di esplorare la migliore produzione della fotografia italiana ed europea spaziando dall’autoritratto al reportage, dalla fotografia concettuale a quella più astratta.Ho quindi tentato di svelare o rivelare sfaccettature, dettagli, impressioni, passioni, un caleidoscopio insomma, di emozioni, visioni, poesia che sono poi lo specchio delle infinite gamme di sfumature dello sguardo femminile.Ilaria Prili – Curatrice rassegnaTeatro Due Roma teatro d’essaipresentaLe mostre fotografiche “Shades of women”A cura di Ilaria Prilidal 17 ottobre al 12 dicembre 2011 – ore 21.00Una specifica sezione di Sguardi d’essai dedicata al mondo della fotografia attraverso unaserie di mostre – articolate in proiezioni multimediali con l’accompagnamento di musica,letture e performances artistiche – dedicate alla visione che le donne hanno del mondo e acome alcune di esse riescano col mezzo fotografico, ad esplorare la realtà contemporaneanelle sue molteplici dimensioni, con l'intento di illustrare allo spettatore la visione e lericerche fotografiche di alcune tra le migliori fotografe emergenti italiane ed internazionali.Una “variazione sul tema” di quell’idea di “prospettiva femminile” che larassegna Sguardi S-velati affronta nella sua declinazione teatrale.Programma “Shades of women”lunedì 17 ottobre 2011 – h.21.00Imagine my dreamIlaria Prili – The Invisible TouchL’attività fotografica di Ilaria Prili si fonda sul mondo delle emozioni in cui colori, atmosferee ritmi, stabiliscono tra loro rapporti pittorici ed una intima musicalità. Chi guarda le sueimmagini è invitato, quindi, ad un colloquio con il Bello, vivendo così la dimensione poeticadel Sogno. La dove la razionalità non muore ma trionfa su se stessa e sui suoi limiti.Francesca Leonardi – CatarsiUn sogno legato al racconto di un mito, per accedere al piano della realtà profonda dove lesofferenze trovano senso e significato. Marcia e’ il simbolo della donna pesce cheattraverso degli stati di crescita e gioco, rappresenta la narrazione dei momenti crucialidell’evolversi della vita. Un racconto mitico spinge l'autrice a condurre l’anima ad uscire daquel labirinto di contraddizioni.Valentina Vannicola – L'Inferno di DanteTrasposizione in immagine dell’opera di Dante, attraverso una sequenza di più scatti in cuiValentina Vannicola riesce a mettere in scena episodi salienti della letteratura universale.“L’inferno di Dante” spicca per la partecipazione degli abitanti del paese natale dell'autriceche diventano attori e protagonisti delle sue visioni, tutte ambientate tra le terre dellamaterna Maremma laziale.lunedì 31 ottobre 2011 – h.21.00World VisionsSimona Ghizzoni – AfterdarkLa Striscia di Gaza vive in un limbo che pare senza via di uscita; Hamas salito al potere ela chiusura delle frontiere hanno causato una situazione di grave crisi economica e diisolamento della popolazione, mentre una guerra “a bassa intesità” continua a mieterevittime di fronte al silenzio internazionale. “Afterdark” è un progetto a lungo termine sulleconseguenze della guerra sulla vita quotidiana delle donne nel mondo arabo.Alessandra Quadri – Matrimoni infantili in RajasthanIn India si celebrano il 40% dei matrimoni infantili del mondo. I soggetti delle foto includonogiovanissimi sposati illegalmente in minore età che vivono ancora con la propria famiglianaturale, giovani coppie sposate illegalmente che vivono insieme da poco tempo e coppieche vivono assieme da più tempo dopo essersi sposati in tenera età.Nadia Shira Cohen – The Lovely SeaNel 1960 l'Unione Sovietica, allo scopo di irrigare i campi di cotone, decide di deviare ilcorso di alcuni fiumi: il Syr Darya e il Amu Darya. Comincia così un processo didesertificazione che ha pesantemente danneggiato l'ambiente circostante. Dal 2001 laBanca Mondiale e il governo khazako sono intervenuti con progetti per salvare il territorio.Il progetto fotografico di Nadia Shira Cohen è volto a documentare questa difficile edelicata fase di passaggio.lunedì 14 novembre 2011 – h.21.00Sweet HomeStephanie Gengotti – Along the riverIl progetto "Along the river" è un viaggio alla foce del Tevere, nella zona dell’Idroscalo diOstia, teatro nel 1975 dell’omicidio di Pier Paolo Pasolini. Oggi 500 famiglie occupanoabusivamente il suolo pubblico lottando quotidianamente contro le difficili condizioni di vitae le continue minacce di sgombero.Maike Pullo – Persepolis Reloaded“Persepolis reloaded” è un lavoro che racconta la complessa realtà emotiva che le donneiraniane vivono quotidianamente. Una silente oppressione che le segue ovunque riescanoa ricostruirsi una vita. Le emozioni e la creatività di queste donne, sono al centrodell'indagine fotografica che usa ritratti e simboli per raccontare lo stato d'animo di questetestimoni della solitudine.Isabella de Maddalena – Community LivingUn viaggio all’interno di due comunità di co-housing in Danimarca.Il co-housing mira a ritrovare un senso di socialità, a creare nuove forme di welfare e adabbassare i costi della vita attraverso la condivisione delle spese. Una comunità allargatain cui ognuno offre un aiuto per il buon funzionamento della collettività.lunedì 28 novembre 2011 – h. 21.00Eros and PsycheAnnette Schreyer – I'm not me“Il corpo perfetto che mi ero costruita non ha immagine, non potrei descriverlo perché nonesiste. E' la negazione del mio corpo reale.”Un lavoro realizzato in collaborazione con i pazienti di vari centri per la cura dei disturbialimentari. Ragazze e ragazzi che hanno trovato la fiducia e la forza di esporre se stessialla macchina fotografica per sensibilizzarela gente nei confronti di questa malattia che affligge tante donne e uomini ed è ancora cosìraramente rappresentata in fotografia.Jana Romanova – W"Quando ero piccola mia nonna mi diceva sempre che la sola cosa bella in una donnasono le sue gambe..."Cos'è la bellezza? In questo progetto la fotografa ha chiesto a diverse giovani donne difare qualunque cosa le facesse sentire a proprio agio in quel momento e ha copiato le loropose, cercando di capire cosa sia la femminilità, se arriva solamente dall'esteriorità di corpie vestiario oppure se è qualcosa di intrinseco alla natura della donna.Valentina Quintano – KinkyIl progetto 'Kinky' esplora la subcultura del SadoMasochismo consensuale nel RegnoUnito, cercando di superare lo stereotipo e lo spettacolare e concentrandosi sulledinamiche intime, di coppia e quotidiane. E' una ricerca sulla bellezza e la complessitàdelle relazioni umane, che trovano talvolta modi oscuri di esprimersi.lunedì 12 dicembre 2011 – h.21.00BodiesAngelina Chavez – ObstaclesLe fotografie di Angelina Chavez sono il risultato di un unico scatto senza ricorrere a mezzi come doppia esposizione, Photoshop o simili.Sono gli ostacoli che in queste immagini l'autrice rende visibili. Lati del carattere che allevolte le impediscono di fare un certo passo o che lo rendono particolarmente difficile.In questo lavoro la fotografa trasmette quello che prova ritraendosi in posti cherappresentano e sottolineano queste sensazioni.Francesca Loprieno – Identi-KitUn work in progress in occasione del premio letterario Città di Bari dedicato alla giornalistaGiuliana Sgrena. Si presenta come contro risposta in chiave occidentale alla visionefemminile orientale descritta nel libro della Sgrena. Attualmente è esposto nel PadiglioneItalia/Accademie alle Tese di San Cristoforo in occasione della 54° Esposizione dellaBiennale di Venezia.Justyna Pawlowska – L'occhio Cieco"Pulisco la lente degli occhiali anche dalla parte dell'occhio cieco". Hino Sojo (1901-1956)L'acqua diventa la protagonista della foto. Immagini riprese da un oblò, che dimostrano ilmovimento che l'acqua produce sulla modella prendendo poco a poco il sopravvento sullafotografia: ogni movimento uno scatto. L'acqua è vita e le foto della Pawlowska sono divolta in volta emozione nuova.Ufficio Stampa Teatro Due Roma:Annalisa Siciliano: anniesiciliano@gmail.com +39 327/7849.167Ambra Postiglione: ambra.ptg@libero.it +39 347/333.2059Ufficio Stampa Shades of women:VANIA TONI Management: vania@vaniatoni.it - +39 3929339222 – www.vaniatoni.itVANIA TONI Management - www.vaniatoni.it+393929339222

Luis Bacalov al Festival del Cinema di Foggia 2011 (intervista di Samantha Berardino)

2011-12-04T06:44:00.001-08:00

FOGGIA FESTIVAL DEL CINEMA INDIPENDENTE DAL 2 ALL'8 DICEMBRE 2011

2011-12-04T06:33:00.001-08:00

X INFO CLICK HEREhttp://festivalfoggia.wordpress.com/

SOLO SHOW LECCESE PER DARIO MOLINARO DAL 17 DICEMBRE AL 26 GENNAIO 2012

2011-12-04T06:19:00.001-08:00

The visions all are fled Molti artisti della nuova generazione si sono riappropriati del disegno. Esigenze espressive di una generazione che lo utilizza e lo interpreta in modi diversi, ma che permette loro di sfogare un bisogno di creatività e comunicazione immediata.Nelle opere di Dario Molinaro colpisce subito la cura particolare nella scelta della superficie. Nulla è casuale. Il tipo di carta la sua grammatura e il colore della stessa sono la base sulla quale l’artista interviene con una tecnica mista di china e grafite di durezze diverse. La completa assenza del colore è compensata da giochi prospettici, un raffinato chiaro scuro e neri decisi. Una stratificazione d’immagini con chiari riferimenti all’illustrazione al fumetto e alla cultura pop, in un continuo contaminarsi e mischiarsi in perfetto equilibrio.,The vision all are fled, letteralmente “le visioni tutte sono fuggite“, raccoglie opere di varie dimensioni dai disegni su carta prevalentemente a china alle carte intelaiate a tecnica mista. Sono le visioni che l’artista cerca di trattenere e ripresentare indagando il rapporto uomo-natura, inserendo aspetti simbolici da albero di "Peridexion". L’attenzione del vuoto di realtà (esistere quando si osserva), l'avvicendarsi dei cicli naturali contrastati dall'avanzare dell'uomo (essere e non essere si generano a vicenda).Figure zoomorfe o antropomorfe, elementi naturali o architettonici incrociano con numeri o con frasi tratte da testi letterari, creando una narrazione articolata e di vari livelli che ci portano a riflettere, oltre che apprezzare ,una tecnica e una capacità nel disegnare molto raffinata. A.B.Scheda MostraArtista Dario MolinaroTipo mostra Solo showSede rivaartecontemporanea Via Umberto I 32 LecceOpening Sabato 17 Dicembre ore 19,30Calendario dal 17 Dicembre al 26 Gennaio 2012Orari da martedi a sabato 10,00- 13,00 17,00- 20,00Contatti +39 3337854068 www.rivaartecontemporanea.it danilo@rivaartecontemporanea.it

IL FOTOGRAFO FLAVIO ROMUALDO GAROFANO TRA I VINCITORI DEL PREMIO O.R.A.

2011-12-01T00:42:00.001-08:00

La prima edizione del Premio O.R.A., concorso ideato e organizzato dall'Associazione Radar e curato da Carolina Lio,ha chiuso le iscrizioni il 15 Ottobre 2011.Sono annunciati e pubblicati gli artisti vincitori e selezionati. Ricordiamo che ogni artista vincitore preparerà nel 2012la propria mostra personale presso la galleria in giuria che ha assegnato i premi. Le mostre avranno una durata minimadi due settimane e saranno accompagnate da testi del curatore del premio:3)5 Arte contemporanea, Rieti: CLAUDIA CAMPUSAdiacenze, Bologna: MARCO LA ROSAArtway Gallery, Treviso: FLAVIO ROMUALDO GAROFANOAvantgarden Gallery, Milano: VACON SARTIRANICastellano Arte, Castelfranco Veneto (TV): ANNALU'Contemporanea, Roma: ANDREA MARCOCCIADe Faveri Arte, Sovramonte, Belluno: BRUNO MARRAPODIGalleria Delle Battaglie, Brescia: AGNESE GUIDOGalleria Marchina, Brescia: ANDREAS SENONERGalleria Marconi, Cupra Marittima (AP): FABIANO DE MARTINGalleria Marelia, Bergamo: ANGELA VIOLAGalleria Wabi, Milano: SILVIA CICCONIGestalt, Pietrasanta, Lucca: CLAUDIA MAINAGiaMaArt Studio, Vitulano (BN) - STEFANO BOLCATOLakeside Gallery, Verbania - TTOZOIPerlini Arte, Padova - MICHELLE-MARIE LETERIERSourMilk Gallery, Mengazo (VA) - PIETRO MARCHESESponge ArteContemporanea, Pergola (PU) - CLAUDIO CAVALLAROUnderdogStudio, Modena - SILVIA MEIZelle Arte Contemporanea, Palermo - ENRICO PIRASI 40 artisti selezionati come meritevoli ed elencati di seguito saranno, invece, pubblicati insieme ai vincitori nelcatalogo del Premio che sarà stampato nelle prime settimane del 2012:Alfredo Aceto, Franco Anzelmo, Nicola Aramu, Simona Barbagallo, Giuseppe Biguzzi, Marco Bolognesi,Pietro Broggini, Gian Marco Capraro, Carlo Colli, Carlo D'Orta, Daniele Duò, Ellepluselle, Armando Fanelli,Robert Frankle, Tea Giobbio, Cristina Gori, Maurizio L'Altrella, Ivan Lardschnider, Marina Legovini, Virginia Lopez,Sara Magni, Alessandra Maio, Sabrina Marconi, Ilaria Margutti, Alessandro Martinelli, Andrea Martinucci,Jara Marzulli, Sabrina Mazzuoli, Marco Milia, Igor Molin, Giordano Rizzardi, Piero Roccasalvo, Jennifer Rosa,Andrea Rosset, Manlio Sacco, Natalia Saurin, Stefano Scheda, Rossana Taormina, Alessandro Vitali, Giulio Zanet.

MARIA LAI PREMIATA ALLA CAMERA DEI DEPUTATI PER IL 150 DELL'UNITA' D'ITALIA

2011-11-29T02:07:00.001-08:00

Un grande riconoscimento per l’arte sarda: Maria Lai ha vinto il prestigioso “Premio Camera dei deputati per il 150° dell’Unità d’Italia”. Il comitato d’onore della rassegna, presieduto da Gianfranco Fini, ha scelto la sua opera, intitolata “Orme di leggi”, che ora sarà collocata nella nuova Aula del Palazzo dei Gruppi parlamentari. Gli altri pezzi finalisti, invece, sono stati venduti all’asta nella Sala delle colonne di Palazzo Marini. Il ricavato sarà devoluto a favore del progetto “Percorsi d’Abruzzo”, che la Società Geografi ca Italiana realizzerà per valorizzare le aree colpite dal sisma. L’opera di Maria Lai è stata designata DELL'UNITà D'ITALIAvincitrice per il simbolismo che evoca il processo legislativo di cui la Camera dei deputati è protagonista. Nelle motivazioni fornite dal comitato d’onore, si legge che l’artista ha saputo rappresentare «con uno stile legnatezza », le leggi, ovvero «le pagine della democrazia, quelle più buie e quelle più luminose, su cui si fonda la nostra Repubblica». I fogli realizzati dalla Lai, però, non sono di carta, ma di tessuto e le scritte non sono di inchiostro ma cucite con fi li: «una metafora, che con un linguaggio attualissimo e con patriottica poesia, descrive magnifi camente il lento e meticoloso processo legislativo nel suo farsi, scandendo il ritmo del lavoro parlamentare». Il Comitato d’onore, inoltre, ha voluto conferire una menzione speciale ad Antonia Campi che, con Antonella Ravagli, ha realizzato “l’Italia nei secoli”, un’opera in ceramica che ha saputo descrivere l’identità italiana nella sua ricca e variegata complessità: dagli antichi stati italiani alle attuali regioni, che l’artista ha defi nito isole galleggianti. Maria Lai è nata a Ulassai nel 1919. La sua infanzia è stata segnata da una salute cagionevole, che l’ha costretta a vivere per lunghi periodi a casa degli zii. Negli anni della guerra, si è trasferita a Venezia, per frequentare l’Accademia delle Belle Arti, seguendo gli insegnamenti di un maestro come Arturo Martini. Finito il secondo confl itto mondiale, la dolcissima Maria è tornata sull’isola, dove ha ripreso l’amicizia con Salvatore Cambosu, suo faro ai tempi delle scuole secondarie, e ha iniziato a insegnare disegno alle elementari. Quelli cili, per l’aggravarsi delle sue precarie condizioni fi siche. Una volta guarita, è tornata nella capitale, per spiccare definitivamente il volo nel mondo dell’arte. Nel 1957 ha tenuto, alla Galleria l’Obelisco, la sua prima esposizione personale.foto gianluca vassallo

Bordiglioni, Pasqualotto e Corallo allo Spazio Live della Libreria Ubik di Foggia

2011-11-27T04:06:00.001-08:00

Lunedì 28 e martedì 29 novembre tre autori di fama nazionale: Bordiglioni, Pasqualotto e Corallo - Una due giorni completamente dedicata alla letteratura per ragazzi, organizzata dalla libreria Ubik di Foggia grazie all’iniziativa del “Festival della Letteratura” di Torremaggiore, con tre degli autori più apprezzati dai lettori più giovani, cui è particolarmente rivolta questa mini rassegna. Stefano Bordiglioni, Mario Pasqualotto (alias Steve Stevenson) e Alessandro Corallo.

Si parte con il doppio incontro di lunedì 28 novembre, nello spazio live della libreria di piazza Giordano, a partire dalle 16. Apre questa due giorni per l’infanzia infatti, uno degli autori Einaudi Ragazzi più amati di sempre, Stefano Bordiglioni. Alle 18 poi campo libero al poliedrico Mario Pasqualotto, in arte noto come Sir Steve Stevenson, autore della fortunatissima collana Agatha Mistery, artista, didatta e grande esperto del mondo della letteratura per ragazzi. CORALLO (FOTO)

L’indomani, chiude questa breve ma intensa parentesi dedicata ai più piccoli il giovane autore Alessandro Corallo, giornalista di Striscia la notizia, autore del celebre illusionista Antonio Casanova, sceneggiatore di film animati. Il suo incontro in libreria, previsto alle 18, è perlopiù rivolto ai ragazzi dai 9 ai 13 anni, con la presentazione del libro “Matt e Splatch – nel regno di sottoterra”. A condurre gli incontri, per entrambi i giorni, sarà l’esperta di letteratura per l’infanzia Rossella Caso, ricercatrice presso la facoltà di Scienze della Formazione dell’Università di Foggia e operatrice nell’associazione culturale UtopikaMente. Ogni incontro è ad ingresso libero.PASQUALOTTO (FOTO)

IL 29 NOVEMBRE IL MAT DI SAN SEVERO OSPITA LA GIORNALISTA GIULIANA SGRENA

2011-11-27T01:41:00.001-08:00

Martedì 29 novembre, alle ore 17.45, presso il MAT Museo dell'Alto Tavoliere, in Piazza san Francesco n°48 a San Severo, si svolgerà l'incontro con la giornalista Giuliana Sgrena, autrice del libro "Il prezzo del velo" (Feltrinelli Editore). Coordina la serata la prof.ssa Concetta Pacentra.Interverranno: Domenico Rizzi (Presidente Provinciale ARCI), prof.ssa Isabella de Finis (Dirigente Liceo "Pestalozzi") e la dott.ssa Elena Antonacci (Direttrice del MAT).L'Incontro con l'Autrice Giuliana Sgrena è parte della rassegna promossa dal MAT "Lo stile di essere donna. Diversità Empatia Integrazione".Inoltre l'iniziativa si inserisce in un percorso socioculturale che approfondisce alcune delle tematiche già affrontate questa estate con "InChiostro al Museo: Altrove, Nessun confine solo orizzonti."IL LIBROIl velo rappresenta, e non solo simbolicamente, l’oppressione della donna nel mondo islamico. Dietro la sua imposizione non si nasconde solamente il tentativo forzato di reislamizzazione condotto dalle forze islamiche più tradizionaliste. È in atto una vera e propria guerra contro le donne, contro il loro corpo, visto come terreno di battaglia su cui affermare principi e consuetudini che in molti casi risalgono addirittura a ben prima della tradizione islamica, ma che si incrociano perfettamente con un “nuovo” ritorno all’ordine maschile e reazionario. Più dei carri armati americani, sono le donne, e le loro organizzazioni, come dimostra l’esperienza algerina, a poter fermare l’imponente ondata illiberale che sta per prendere il sopravvento nei paesi islamici. Si gioca qui la vera sfida democratica dell’altra sponda del Mediterraneo.L’AUTRICEGiuliana Sgrena, giornalista de “il manifesto” dal 1988, negli ultimi anni ha seguito con grande passione l’evolversi di numerosi conflitti, in particolare in Iraq, Somalia, Palestina, Afghanistan, oltre alla drammatica situazione in Algeria. Ha dedicato grande attenzione all’islamismo e al suo effetto sulla condizione delle donne. Collabora con RaiNews24, il settimanale tedesco “Die Zeit”, il mensile Modus vivendi e con riviste di politica internazionale. Tra i suoi libri: Alla scuola dei Taliban (manifestolibri 2002); Il fronte Iraq, diario da una guerra permanente (manifestolibri 2004). Per Feltrinelli ha pubblicato Fuoco amico (2005) e il suo ultimo libro Il Ritorno, dentro il nuovo Iraq (2010).Informazioni e contatti:tel/fax 0882 334409 – 225738museocivicosansevero@alice.ithttp://www.facebook.com/museoaltotavoliere

STEP 09 2011 DARIO MOLINARO PER RIVARTECONTEMPORANEA

2011-11-24T02:06:00.000-08:00

Step09La terza edizione.25, 26 e 27 novembre 2011Museo Nazionale della Scienza e della Tecnologia Leonardo da Vinci - Milano, Via San Vittore 21 Ingresso gratuito previa registrazione sul sito www.step09.comOrari d'aperturavenerdì 25: dalle 18 alle 23sabato 26: dalle 12 alle 22domenica 27: dalle 12 alle 20Dopo il successo della seconda edizione, Step09 si accinge a fare un ulteriore passo avanti. Nella monumentale location del Museo Nazionale della Scienza e della Tecnologia Leonardo da Vinci nel centro di Milano, il 25 Novembre si apriranno i battenti di un evento d’arte che “passo dopo passo” si sta ritagliando una sua fetta di notorietà. Parteciperanno alla kermesse d’arte gallerie italiane e straniere e se, come tutto lascia presagire, si supereranno i numeri di affluenza di pubblico dello scorso anno, l’impatto di Step dovrebbe raggiungere i 9.000 visitatori in 3 giorni.Un successo dovuto al format scelto da Step09, che ha volutamente abbandonato il concetto statico e asettico delle esposizioni d’arte all’interno di capannoni anonimi per creare un vero percorso d’arte itinerante, in tre sale storiche e prestigiose, con spazi di attraversamento all’interno dei chiostri e dei cortili del Museo.L’edizione 2011 ospiterà gallerie selezionate tra le realtà di spicco del panorama italiano ed internazionale.FQ Projects (Shanghai, Cina) – Nong ChenGalerie Antonio Nardone (Bruxelles, Belgio) - Manuel GeerinckBlack Art Project (Fitzroy, Australia) – Giles Alexander, Sara Hendy, Mark Whalen (Kill Pixie), Daniel TruscottVictor Saavedra Gallery (Barcelona, Spagna) – Fina Oliver, Lautaro Saavedra, Adriana SaavedraSvenska Konstgalleriet (Malmö, Svezia) + Svenska Project - Roswitha Zentler von Helly, Jackueline Bekker, Helene Jacubowitz, Monica Berggren, Marilene Stauffer, Michelly Leonardo Picassio Himmelstrom, Anna ZaphiriAngel Art Gallery - Sergio CavallerinAmstel Art Gallery - Marco Lodola, AndyAmy-D Arte Spazio - Nicola Buffoli , Azadeh Safdari, Isobel Blank, Franco DonaggioArteutopia - Storm, Thorgeson, Leva PetersoneArtime Project – Sandro CabriniArtistocratic - Alessandro Vicario, Nicola Cicognani, Nicola Vinci, Roberto TojaArtistocratic Project – Mario GiacomelliArte In Movimento - Manuela Merani, Francesca GiacomazziDeodato Arte - Alessandro Giorgetti, Agathos (Carlo Franzoso)Federico Rui Arte Contemporanea - Andrea Mariconti, Enrico Savi, Alan Rankle, Federico Romero BayterFiammetta Cavalleri Arte - Nicola MagrinFranzpaludetto - Claudia Rogge, Arash Rad Pour, Boris Mikhailov, Daniela Perego, Tiziana Cera RoscoGalleria Bianca Maria Rizzi - Leo Ferdinando Demetz, Luca Gastaldo, Monika, Grycko, Christiane DraffehnGalleria Marsiglione - Luigi Russolo, Antonio Pedretti, Armando Fettolini, Ester NegrettiGalleria Sangiorgi - Francesco Garbelli, Andrea NeriGalleria Sansoni - Franca FranchiGraal Spazio Arte Stefano - Bressani, Paolo Granata, Antonio Pagani, Brunella RossiGalleria Toselli - Serena Clessi, Emilia Castioni, Carlo Golia, Enzo ObisoIl ritrovo di Robshazar - Giacomo Montanaro, Gigi Cifali, Maria Luisa TadeiIl Torchio Costantini Arte Contemporanea - Joanpere Massana, Matias SanchezLattuada Studio – “Il Rigorismo” Agostino Bonalumi, Enrico Castellani, Lucio Fontana, DadaMainomc2gallery - Chan Hyo Bae, Alessio Delfino, Kusterle, Angela LovedayOfficine Dell'Immagine - Mattia Biagi, Tamara FerioliRiva Arte Contemporanea - Dario MolinaroRomberg Arte Contemporanea – Carlo Cane, Luca Piovaccari, Stefania MiletoSan Lorenzo Project - Thomas BerraUno+Uno - Gayle Chong Kwan, Hyun Jin KwakThe White Gallery - Marcello Carrà, Claudia MariniThe White Gallery Project - Raffaele Cioffi. Il format di Step09 sara’ molto articolato, accanto alle proposte artistiche delle gallerie ospiterà alcune performance molto particolari.La prima è Secretum di Giacomo Montanaro, artista che dal 2002 abbandona la tela e i colori tradizionali passando ad utilizzare come supporto la carta fotografica e gli acidi come strumenti impropri del dipingere. Tutto è giocato sulla pulsione emozionale dialogante con l’invocazione mnemonica che guidano la mano dell’artista in un susseguirsi di rapide pennellate imposte dalla rapidità di corrosione dell’acido al contatto con l’emulsione fotografica. Da questo momento diventa essenziale anche il lato performativo del lavoro dell’artista: esso rende manifesta la natura lavica, esplosiva, imprevedibile della pittura di Montanaro.La seconda performance è TReE, di Nila Shabnam Bonetti: cinque attrici con abiti multicolori si addentreranno negli spazi della Fiera alla ricerca l’una dell’altra. Le cinque figure potranno ricongiungersi, creando un’unica entità, solo nel luogo adatto, affinché i loro piedi possano unirsi con la terra diventando radici e le loro braccia rivolgersi al cielo tramutandosi in rami fioriti. La loro unione, che avverrà sulla fertile terra del Chiostro del Museo, darà vita a una coreografica composizione, richiamando la forma di un albero. L’azione cita e ripercorre Turpiacque - performance presentata nel 2010 in occasione di Step09 - ed è dedicata all’anno Internazionale delle Foreste (2011).La terza performance che segnaliamo è “Mostra performante Mulier” del Collettivo Mulier: un gruppo di spose mute sedute intorno ad una munifica tavola, imbandita di candido bianco, intente a consumare delicatezze, a scambiarsi convenevoli di un pasto propiziatorio riscaldato da una tenue luce. Un banchetto di pura arte per gli ospiti attoniti; davanti ai loro occhi si susseguono oggetti d’artista presentati allo scopo di nutrire l’animo dei commensali. Ora non è poi così difficile masticare arte, ci dobbiamo solo chiedere se preferiamo tele e pittura o ceramica e vetro, cera e gesso o inchiostro su carta: un cibo solido e sostanzioso i cui ingredienti sono il riflesso dei nostri gusti. l’esperienza sensoriale è fisica: l’arte viene proposta sempre in maniera dissimile, ci nutre ma non si consuma.Infine, assolutamente da segnalare IO SOTTRAGGO. LA TRIANGOLAZIONE CIBO-CORPO-PESO. Si tratta di una progetto di Giovanna Lacedra, a cura di Grace Zanotto: "Trasformare in arte la patologia. Fare in modo che il corpo, da anni ostaggio di rituali ossessivi, da anni contenitore di vuoti affettivi, di assenze e di mancanze, da anni vittima e carnefice di se stesso, diventi racconto espressivo e creativo di una tra le più paradossali malattie: il disturbo anoressico-bulimico. Mangiare niente come mangiare tutto. Svuotarsi come ingombrarsi. Mettere dentro il mondo intero, o il mondo intero rifiutare. Sbranare pulsionalmente l’amore che non si ha, o scegliere stoicamente la rinuncia. Controllare il corpo per illudersi di controllare la vita intera. Operare calcoli minuziosi, e istituire una vera e propria aritmetica del desiderio. Sottrarsi chili per sottrarsi ai desideri. Scarnificarsi e rischiare la vita, pur di rendersi visibili. Fingersi inarrivabili, perché il contatto è già una ferita. Non ho bisogno di niente. Non ho bisogno di cibo. Non ho bisogno di te".Molto interessante l’installazione di Sandro Cabrini. Da sempre il suo lavoro si muove in una ricerca di identità che permette all’uomo di realizzarsi ed essere felice. Le folle dei suoi quadri sono strumenti primordiali che nella loro danza sono via via oracoli, certezze, chimere, in una comunità nuova, diversa. Questo filo conduttore, identità e felicità è nella sua filosofia, dove gli uomini diventano cittadini che si confrontano con la realtà di oggi senza inseguire il globale ma utilizzano strumenti come conoscenza, comunicazione e tecnologia nel rispetto della persona e dell’ambiente in un villaggio felice. Le figure colorate escono dalla loro immobilità e proprio attraverso i gesti creano congiunzione e ritmo.Durante la manifestazione inoltre nel Salotto di Step09 organizzato nella sala delle Colonne verranno presentati alcuni incontri tematici sull’arte contemporanea:Giancarlo Graziani docente allo IULM presenterà “L’AUTORITA’ CERTIFICATORIA NELL’ARTE CONTEMPORANEA USI ED ABUSI” interverranno Ali Hassoun e Pierluigi Massimo Puglisi.Artistocratic, la galleria online di fotografia d'arte di Tommaso Stefani, presenta nel proprio spazio espositivo una serie di opere fotografiche, in gran parte vintage inediti, provenienti dall’Archivio Mario Giacomelli di Sassoferrato di cui è rappresentante esclusivo e nel salotto di Step09 il libro su Mario Giacomelli “SOTTO LA PELLE DEL REALE” a cura di Katiuscia Biondi. MC2 Gallery presenta una tavola rotonda su “mondo fotografia, tradizione, innovazione, collezionismo” interverranno Denis Curti, Enzo Obiso, Ilaria Ferretti, Giovanni Pizzamiglio, Claudio Composti.Significative anche le mediapartnership, raggiunte da Step09 per questa sua terza edizione: La Repubblica XL, ARTRIBUNE, KritikA, Lobo Di Lattice, D’Ars ed HESTETIKA.LA REPUBBLICA XL parteciperà a Step09 non solo come mediapartner ma anche come ‘fornitore di contenuti’… L’adesione della nota rivista al progetto Step09, infatti, oltre a confermarsi per il terzo anno consecutivo, diviene ancora più sostanziale nell’edizione 2011 grazie al progetto Overground di Luca Del Pia che XL ha deciso di offrire ai visitatori dell’evento milanese. Overground - Visioni dalla scena performativa italiana è un’opera che mette in dialogo tre operazioni di natura differente: la fotografia, il gesto performativo e la scrittura critica. D'ARS invece porterà a STEP09 uno speciale progetto interattivo dei giovani artisti di InsynchLab, che hanno realizzato una vera e propria operazione di Realtà Aumentata legata sia alla location (attraverso un dispositivo mobile smartphone sarà possibile visualizzare un oggetto in 3D posto nello spazio virtuale al di sopra del chiostro del Museo) sia più specificatamente all'arte: "QRcode for Art" è infatti articolata attraverso una serie di sculture, su cui sono impressi QR code che permettono ad uno smartphone di decriptare un messaggio: lo scopo di quest'operazione è produrre opere plastiche in grado di comunicare, ma soprattutto di svelare e denunciare i meccanismi più biechi della commercializzazione dell'arte.HESTETIKA, il magazine che raccoglie e racconta il nuovo che avanza nel mondo dell'arte e del design, in occasione della manifestazione milanese metterà in mostra la propria cover story, proponendo tre opere d'arte tratte dalle foto dello stesso servizio di copertina. Il progetto artistico è frutto dei Fratelli Boga, artisti, designer e creativi che hanno interpretato le foto del magazine facendole diventare delle vere e proprie opere d'arte. La cover story di questo numero è una sorta di manifesto d’intenti, uno speciale che analizza l’indissolubile e unico legame che unisce l’artista alla sua modella, un vero e proprio avatar in cui la musa raccoglie in sé e nel suo corpo l’estro e la creatività dell’artista stesso. Un rapporto analizzato in una fotogallery esclusiva in cui vengono confrontate opere di Giacometti, Rodin, Messina, Martini e Manzù con modelle attuali riprese nelle stesse pose.Inoltre, Step09, in occasione della sua terza edizione, avvia una collaborazione con Artribune Television, a cui viene affidato un prezioso lavoro di documentazione video. Fin dal primo giorno d’apertura dell’evento, sul sito di Artribune e sullo schermo della Sala delle Colonne sarà trasmesso un report che raccoglie il meglio degli eventi, con una carrellata di immagini montate ad interviste: dettagli e panoramiche di stand, volti, opere, spazi. Una zona lounge, appositamente allestita, servirà inoltre, durante i giorni d’apertura, come location per effettuare registrazioni di conversazioni con artisti, galleristi, operatori del settore. Il materiale prodotto servirà ai collezionisti ed appassionati d’arte che non possono partecipare alla manifestazione per fruire dell’evento e di tutti gli avvenimenti in esso presenti, oltre a costituire memoria storica dell’evento nonché strumento di promozione e comunicazione, da veicolare - oltre che all’interno degli spazi espositivi - attraverso piattaforme web (dal sito di Artribune a quello di STEP09, fino ai vari portali di informazione).Fra le pubblicazioni di arte contemporanea che dimostrano l’alta considerazione in cui Step09 è tenuta nel panorama nazionale, anche Kritika ha deciso di presentare un numero speciale della rivista ma anche un proprio contenuto artistico: una mostra che esplora il tema del corpo e della corporeità attraverso le opere di quattro artisti di diversa formazione – Justyna Gorowska, Gacomo Vanetti, Giovanni Canzoni Piazzalunga e Emila Sirakova - accomunati dal mezzo espressivo della fotografia e declinato secondo differenti modalità.Assolutamente da segnalare anche MINDCUBE. cellulare, email, sms, televisione… questo brusio penetra la coscienza: la distrazione diventa uno stato di normalità e la capacità di relazionarci con immobilità e silenzio si indebolisce. La prima a soffrirne è l'arte visiva, la cui fruizione richiede un’elevata capacità di contemplazione. Il compito di un curatore deve dunque includere un’attenzione al fruitore, trovando soluzioni espositive che possano proteggerlo dalle interferenze. MINDCUBE è un’iniziativa curatoriale ideata e diretta da Ronald Lewis Facchinetti nel 2009 su queste premesse, che a Step09 presenterà, con il supporto curatoriale di Olivia Spatola e Matteo Galbiati, le installazioni di Luca Bonfanti, Nicola Evangelisti e Alberto Gianfreda che hanno voluto alloggiare il loro segno all'interno di questa nuova forma di ‘cornice’ che attraverso l'isolamento ne facilita la fruizione.Oltre a questi contenuti speciali, ricordiamo quello che sarà il format dell’edizione 2011:SOLOEXIBITION/SOLOPROJECT - Le gallerie presenteranno le opere di un singolo artista, od uno specifico progetto espositivo che coinvolga al massimo 4 artisti, ed eventualmente un curatore.PREVIEW - All’ingresso della manifestazione verra’ proposta ai visitatori ed ai collezionisti d'arte l'anteprima dell'esposizione: ogni galleria presenterà un’opera (di piccolo formato) dell’artista presente nel proprio spazio espositivo. STEP “ENPLEINAIR" - All’interno del Giardino nel chiostro del Museo, saranno presentate ai visitatori opere installative e scultoree.LIVE PERFORMANCE - Alcune delle gallerie partecipanti presenteranno speciali performance di un loro artista in uno spazio dedicato del Museo.NEXT.STEP Seconda Edizione - Questa “finestra aperta sul panorama artistico più contemporaneo del contemporaneo” diventerà una grande parete espositiva in cui saranno proposti artisti under 30 anni. Per tutte le informazioni del caso vi rimandiamo al sito, www.step09.com.

FRRR... LA STORIA DEL PESCE FUOR D'ACQUA ALLA MAGNA CAPITANA

2011-11-23T04:17:00.001-08:00

La favola per adulti-bambini ideata dallo scrittaore Giuliano Parenti e illustrata con le tavole dell’artista foggiano Antonio Torquato Lo Mele, verrà presentata venerdì 25 novembre alle 17.30 presso la Biblioteca Provinciale di Foggia ‘La Magna Capitana’, in viale Michelangelo,1. A promuovere l’evento l’assessorato alla Cultura della Provincia di Foggia, la stessa Biblioteca provinciale, la scuola primaria e dell’infanzia San Giovanni Bosco in collaborazione con il Teatro dei Limoni.E’ previsto l’intervento del Lo Mele, dell’assessore alla Cultura provinciale di Foggia della Billa Consiglio, della responsabile del settore ragazzi della Magna Capitana Milena Tancredi, del dirigente scolastico del San Giovanni Bosco Enza Maria Caldarella e del presidente della casa editrice del volume, La Meridiana, Elvira Zaccagnino.Coordinerà gli interventi la docente Donata Glori, nel corso della serata Paola Capuano del Teatro dei Limoni leggerà alcuni brani del libro.Il piccolo audace FrrrStoria di un pesce fuor d’acquadi Giuliano Parenticon tavole illustrate di Antonio Torquato Lo Meleedizioni la meridianaFrrr era un pesciolino un po’ particolare. Gli altri pesci del lago Balestra battevano la coda di lato, una volta di qua e una volta di là come sempre s’è visto fare. Anche lui faceva così, ma in più poteva girar la coda come una chiavetta e batterla su e giù e questo, nel lago Balestra, non s’era mai visto.Il piccolo audace Frrr. Storia di un pesce fuor d’acqua (edizioni la meridiana, collana partenze, pp. 136, Euro 18,00) è una storia per bambini, di quelle però che hanno molto da insegnare anche agli adulti.É una storia scritta in forma di racconto breve da Giuliano Parenti e illustrata da Antonio Torquato Lo Mele con tavole pittoriche in cui la parola si fa immagine e l’immagine si fa racconto.Una storia popolata di animali parlanti, pesci, rane, cicale, formiche, cani, uccelli. Frrr è un pesce ma non vuole finire nell’olio bollente, non ne vuole proprio sapere di un destino da pesce.La sua vita può essere altro, innanzitutto la scoperta e la conoscenza del mondo fuori dal profondissimo lago Balestra. Come fare?Schizzando fuori e provando a vivere come un extralacustre. Iniziando cioè un percorso di scoperte e di avventure nei mondi fuori dall’acqua.La scrittura di Giuliano Parenti – come spiega Mario Artioli nell’introduzione al testo – è ricca di metafore ingegnose e di fulminee similitudini, il linguaggio è ludico e inventivo. I nomi dei personaggi con le loro onomatopee trasmettono subito la caratteristica del personaggio stesso e permettono al lettore, soprattutto al più giovane, di familiarizzare subito con esso e con il contesto della vicenda narrata.Una sorta di favolistico romanzo di formazione che segue la vita del piccolo pesce Frrr iniziando dal lago Balestra passando alla terra e infine al cielo. Perché «una volta esaurite le avventure possibili a un pesce di terra Frrr viene ripreso dal suo frenetico desiderio di andare oltre, di dare ali alle sue esperienze».Un libro da leggere e da guardare per giocare, sognare, immaginare a casa ma anche a scuola. Soprattutto un libro da voltare e rivoltare: da un lato troverete solo la storia e dall’altra le 104 bellissime tavole di Antonio Torquato Lo Mele che vanno al di là del semplice racconto figurato integrando scrittura e illustrazione e proponendo un continuum spazio-temporale d’interessante innovazione.

L'UOMO DELLE STELLE DI ADRIANO SANTORO A MANFREDONIA FINO ALL'8 MAGGIO

2011-04-16T02:47:00.000-07:00

L’uomo delle stelle
Mostra fotografica di Adriano Santoro allestita presso il Dominus Cafè, in Piazzetta Mercato, 25

di Anna Castigliego

Adriano Santoro, in collaborazione con Domenico Trimigno, presenta la mostra fotografica "L’uomo delle stelle", allestita fino a domenica 8 maggio 2011 presso il Dominus Cafè in Piazzetta Mercato, 25 a Manfredonia.

Dopo aver presentato le foto alla mostra itinerante “Chi dice donna dice…Daunia” di Gerardo Di Feo al Palazzo Celestini di Manfredonia, al Palazzo Dogana di Foggia per il Festival del Cinema Indipendente , al Palazzo Vescovile di Troia (organizzata da Rossella Marchese) per il Festival Troia Teatro e alla Torre Bizantina di Biccari, la mostra torna a Manfredonia -da dove era partita– presso i locali del Dominus Cafè, per immergere le donne fotografate tra gli ambienti della loro vita (perché tutte - eccetto una - sono di Manfredonia).

Adriano Santoro, nato a San Giovanni Rotondo nel 1980, vive e opera artisticamente tra Manfredonia, Foggia e Lucera. Consegue il Diploma di II livello in ‘Arti Visive e Discipline dello Spettacolo’ presso l’Accademia di Belle Arti di Foggia. Dedica al tema delle ‘Sirene’ un gran numero di opere della sua produzione artistica.

Per la rassegna “Chi dice donna…dice Daunia” Santoro propone foto di donne di Manfredonia i cui ritratti sono focalizzati sul volto e soprattutto sullo sguardo che rappresenta il punto focale dell’intera serie. Le donne sono rappresentate tutte dinanzi a degli elementi architettonici che rimandano al territorio pugliese: striature di una finta colonna, il legno di un portone, il tufo di un muro con le sue mille trame.

La serie di foto rientra in un progetto più ampio denominato “L’uomo delle stelle” che si ispira al film culto di Giuseppe Tornatore sul sogno cinematografico tra la gente comune. I visi di Santoro sono “volti da film”, facce di donne che davanti alla macchina da presa esprimono emozioni e sensazioni, stati d’animo che nella quotidianità emergerebbero solo a sprazzi e in queste foto sono amplificati all’ennesima potenza.

TRACCE- BELLEZZA ORSINI-BOLOGNA DAL 1 APRILE AL 30 APRILE 2011

2011-03-22T04:28:00.000-07:00

La collettiva nasce con l'intento di dare agli artisti la totale libertà di narrare ciò che desiderano per poi mettere a confronto i diversi stili e le diverse narrazioni.
La scelta degli artisti da coinvolgere si è basata quindi sulla potenza narratrice dei loro lavori.
La mostra è ospitata all'interno dello spazio Bellezza Orsini - sede legale dell'associazione Teatro dell'Otium (Otium Teatro) - che opera, da poco più di un an...no, nel panorama culturale bolognese promuovendo giovani artisti figurativi e dello spettacolo dal vivo.

Elenco Artisti:
Andrea Palamà
Arianna Piazza
Dario Molinaro
Emanuele Puzziello
Fabio Mazzola
Flavio Romualdo Garofano
Francesca de Cesare
Giacomo Bagnara
Luigi Copello
Luigi Massari
Pasquale de Sensi
Patrizia Emma Scialpi
Pierpaolo Febbo
Sam Punzina
Stefano de Longhi

Testo critico di Francesca de Filippi

Date: dal 1 al 30 aprile 2011 dal giovedì al sabato dalle 18:00 alle 20:00 (altri giorni compresa la mattina solo su prenotazione).
Ingresso libero con tessera associativa (costo 1 euro)

info: 3408882842 - 3383012252
bellezzaorsini@gmail.com

inoltre sarà presente un piccolo banchetto di "Bozze Editoria Libera", dove saranno esposti fanzine e libri pubblicati in autoproduzione.
http://bozze.tumblr.com/

PAZ & PERT: GLI ULTIMI ESEMPLARI DI UOMINI DURI MA PURI COME BAMBINI

2010-12-18T11:32:00.000-08:00

ARTICOLO PUBBLICATO DAL QUOTIDIANO L'ATTACCO DI SABATO 18 DICEMBRE 2010

È stata inaugurata a Roma al Palazzo “Fandango Incontro” la mostra “Paz & Pert”, che rende omaggio a due personalità di primo piano del secondo dopoguerra italiano, Andrea Pazienza e Sandro Pertini. La mostra è curata da Vincenzo Mollica e Mariella Pazienza ed è ospitata nei 250 metri quadri del ritrovato "Fandango Incontro - il Caffè Letterario", uno spazio che la Fandango e
la rete Civita della Provincia di Roma hanno riaperto ammodernandolo e rendendolo un centro polivante per mostre, letture, proiezioni, dibattiti.
La mostra è un piccolo evento tutto da gustare, perchè presenta una novantina di tavole, vignette, illustrazioni, copertine, arricchite da filmati e documenti per riscoprire non solo il grande estro artistico e l'acume con cui Pazienza riusciva a radiografare la storia dell'Italia, ma anche a conoscere più da vicino la profonda personalità di Pertini. Visitando la mostra traspare l'amore profondo di Pazienza nei confronti del “Suo Presidente Partigiano”, un rapporto di stima e ironia che portò il grande illustratore italiano a disegnare ininterrottamente dal '78 all'87 una serie di avventure partigiane dove "Pert" è il comandante e lo stesso "Paz" il suo attendente. Pazienza vedeva in Pertini “ l''ultimo esemplare di una razza di uomini duri ma puri come bambini” una luce nella notte di una prima repubblica compromessa dalla corruzione dilagante.
Le tavole di Paz fotografano un'Italia che a distanza di quasi 30 anni non c'è più negli aspetti positivi, ma rimane legata alle negatività ed ai fantasmi del passato.
La figura di Pertini non è raccontata da Pazienza con tono dissacratorio (che riservava a tutti gli uomini politici), ma con complicità e affettuosità sincera.
Pertini dal canto suo ammirava la figura di Pazienza, scoprendolo grazie ad una celebre copertina de “Il Male” una delle più importanti riviste di satira italiane, attiva tra il '78 e l''82. L'artista aveva rapppresentato il presidente profondamente addolorato per il rapimento di De Andrè da arte dell'anonima sarda. Pertini in quell'occasione telefonò ersonalmente al ventitreenne Pazienza per complimentarsi e chiedergli il disegno in regalo. Pertini invitò al Quirinale Andrea Pazienza per un pranzo, ma Andrea non riuscì a partecipare. Questa mostra li unisce per la prima volta. Paz dedica a Pertini un intero libro in cui Paz fa da spalla al temibilissimo Pert in giro per sperdute montagne dove si svolgevano imprese resistenziali in nome della libertà e della giustizia.
La bellezza della mostra risiede oltre che nel genio artistico di Pazienza e nella figura indimenticabile di Pertini, nel percorso comune di fumetto e testimonianza storico – biografica, dividendosi in due ampie sezioni corrispondenti una al primo piano del Palazzo incontro, l'altra al secondo. Si passa dal periodo della resistenza e dell'antifascismo, in cui Pertini sperimentò l'esilio e conobbe il carcere e il confino, per poi diventare uno dei protagonisti della liberazione dell'Italia dalla dittatura nazifascista. Il piano superiore è dedicato al Pertini Presidente della Repubblica, che reinventando il protocollo riuscì ad essere vicino alla gente comune guadagnandosi un grande affetto in Italia e non solo.
Un itinerario di interesse storico artistico in grado di far avvicinare anche le nuove generazioni alla conoscenza di una figura esemplare della nostra storia repubblicana e dell'artista che ha saputo raccontarlo con eleganza ed ironia. Nel percorso espositivo ci si imbatte in una tavola scritta e firmata da Paz:
"Caro Pres se anche alcune di queste paginette t'hanno fatto arrabbiare, seppure non te ne è piaciuta manco una, se mai abbi a pensare che mi sono approfittato di te, oppure, peggio di tutto, non ti sei riconosciuto nel mio pupazzetto, sappi che comunque, anche qui dai sobborghi della giovane Italia, ti si vuole un gran bene. Tuo Paz". Un attestato di affetto che è lo stesso che campeggia sul libro degli ospiti della mostra. È confortante vedere a pochi giorni dall'inizio della mostra un libro firme così pieno di manifestazioni di stima, affetto, rabbia per aver perso due grandi, critica e satira.
Tra tutte le frasi “Pertini unico presidente” o “Paz genio immortale”, ma anche “Paz scusa a nome della tua terra che hai tanto amato e che oggi ti rinnega” un riferimento alla provincia di Foggia che non lo ricorda come invece dovrebbe.
Tra le tavole migliori sicuramente quella in cui Pazienza immortala un Pertini Presidente della Repubblica uscente che dice tra sè e sé “ O STATO IO NON TI LASCIO IN QUESTO STATO”.
Una mostra che vale la pena visitare per la grandezza dei due protagonisti. La mostra sarà visitabile fino al 27 Febbraio 2011.

SPANO E LOVEDAY: LA FOTOGRAFIA IN MOSTRA ALLA GALLERIA ERBETTA DI FOGGIA

2010-12-18T11:22:00.000-08:00

ARTICOLO PUBBLICATO DAL QUOTIDIANO L'ATTACCO DI SABATO 18 DICEMBRE 2010

Doppia personale alla Galleria Paolo Erbetta di Foggia, ad esporre i propri lavori sono Angela Loveday e Luca Spano, due giovani fotografi con un background artistico e culturale davvero interessante. Partiamo da Angela Loveday che presenta il progetto “Help me I'm in hell”, costitutito da dieci grandi stampe fotografiche nelle quali trasferisce nello spazio metafisico e metalinguistico della fotografia, la sua interpretazione delle molteplicità dell'esistenza umana. L'artista nasce nel 1984 a Marostica (VI) e parlando di sé e della propria arte si definisce così: ”Per me la fotografia è un modo per smettere di soffrire. E’ una necessità. Da qui deriva la natura della mia ricerca; le emozioni umane, quelle che io provo come donna (di colore, di 1.86cm di statura, tatuata, acculturata e alle volte bipolare), come figlia, come la madre che sarò, e la professionista che sono. Come essere umano, come animale, come oggetto senziente.” inoltre continua: “E’ difficile, lo ammetto, tentare di raccontare una storia che non è fatta di parole, ma di silenzi. E’ difficile avere la forza di continuare a guardare il mondo
con il cuore, quando sembra che le emozioni stiano scomparendo dalla superficie di questo pianeta. La mia ricerca non si sviluppa in superficie, ma in
profondità. Io scavo, continuamente, dentro me stessa e dentro le altre persone. Talvolta riemergere da quelle “cave” emozionali e sensoriali è difficile; ma
quanto più riesco ad andare affondo tanto più è prezioso ciò che porto in superficie. Durante il mio percorso di studi, fatto per la maggior parte di semiotica,
comunicazione, psicologia e sociologia, ho avuto modo di capire la società, le persone e le emozioni/pulsioni che governano e muovono il mondo. Ho
tentato di capire, attraverso gli strumenti teorici in mio possesso, come cogliere e comunicare con le immagini ciò che spesso non si riesce a dire, tantomeno
fotografare.”
Luca Spano, invece, presenta quindici fotografie di dimensioni cinquanta per cinquanta dal titolo One, legate alla Sardegna. L'essenza dei particolari paesaggistici che la sua terra offre e ai quali l'autore è particolarmente legato, la leggerezza dei colori che accennano i soggetti in primo piano, restituiscono a chi guarda una libertà di vedere e scegliere all'interno di ogni immagine un filo conduttore che accompagni il suo concetto. Spano nasce a Cagliari nel 1982, ha iniziato ad usare la fotografia come forma espressiva a 18 anni. Laureato in Scienze della Comunicazione all'Università La Sapienza di Roma. Nel 2007 è stato uno degli ideatori del K-photofest, festival di fotografia a Cagliari. Nel 2008 ha iniziato l'attività di ricerca con l'antropologo Massimo Canevacci per vari progetti tra il Brasile e il Giappone. Nel 2008 ha iniziato a lavorare come freelance per magazine italiani e viene selezionato la biennale internazionale della giovane fotografia europea MENOTRENTUNO. Da analizzare e approfondire nelle sue fotografie è sopratutto la trama antropologica. Il fitto legame tra fotografia e antropologia è eslicitato attraverso le parole dell'artista che afferma: “nel mio caso fotografia e antropologia vanno di pari passo. La fotografia è uno strumento di analisi, soggettivo e per questo estremamente stimolante per l’osservazione dell’altro e delle dinamiche nuove e ibride che il contesto metropolitano innesca e l’antropologia consente di avvicinare, studiare, analizzare, comprendere e soprattutto condividere. Questo anche per colmare quel gap di conoscenza che c’è nei confronti dell’altro e dell’estraneo che molto spesso spaventa.
La mostra verrà inaugurata sabato 18 Dicembre, dalle 18,30 alle 21,30 e sarà visiitabile fino al 28 Febbraio 2011 dal lunedì al sabato dalle 11 alle 13 e dalle 17 alle 20,30 il Mercoledì e gioved
su apuntamento, il catalogo è disponibile in Galleria con testo di Simona Cresci.

ARTEORA OSPITA LA NUOVA PROVA D'ARTISTA DI SALVATORE LOVAGLIO

2010-11-06T07:04:00.000-07:00

ARTICOLO PUBBLICATO SUL QUOTIDIANO L'ATTACCO DI SABATO 6 NOVEMBRE 2010

Sarà inaugurata giovedì 11 novembre alle ore 19 allo SpazioArteOra “Prove d'autore” la mostra personale di Salvatore Lovaglio. La mostra curata da Loredana Rea, presenterà una selezione di incisioni realizzate dall'artista lucerino dal 2001 al 2010. Alcune opere della mostra, prima di giungere a Foggia, nella galleria di Gigliola Fania, sono state ospitate ad Artefuoricentro a Roma e al Palazzo Comunale di Sesto Calende nel varesotto.
Il titolo della mostra esplica la volontà dell'artista di mettersi alla prova con gesti artistici che denotano un grande lavoro compositivo.
All'Attacco il direttore artistico di SpazioarteOra Gigliola Fania ha presentato il progetto espositivo sottolineando “l'immenso lavoro che c'è dietro l'organizzazione di una mostra di Lovaglio, artista silensioso, laborioso e attento”. La mostra sarà composta da dieci incisioni realizzate dall'artista dopo la lavorazione al torchio, costruito nel suo “hangar rurale”. La Fania ha posto l'accento sul grande potere comunicativo e sul grande valore artistico che ha avuto nel corso dei secoli la stampa d'arte, ritornata in auge a metà anni '70 del Novecento. Le stampe a colori e in bianco e nero di Lovaglio alludono al paesaggio dauno, con riferimenti eleganti, ricercati, vissuti. Loredana Rea curatrice della mostra si esprime così in merito al lavoro di Lovaglio: “La complessa operatività manuale in cui a dominare sono le lastre, le sgorbie e i bulini, gli acidi e le vernici, la pressione del torchio, la carta intrisa di acqua per accogliere ogni pur minima e controllata pressione gli ha permesso di creare una nuova dimensione di ricerca, che della pittura conserva inalterata la prorompente energia e la sottile poesia.
I tempi lunghi, inevitabilmente legati all’antica ritualità della pratica incisoria, infatti, nulla hanno tolto alla flagranza dei segni, alla intensità delle velature, alla rarefazione degli spessori cromatici, alla viscosa stratificazione degli ispessimenti materici, anzi semmai fosse possibile hanno aggiunto forza alla sconcertante e misteriosa semplicità del quotidiano rinnovarsi della vita. Il foglio inciso si presenta allora come il risultato del difficile equilibrio tra azione e pensiero, tra istinto e ragione, tra immediatezza e riflessione. Ma come le tele, in cui le trame della materia cromatica ora liquide ora vischiose evocano la terra impastata di umori, il cielo traboccante di luce e l’acqua pullulante di vita, anche le incisioni, per lo più realizzate in grandi formati, con l’acquatinta, l’acquaforte e il carborundum, ricreano un baluginio di luce che ferisce gli occhi in quei pomeriggi estivi che sembrano non avere fine, il fremito di un campo che apre le sue viscere scure, il refolo leggero del vento che increspa un ruscello, per materializzare la sensazione di essere dentro la natura, di sentire e vivere attraverso essa il turbamento della totalità.” Lovaglio non è nuovo a progetti che puntano sulla realizzazione di opere di grandi dimensioni, infatti, già nel marzo 2006 alla Galleria di Arte Moderna e Contemporanea di Palazzo Dogana a Foggia, fu presentata la mostra “Geografie” con tele immense che presentavano astrazioni coloristiche con riferimenti al paesaggio dauno, immagini dipinte rese dall’alto come se fossero delle ricognizioni ma invece di esplorare il paesaggio proiettano in esso le varietà dell’arte, e quindi la bellezza insita in essa che rappresenta tra le altre cose l’unico punto di contatto tra le geografie del mondo. Non poche assonanze potranno essere ravvisate tra questi lavori e le incisioni, che vivono però autonomamente dal florido percorso pittorico dell'artista. Una prova d'artista quella di Lovaglio, che viene raccontata anche attraverso un video, realizzato dal videomaker manfredoniano Adriano Santoro, che verrà proiettato durante l'inaugurazione e le serate successive. La mostra sarà visitabile in via Onorato 62/E fino al 5 dicembre, dal lunedì al sabato dalle 18.30 alle 21.30 e previo appuntamento in orari diversi. ArteOra è anche sul web, maggiori info sul sito www.arteora.org o telefonando alllo 0881021578 o al 3200606090.

ALLA MERLETTAIA PRESENTATI I LIBRI DI TOLBA', PENSANDO A SAKINEH

2010-11-06T06:50:00.000-07:00

ARTICOLO PUBBLICATO SUL QUOTIDIANO L'ATTACCO DI SABATO 6 NOVEMBRE 2010

Parlare di intercutura oggi non è cosa facile, lo sanno bene gli immigrati che vivono in terra di Capitanata che hanno visto chiudere a Foggia la viva realtà del Centro Interculturale Baobab per taglio di fondi, nonché il ridimensionamento di molti servizi a loro offerti sul territorio provinciale. Ma a Foggia il dialogo interculturale non può e non deve spegnarsi, e di fatto non si sta spegnendo, grazie, sopratutto alla forza dei singoli che si uniscono in rete e alll'associzionismo locale. Il Baobab vive ancora per merito dello staff del Centro che volontariamente tira avanti, ed anche altre realtà culturali stanno portando avanti in città incontri e dibattiti sulle culture altre. Ricca di contenuti è stata la presentazione del libro “Sono in una nuova casa” tenutasi ieri sera al Circolo culturale “La Merlettaia” in via Arpi. Il libro scritto da Nino Ferrara e Luciana Sforza edito dalla casa editrice “La biblioteca di Tolbà”, parla della lapidazione in un testo delicato e poetico che attraverso gli occhi di una tredicenne si interroga sulla vita, sull’amore e sulla morte. La presentazione del libro è stata condotta da Donata Glori in un colloquio con Graziella Cormio, redattrice e grafica del libro nonchè presidente dell’associazione di medici volontari Tolbà di Matera. Lettura e accompagnamento musicale è stato affidato all'attrice foggiana Raffaella Montrano. I libri di Tolbà sono libri di arte, di storie vicine e lontane, splendidamente illustrati, scritti in molte lingue; narrano storie vere e fiabe, raccontano momenti luminosi e tristi, ognuno di essi è uno scrigno di bellezza che può aiutare ad incontrare l’altro in particolare quando l’altro sembra assomigliarci meno. Dal 1992 l'associazione Tolbà si finanzia attraverso la pubblicazione di libri di favole tradotte in molte lingue. Attraverso questa forma di editoria raggiunge il duplice scopo di cercare di diffondere le culture “altre” come portatrici di valore e di arricchimento alla nostra cultura e di sensibilizzare i lettori su progetti di sostegno e di cooperazione in Paesi che necessitano di cooperazione per lo sviluppo. Tutte le pubblicazioni sono il risultato di una catena di solidarietà che si attiva fra illustratori, traduttori, grafici, musicisti, professori universitari esperti della pedagogia multi culturale, stranieri desiderosi di comunicare la propria cultura e le proprie tradizioni. Ogni libro segnala e descrive un progetto che poi verrà finanziato grazie al proventi della vendita. Donata Glori all'Attacco pone l'accento su una frase del testo presente sulla seconda di copertina: “Dedicato all’amore delle donne invisibili, donne come Sakineh che si trova nelle carceri iraniane in attesa che si compia la sua condanna a morte per lapidazione, ma anche come tutte coloro che rischiano questa condanna. Solo in Iran ci sono circa 150 donne in attesa di essere lapidate, se la reazione della comunità internazionale nei confronti del ricorso a questa pratica sarà blanda ci sono ragioni per credere che l’Iran procederà alla lapidazione di tutte queste donne. Bisogna continuare a parlarne, questa pratica crudele colpisce in alcuni casi anche gli uomini. Bisogna attivare la coscienza collettiva su questi avvenimenti e riproporre alla città le meravigliose suggestioni che il libri della biblioteca di Tolbà riescono a far nascere”.

L'ARTE A PORTATA DI MANO OSPITA SALVATORE POSTIGLIONE

2010-11-06T06:47:00.000-07:00

ARTICOLO PUBBLICATO SUL QUOTIDIANO L'ATTACCO DI SABATO 6 NOVEMBRE 2010

IL 7 settembre scorso, Francesca di Gioia, docente di Storia dell'Arte presso l'Accademia di Belle Arti di Foggia, apriva il ciclo di incontri ‘L’arte a portata di
mano’ con la conferenza dal titolo ‘Alfredo Petrucci: le acqueforti'. Il ciclo di conferenze giungerà al termine martedì 9 novembre alle 18 con il terzo incontro dal titolo “Le sculture di Salvatore Postiglione in
Palazzo Dogana’ con l'intento di far conoscere, attraverso la lettura di esperti, le opere e gli artisti più significativi presenti nella Galleria provinciale d'arte moderna e contemporanea di Foggia. Il corpus più consistente di opere dell’artista sanseverese,
scultore tra i più significativi espressi dalla Capitanata nel corso del
Novecento, si trova infatti proprio nel palazzo della Provincia, diviso tra
Galleria e Sala Giunta. Ne parlerà il critico Gaetano Cristino, che a
Postiglione ha dedicato numerosi studi e una monografia nel centenario della
nascita.
Salvatore Postiglione (San Severo, 1906 – Foggia, 1996), ha attraversato per
intero il ‘secolo breve’ vivendone i drammi e le contraddizioni, confortato
tuttavia da un’arte non effimera con la quale ha cercato di filtrare e
testimoniare, con l’originalità e la raffinatezza evolutiva delle sue creazioni
figurative, le aspirazioni più vere e profonde dell’animo umano: la libertà, la
giustizia e la bellezza.
Formatosi presso il Liceo Artistico e l’Accademia di Belle Arti di Napoli con
maestri come Vincenzo Migliaro, Giuseppe Aprea e Guido Calori,
per circa quarant’anni svolse a Foggia l’attività di docente di Disegno e
Storia dell’arte preso gli istituti medi e superiori continuando al tempo
stesso a coltivare la sua straordinaria capacità di lavorare ogni sorta di
materiale, dal marmo alla pietra all’argilla al bronzo, per ricavarne forme di
straordinaria espressività. La statuaria onoraria e monumentale e la ritrattistica sono state le forme di scultura in cui maggiormente ha espresso il suo talento e la sua forte capacità
di introspezione psicologica.
“Salvatore Postiglione – ricorda il vicepresidente e assessore alla Cultura
della Provincia, Billa Consiglio – oltre che grande artista e organizzatore,
insieme ad Ar, Schingo, Petrucci e Gervasio, di eventi culturali che hanno
caratterizzato nella prima metà del Novecento la nostra provincia, è stato
anche un educatore che ha sempre parlato ai suoi allievi dell’amore per l’arte
e per la libertà, a partire dalla testimonianza della sua vita”.
Gli incontri riprenderanno a gennaio, in occasione dell'inserimento nella Galleria di alcune opere di Joseph Beuys dedicate alla Capitanata, con una conferenza del professor Stephan Nienhaus sui rapporti tra il grande artista tedesco e la nostra provincia e proseguiranno con letture di tematiche particolari (Transavanguardia, Concettualismo, ecc.) della collezione dell'Istituto S.Paolo-Banco di Napoli tenute dal Silvano Saccone, storico dell'Arte presso il Palazzo Reale di Napoli, e dal professor Mario Corfiati, docente di Storia dell'arte presso l'Accademia di Belle Arti di Foggia. Il primo ciclo di incontri si concluderà, nella primavera 2011, mettendo il pubblico direttamente a contatto con alcuni importanti artisti le cui opere sono presenti nella Galleria o a Palazzo Dogana: Vito Capone, Dario Damato, Leon Marino, Ubaldo Urbano

-SPR+ECO AL TEATRO DEL FUOCO

2010-10-23T06:39:00.000-07:00

ARTICOLO PUBBLICATO SUL QUOTIDIANO 'ATTACCO DI SABATO 23 OTTOBRE 2010

Quante volte al giorno mangi? Una domanda che dietologi e medici di famiglia quotidianamente rivolgono ai loro pazienti. Dalle tre alle cinque volte al giorno è la risposta più plausibile sempre che non incappiamo in giornate nere e allora in quel caso il numero di volte che scartiamo e ingurgitiamo cibo sale vertiginosamente. Ma se a rivolgere la stessa domanda non fosse un medico, ma il Preside di una Facoltà Universitaria e uno speaker radiofonico cosa ne verrebbe fuori? La risposta è “semplice”...uno spettacolo teatrale. È proprio uno spettacolo teatrale è nato dall'incontro tra Andrea Segrè, preside della Facoltà di Agraria dell'Università di Bologna e Massimo Cirri, uno degli ideatori e conduttori della fortunata trasmissione di Radio2 Caterpillar e della trasmissione televisiva Cater Noster, in onda tutte le domeniche su Rai 3 con il compagno di sempre Filippo Solibello. Da venticinque anni Cirri, divide le giornate in tre: la mattina lavora come psicologo nei Dipartimenti di salute Mentale del Servizio Sanitario Nazionale, prima a Milano, adesso a Trieste; i pomeriggi, come conduttore radiofonico.
Lo spettacolo-conferenza dal titolo Spr+eco verrà portato a Foggia al Teatro del Fuoco, domenica 24 ottobre, alle ore 21. L'evento è patrocinato dal Comune di Foggia, dall’Amministrazione provinciale foggiana, dal Consorzio per l'Università della Capitanata e dal DARE, ed è sponsorizzato da Unicredit Banca di Roma e Fortore Energia
Spr+eco , si avvale, dei numeri e delle parole degli ideatori e attori dello spettacolo, ma anche delle canzoni di Mirco Menna eseguite dal vivo da Massimo Tagliata. La scenografia è curata da La Pillola, che si occupa di progettazione e comunicazione non convenzionale, di promozione della creatività in tutte le sue forme, mentre la regia è firmata da Angelo Generali che ha colaborato con Moni Ovadia e Vincenzo Cerami.
Sp+eco scava nello spreco di cibo, di farmaci, di libri, di soldi nei progetti internazionali di aiuto allo sviluppo, fino a escogitare un "uovo di Colombo" dall'impatto sociale e ambientale potenzialmente esplosivo.
Segrè è il fondatore del Last Minute Market, la cooperativa specializzata nella logistica e nella gestione delle eccedenze e proprie da queste “eccedenze” si dipana lo spettacolo. Arguto è il punto da dove sono partiti nella loro attività i Last Minute Market “Il frigorifero è la coscienza sporca del consumatore!”, oggi l' LMM non è solo un'idea astratta per bilanciare l'eccedenza di mercato: è uno 'spin-off' universitario, un'iniziativa concreta attivata, ad oggi, in circa 40 città italiane, a comporre le maglie di una grande rete che mette in relazione due mondi apparentemente distanti: quello delle imprese che producono eccedenze con quello degli enti e delle associazioni caritative che le utilizzano, favorendo un consumo consapevole e creando anche nuovi posti di lavoro.
La formula dello spettacolo è sp+eco = sufficienza e Segrè e Cirri nello spettacolo partono come nelle favole collaudate con il classico "C'era una volta” per raccontare la storia di un barattolo di yogurt, un bianco vasetto prossimo a scadenza, e solo per questo snobbato dai clienti dell'ipermercato destinato dunque a ingrossare la pila dei rifiuti di giornata pronti per morire in una mefitica discarica. Un flusso di spunti, riflessioni ed esperienze che Segrè e Cirri "sgraneranno" a poco a poco, assecondando anche le curiosità del pubblico in sala: lo spreco "en espace", appunto. Questo elogio scenico dello spreco contrasta con i sobri elementi di scena, che vede in un tavolo il suo punto focale. Lo spettacolo passa dalla proposta di acuti monologhi alle 'chiacchiere' informali in un'articolata dimensione di dialogo teatrale: complice l'organizzazione in quadri dello spettacolo, sottolineati dalla matita del maestro della vignetta Francesco Tullio Altan, il più acuto e caustico commentatore del nostro presente,
L'ingresso allo spettacolo è libero e gratuito. L'apertura delle porte del Teatro del Fuoco avverrà alle ore 20.15 e l'accesso sarà consentito in ordine di arrivo e fino ad esaurimento posti (355 suddivisi tra platea e galleria).

Il progetto triennale “IMMAGINI E PERSONAGGI. Percorsi visivi nella contemporaneità” parte oggi a San Severo

2010-10-09T09:37:00.000-07:00

ARTICOLO PUBBLICATO SUL QUOTIDIANO L'ATTACCO DI SABATO 9 OTTOBRE 2010

Si inaugura oggi, alle ore 18.00 presso lo Spazio Ripoli, in via San Girolamo 12 a San Severo, la mostra delle opere di Franco Fontana “Paesaggi a confronto”, curata dal direttore artistico del progetto Teo de Palma. L’evento preceduto dall’anteprima tenutasi lunedì 4 ottobre ha previsto interventi del Sindaco di San Severo, avv. Gianfranco Savino, per la Provincia di Foggia la Vice Presidente Billa Consiglio, l’Assessore alla Formazione Leonardo Lallo, e il sindaco di Vico del Gargano Luigi Damiani. Con la mostra personale del Maestro Franco Fontana prende avvio il progetto triennale “IMMAGINI E PERSONAGGI. Percorsi visivi nella contemporaneità”, promosso dalle Associazioni Culturali “Una porta sull’Arte” e “Dedalos”, da Val & Service e da Ala Consulenze, con il contributo dalle Amministrazioni Comunali di San Severo e Vico del Gargano, dell’Amministrazione Provinciale di Foggia e con il patrocinio della Presidenza della Regione Puglia. Il progetto, che si articola in mostre personali di importanti artisti di fama internazionale e in stages teorico–pratici riservati ai giovani di età compresa tra i 18 e i 28 anni, ha come tema di quest’anno la fotografia; successivamente esso si accentrerà sul fumetto e sulla ceramica. La mostra sanseverese arriva dopo una tappa garganica che si è tenuta presso la splendida cornice di Villa Santovito a San Menaio (Fg) dal 24 luglio all'8 agosto riscuotendo un gran successo di critica e pubblico. Franco Fontana, nasce a Modena nel 1933, è uno dei protagonisti assoluti della fotografia italiana del dopoguerra. . Ha esposto, tra personali e collettive, in tutto il mondo e le sue opere sono ospitate da maggiori musei del mondo a NewYork, Tokio, Colonia, S.Francisco, Boston, Mosca, Melbourne, Amsterdam, Torino, Londra, Parigi, all’interno di collezioni eterogenee. Ha firmato tantissime campagne pubblicitarie, tra le quali quelle per la Fiat, la Wolkswagen, le Ferrovie dello Stato, la Sony, la Volvo, Canon, Kodak, ecc., collaborando con le più prestigiose riviste italiane ed estere e pubblicando oltre 60 libri. Analizzando dal punto di vista critico le opere in mostra e i numerosi lavori realizzati nel corso della lunga carriera si evice come l’artista emiliano, considerato il maestro italiano della fotografia pittorialista, usi il colore come mezzo espressivo e non soltanto documentario, mediante una inedita analisi, a volte provocatoria, del paesaggio naturale e di quello strutturato, nella ricerca di nuovi segni e superfici cromatiche corrispondenti alla sua fantasia creativa. Il paesaggio “ritratto” supera limiti di spazio e tempo inserendosi in una dimensione creativa fatta di colori che raccontano un sentimento. In tal modo le forme naturali diventano campiture di colore sorprendenti e la veduta si trasforma in visione, suggerendo spazi di atmosfera metafisica, di un cosmo altrimenti sconosciuto ed improbabile. La grande protagonista degli scatti di Fontana non è la realtà quanto l’immaginazione seppur dipanatasi da scorci urbani e paesaggi naturali mozzafiato. I colori sono i protagonisti di tutte le foto, un colore dosato, calibrato da un abile amanuense medievale che riempie i pieni e vuoti di uno scritto sacro arricchendo di potere estetico un messaggio. Fontana realizza tutto ciò con una solo scatto fotografico. Guardando le foto ci si imbatte nelle splendide colline lucane dai colori luminosi e contrastanti con il giallo e il verde delle colture che germogliano, i solchi nel terreno, gli alberi brulli, che si ergono a dare tridimensionalità ad un paesaggio pervaso da scale cromatiche. Un diverso approccio da parte dell’autore lo ritroviamo in uno scatto rubato a Baia delle Zagare nei pressi di Mattinata; il colore risulta ancora una volta il protagonista indiscusso della foto ma anche il racconto del luogo si manifesta agli occhi del fotografo modenese appassionandolo. Fontana propone una veduta frontale della spiaggetta garganica dove campeggiano sulla ghiaia scura molte orme umane, unico segnale antropico al’interno di un paradiso naturale che guarda verso l’infinito. La mostra sanseverese di FRANCO FONTANA “Paesaggi a confronto” si pone come un evento imperdibile dell’autunno espositivo pugliese. L’esposizione rimarrà visibile fino al 28 ottobre con orari che dal 9 al 15 ottobre saranno 17,30-20,00 mentre dal 16 al 28 ottobre sarà possibile visitare la mostra solo su appuntamento contattando il numero 0882374842 o visitando il sito : www.spazioripoli.it .

H.E.R. IN CONCERTO A MANFREDONIA PER “I SUONI DEL SUD”

2010-08-12T10:13:00.001-07:00

(in foto Erma Pia Castriota - H:E:R)

Lunedì 16 Agosto alle 21.00 nell’ambito della rassegna i “I suoni del Sud” presso il Chiostro del Comune di Manfredonia (Fg) sarà possibile ascoltare e ammirare H.e.r., affermata violinista, attrice e performer pugliese che presenterà una exhibit in duo con il pianista ALESSANDRO SCANDERBEG. Il duo collaudato sia in ITALIA che all'estero ( Germania,Spagna, U.S.A. ) che si caratterizza per la particolare attitudine teatrale del repertorio, eseguirà una selezione di brani contenente anche alcuni adattamenti tratti dal recente disco per soli violino e voce : MAGMA. H.E.R vanta collaborazioni con Petra Magoni, con Peppe Voltarelli, con Mariangela Gualtieri e con Momo, invece.
Parallelamente ai progetti che hanno portato a Magma dal 2005 ha avviato una collaborazione con Teresa De Sio e il suo gruppo partecipando sia al disco che al tour “A Sud! A Sud!” e allo spettacolo culto “CRAJ”, dedicato ai grandi cantori della musica popolare pugliese. Recentemente ha collaborato con Donatella Rettore la quale ha interpretato “Primadonna” un brano scritto da H.e.r e vincitore del PIG. La poetica di H.E.R. , da sempre legata alla sua origine geografica ( il Tavoliere delle Puglie ) non risparmia critiche e non si definisce musica d'intrattenimento , a conferma del suo sodalizio con la città di Manfredonia verrà proiettato durante il concerto un tributo video dedicato all'attività artistica della cantautrice la cui regia è affidata sapientemente ad Adriano Santoro, artista visuale manfredoniano.

I PITTORI DI CAPITANATA DELLE COLLEZIONI PRIVATE PUGLIESI IN MOSTRA A FOGGIA

2010-02-07T01:59:00.000-08:00

ARTICOLO PUBBLICATO DAL QUOTIDIANO L'ATTACCO DI VENERDì 05 FEBBRAIO 2010

Sabato 23 gennaio 2010, alle 17.30, nella Galleria della Fondazione Banca del Monte “Domenico Siniscalco Ceci” di Foggia (Via Arpi 152), è stata inaugurata la mostra intitolata “Pittori di Capitanata ‘800-‘900. Opere da collezioni pubbliche e private”.
Si tratta di un appuntamento di grande importanza per la conoscenza della storia dell´arte, italiana nel suo complesso e di Capitanata in particolare.
Il curatore della mostra e´ stato Mario Melchiorre, da tempo impegnato nella divulgazione della conoscenza dei pittori nati a Foggia ed in provincia, troppo spesso ignorati o sottovalutati dalla critica “ufficiale”.
Nato ad Orsara di Puglia, Melchiorre ha studiato a fondo l´arte del periodo che ha approfondito le ricerche sugli artisti meridionali e soprattutto dauni. Ha gia´ pubblicato, nel 2005, con la Fondazione il volume “La Pittura a Foggia tra Otto e Nocevento”.
Alla cerimonia, erano presenti, il Presidente della Fondazione Banca del Monte, Avv. Francesco Andretta, e il Presidente dell´Amministrazione provinciale di Foggia On. Dott. Antonio Pepe.
In occasione del vernissage, è stato presentato anche il catalogo della mostra (“Pittori di Capitanata ‘800-‘900. Opere da collezioni pubbliche e private”; edito dalla Effebiemme servizi s.r.l., societa´ strumentale della Fondazione Banca del Monte di Foggia; contenenti saggi, biografie e schede delle opere realizzati da critici e storici dell´arte).
Nella Galleria della Fondazione sono esposte 63 opere di 31 artisti, quasi tutte provenienti da collezioni private pugliesi, eccetto cinque prestate dal Museo Civico di Foggia e due dall´ITC “Pietro Giannone” di Foggia.
La particolarita´ della mostra risiede proprio nel fatto che le opere appartenenti ai collezionisti non sono mai apparse in pubblico in mostre d´arte, sebbene alcune di queste fossero gia´ note proprio per essere state pubblicate nel saggio “La Pittura a Foggia tra Otto e Novecento”.
Due gli obiettivi principali della mostra: il primo e´ quello di dare ancora maggior valore agli artisti gia´ noti e, attraverso le opere esposte, definirne meglio la personalita´ e i contenuti pittorici.
Per gli artisti meno conosciuti, lo scopo e´ di restituire la giusta attenzione a personaggi che, trascurati nella loro terra natia, hanno invece avuto successo ed onori in altre citta´ italiane. Alcuni di questi sono stati molto rappresentativi nel proprio genere e hanno raggiunto una fama nazionale: e´ il caso del lucerino Umberto Onorato, vissuto a Roma nella prima meta´ del ‘900 ed e´ stato uno dei piu´ grandi caricaturisti italiani; oppure di Severino Trematore, di Torremaggiore, grande ritrattista e paesaggista vissuto nel prima meta´ del ‘900 a Genova, che dopo la sua morte gli ha dedicato negli anni, un premio di pittura e tre mostre retrospettive; o ancora del foggiano Giuseppe Fania, (1837-1904), scenografo noto a livello internazionale, e di un incisore del calibro di Saverio Pollice, foggiano (1840-1887), che i concittadini per lo piu´ conoscono perche´ gli e´ intitolata una strada del capoluogo.
Tante le notizie storiche, biografiche ed artistiche inedite e curiose degli artisti trattati, attraverso le quali Melchiorre ha cercato di dare loro un´identita´ pittorica, inquadrandoli in una corrente o in un gruppo cui si sono ispirati o nel quale si sono identificati.
Ad oggi l'antologica sta incontrando il favore del pubblico,con oltre 250 visitatori registrati come era negli auspici del Francesco Andretta, e del Consiglio della Fondazione quando si è scelto di promuovere l'iniziativa culturale.
Anche il buon numero di copie del catalogo acquistate dai visitatori -nonostante per la prima volta un volume edito dalla Fondazione sia venduto e non distribuito in omaggio- è un segnale dell'apprezzamento verso la mostra da parte dell'ambiente culturale di Capitanata.

I MONDI D’OLTREMARE PROTAGONISTI ALLA CITTA’ PLURALE DI LUCERA

2010-01-30T01:53:00.000-08:00

ARTICOLO PUBBLICATO DAL QUOTIDIANO L'ATTACCO DI VENERDì 29 GENNAIO 2010

Si è tenuta a Lucera presso la sede dell’Associazione Culturale Città Plurale ex Sala Mecenate in Corso Garibaldi 23 la mostra collettiva “Mondi d’oltremare” curata da Eleonora Zaccaria. La mostra inaugurata il 29 dicembre scorso ha chiuso i battenti il 9 gennaio con un buon successo di pubblico e un party di finissage molto seguito.
Alla mostra sono stati invitati Salvatore Favia, classe 1977, fotografo di ritratti, still-life e reportage naturalistici, inizia la sua attività artistica nel 1999 a Mattinata, dove vive e lavora. Tra il 2006 e il 2009 espone in personali e collettive nella provincia di Foggia (“Terra e mare” - 2006, “Sguardi” - 2007, “London” – 2009) e partecipa a concorsi fotografici nazionali ed internazionali (1° premio Concorso “LiberArte” – 2006, foto segnalate nel Concorso Internazionale di Fotografia “The Al Thani Award” – Dubai, 1° premio Concorso fotografico “Io C’ero” – 2009). In questa collettiva presenta la serie: “I Colori del Mare”.
Ettore Maldera, classe 1969, poliedrico artista foggiano, si è formato nell'ambiente artistico di Napoli, dove ha vissuto dal 1992 al 2000, frequentando le botteghe e i laboratori più rinomati della città Partenopea, della Campania e del Lazio. Dal 1991 espone in personali e collettive, partecipa a rassegne e concorsi in tutta Italia (Roma, Milano, Firenze, Venezia…). La curatrice Eleonora Zaccaria nota i suoi quadri materici della serie “Alghe” all’interno della collettiva d’arte contemporanea “Istantaneamente – Inatteso sul Viaggio” tenutasi nel novembre 2009 c/o la Masseria Sant’Agapito di Lucera.
Berardino Totaro, classe 1953, psicologo e psicoterapeuta originario di San Severo ma residente a Lucera, da sempre si dedica al disegno ed alla pittura. Compiuti gli studi a Roma, in questa città si appassiona alla classicità ed all’architettura romana e rinascimentale. Nei musei studia la pittura dei maestri del passato e nel contempo frequenta botteghe artigiane, dove osserva e cerca di apprendere i segreti delle tecniche. Tra il 2003 e il 2006 espone nelle personali “Giochi nel Vento” e “Castelli dell’Anima” tra Lucera, Folgarida (Val di Sole) e Vieste. E’ stato recensito dallo scrittore e poeta lucerino Michele Urrasio.
La curatrice Eleonora Zaccaria, invece, ventisettenne lucerina si laurea in Beni Culturali storico artistici presso l’Università degli studi di Foggia con una tesi sull’arte medievale per poi proseguire gli studi in curatore di arte contemporanea a Roma studiando e approfondendo tematiche legate all’arte virtuale. La Zaccaria ha curato diverse mostre personali in Puglia e quella lucerina è stata la sua prima collettiva. Il concept della mostra si fonda sull’incondizionato amore della curatrice per il mare e sulla volontà di portare in pieno inverno le luci e i colori del mondo marino, in una contrapposizione temporale e tematica di grande rilievo. La curatrice per stigmatizzare lo spirito della mostra ha scelto una celebre frase del 1492 attribuita a Cristoforo Colombo: “La lingua non é sufficiente a dire e la mano a scrivere tutte le meraviglie del mare.” L’intera mostra ha avuto come sottofondo musicale i brani del gruppo musicale inglese Morcheeba che hanno cantato il mare nel brano “The Sea”
La curatrice ha già in cantiere nuovi progetti artistici, dapprima una collaborazione al progetto artistico del gruppo foggiano Ecstrarte in seguito al percorso di “Inatteso sul viaggio” del novembre scorso presso la Masseria Sant’Agapito di Borgo San Giusto a Lucera. Dopo la primavera curerà una mostra all’artista Generoso D’alessandro.
Sulla curatrice e sugli artisti invitati è possibile trovare notizie collegandosi ai seguenti indirizzi web: www.flickr.com/eleonorazaccariacurator, www.favia-salvatore.com e www.gigarte.com/maldarte.

LA VANITA’ ARTISTICA ED INTELLETTUALE DI NARCISO IN MOSTRA AD ARTE ORA

2010-01-22T00:05:00.000-08:00

La mostra sarà visitabile fino al 21 febbraio 2010 in via Onorato a Foggia
È partita il 21 dicembre scorso nella splendida cornice dello Spazio Arte Ora a Foggia la mostra collettiva Narciso curata da Gigliola Fania con testo critico del filosofo Romano Gasparotti.

Undici sono gli artisti che per l'occasione propongono una personale rilettura del mito: Giovanni Albanese, Gerardo Di Fiore, Piero Di Terlizzi, Francesca Fini, Michele Giangrande, Mosè La Cava, Paolo Lops , Salvatore Lovaglio, Leon Marino, Fernando Rea, Giuseppe Teofilo.

Il mito di Narciso evoca come sottolinea Gasparotti “ l’irrimediabile -scacco rappresentativo- contro cui inevitabilmente si scontra, alla prova dello specchio, ogni forma del fare che prometeicamente enfatizza sino ad assolutizzare il puro momento progettuale. Come se la forma, anziché essere ogni volta trovata (come diceva Picasso), fosse già a disposizione pre-decisa e compiutamente pre-vista”.

Attorno al mito di Narciso si arrocca un corollario narrativo fatto di immagini, suoni e colori così vasto da permette agli artisti di proporre angolazioni estetiche e compositive trasversali.

Mosè La Cava propone un autoritratto a “specchio”; l’artista si presenta allo spettatore come se stesse riflettendosi su di uno specchio d’acqua, due tele accostate tra loro propongono un doppio che si amalgama in un tutt’uno urlando una condizione esistenziale borderline.

Giovanni Albanese propone un’eclissi solare, momento narcisistico per eccellenza in cui il Sole e la Luna pretendono visibilità da parte degli uomini oscurandosi a vicenda, rievocando il comportamento dei Narcisi che operano tale processo egoistico ai danni degli altri uomini. L’opera di Albanese capta lo sguardo dello spettatore grazie alla sua raffinata eleganza compositiva. Grande potenza estetica trasudano le opere presentate da Giuseppe Teofilo, artista barese, protagonista con la propria sigaretta del video “Fumo” . L’artista di bianco vestito seduto ad un candido tavolo si lascia ammirare mentre fuma con trasognata calma la sua sigaretta incurante di tutto e tutti, in un momento di pura vanità e di ripetitiva apatia. È il video a cercare l’occhio dello spettatore che spera ad ogni sguardo di trovare Teofilo intento in una nuova attività ma ciò non accade. Il video è l’ emblema di un ego che non dialoga, che non guarda oltre i pochi centimetri della propria sigaretta, che si accontenta dell’evanescenza della transitorietà e della pochezza di una nube di fumo.

Un’ombra,invece, è la protagonista dell’opera presentata da Salvatore Lovaglio che su una tela di notevoli dimensioni esibisce la paura che si cela dietro il mostrarsi, il tutto proiettandosi verso l’indefinito con un corpo dai tratti indefinibili. L’autoritratto proposto da Lovaglio presenta un doppio nell’ombra che fedelmente rimane radicata alla terra, proprio come l’artista rimane legato al suo suolo natio.

La presenza in serie degli oggetti è la costante delle opere realizzate da Michele Giangrande che propone matrioske raffiguranti il premier italiano Silvio Berlusconi, icone del culto della propria immagine che diventa ossessione e caricatura. La famosa bambola russa “berlusconizzata” diviene simbolo ludico, simulacro pop, feticcio di un’ideologia sociale e politica narcisizzata.

L’unica donna in mostra è Francesca Fini, che propone un video ed alcune tele di cui è il soggetto protagonista. Musica e parole accompagnano il video dell’artista romana che ripetutamente invoca il desiderio di voler provare qualcosa e la disperazione insita nel non riuscire a provare un sentimento. Un’artista che si lascia apprezzare per il disinibito uso di colori che diventano forieri di un messaggio deciso.

Narciso è una mostra che si lascia apprezzare per la qualità dei lavori presentati e per lo spessore intellettuale delle tematiche affrontate all’interno di uno spazio espositivo curato con narcisistica sapienza.

L'ARTE DI TEO DE PALMA NEL CALENDARIO 2010 DEL CENTRO GRAFICO FRANCESCANO DI FOGGIA

2009-12-20T00:58:00.000-08:00

ARTICOLO PUBBLICATO DAL QUOTIDIANO L'ATTACCO DI VENERDì 18 DICEMBRE 2009

È stato presentato mercoledì 16 dicembre 2009 presso la libreria Orsa Minore di San Severo, in via del Soccorso 123, il calendario 2010 edito dal Centro Grafico Francescano di Foggia con le immagini dell’artista Teo De Palma. Oltre all’artista sanseverese è intervenuto Enrico Fraccacreta per la presentazione del progetto artistico.
Teo De Palma dagli anni Sessanta ci accompagna con la sua arte, fatta di inquietudini, sogni primordiali, in un’immaginaria realtà spaziale, dove l’elemento naturale è poesia, metafora di un microcosmo interiore proiettato in uno spazio altro dove vivere delle proprie passioni e desideri in un idillio estetico e letterario.
Le parole accompagnano i lavori di De Palma in uno scambio armonioso tra parola detta, parola scritta e parola visiva, conducendo lo spettatore nel delicato ed elegante mondo della poesia visiva. Analizzando le opere del calendario partiamo da Gennaio dove ritroviamo tra il fogliame odoroso un viso di donna immersa in un’estasi senza luogo e senza tempo. Nel mese successivo invece è presente l’opera “Nella delicata ombra della cecità. A Borges” dove primeggia una cascata di petali di rosa che cingono un viso incosciente quasi al di fuori dei giochi della vita. Un viso che però riceve dalla pioggia floreale un alito di luce che illumina e sembra proteggerlo dalla fumosità acquosa e indefinita che lo circonda. Un uomo alato che procede fiero e sicuro verso un punto esterno all’opera, invece, è il protagonista del mese di Marzo. In quest’opera del 2003, il mito, il bello e la scrittura convivono armoniosamente. Colpisce il carattere usato dall’artista per rendere la parola scritta, rimandando agli antichi testi miniati che intendono la lettera come prosecuzione di un’immagine scaturita dal contenuto del testo.
Nelle opere scelte per i mesi di Aprile e Luglio, protagonista indiscussa dei lavori è la goccia. La goccia rappresenta l’anelito di speranza salvifica data dall’acqua. Tale speranza è resa sottoforma di piccole gocce luccicanti che nella propria timida condizione parlano di grandi temi spirituali. Tali gocce non sembrano colate dal pennello e quindi frutto di un fare casuale, al contrario sembrano realizzate con precisione da un amanuense. Il grondare delle gocce è ragionato e possiede un ritmo cadenzato e musicale.
Nei mesi di Maggio e Settembre, invece, ritroviamo la rosa come protagonista indiscussa della poetica estetica di De Palma. L’artista porta avanti da diverso tempo un’analisi rigorosa sui significati metaforici che la rosa ha incarnato dal Rinascimento ad oggi, è qui che sacro e profano si compensano nella danza dei sensi.
Il sacro nelle opere di Teo De Palma si manifesta sopratutto attraverso il mistero di frasi nascoste o di messaggi criptici da crittografare.
I lavori colpiscono lo spettatore per la forte capacità dell’artista di rendere la sacralità anche in modo non convenzionale. La storia dell’arte ci ha abituati ad associare il sacro alla luce, in molti lavori di De Palma, invece, la dimensione sacra si manifesta anche grazie alle ombre e ad ambientazioni umide e decadenti. Questo concetto è espresso soprattutto nella serie degli alberi. Quelli di De Palma sono alberi privi di foglie, nudi, rinsecchiti ma ancora pervasi da un vena di salvezza. È proprio il tema della speranza, dell’armonia, della ricerca di un trat-d'union tra l’uomo e la natura, la chiave di volta della produzione artistica di De Palma. Un’artista che nel panorama artistico italiano propone la bellezza come metafora di un mondo intimo, fortemente introspettivo, costituito da tappeti di foglie dove goccioline d’acqua restano incastonate come messaggi da decodificare. Un unicum artistico di cui la terra di Capitanata può andare fiera.

IL PAPER ENGINEER MASSIMO MISSIROLI A FOGGIA CREA LIBRI 3D

2009-12-05T12:43:00.000-08:00

ARTICOLO PUBBLICATO SUL QUOTIDIANO L'ATTACCO DI VENERDì 4 DICEMBRE 2009
Al Centro Lego e alla Libreria Ubik due serie di laboratori creativi
Si sono tenuti a Foggia nei giorni 28 e 29 Novembre e 3 e 4 dicembre, degli incontri di studio con il paper engineer Massimo Missiroli, che ha tenuto Workshop di Pop Up, ovvero tecniche di realizzazione di pagine 3D per libri creativi. I destinatari dei corso sono stati insegnanti delle scuole per l’infanzia, elementari e medie inferiori, operatori dei servizi socio-educativi e studenti universitari che si sono ritrovati presso il Centro Lego di Corso del Mezzogiorno, mentre presso lo spazio live della Libreria Ubik di Foggia, in piazza Giordano, 76 è stato rivolto ai bambini delle elementari che hanno imparato a creare i biglietti di Natale. Non è la prima volta che Massimo Missiroli arriva in Capitanata per presentare i propri libri creativi e tenere corsi di questo tipo, il Festival della Letteratura per Ragazzi di Torremaggiore lo ha visto protagonista in più edizioni ed è stato ospite della Biblioteca “La Magna Capitana” in più occasioni. Diversamente da come si potrebbe pensare, dato che oggi questo tipo di pubblicazione si rivolge a bambini e ragazzi, la storia dei libri animati li vede nascere come strumento didattico per illustrare teorie e ricerche in campo scientifico. Primi fruitori furono quindi gli adulti, che si servirono di queste immagini particolari come sussidi per i loro studi. Nel '500, l'astronomo tedesco Peter Apian, nel libro Cosmographia, intagliò alcune incisioni calcografiche e ne collegò le varie parti con fili sottili in modo che potessero ruotare l'una rispetto alle altre. Le prime immagini da animare a scopo "dilettevole" apparvero nella seconda metà del '700 create verso il 1760 le Harlequinades, o Metamorphoses Book o Turn Up Book, erano costituite da due immagini stampate su un unico foglio che, tagliato in quattro parti e ripiegato perpendicolarmente su se stesso, sovrapponeva i due disegni nascondendone uno. Sollevando le parti del foglio, le immagini si componevano in nuove combinazioni che davano un risvolto ironico o canzonatorio alla storia che si stava narrando. Nell’ ‘800 Lothar Meggendorfer (1847-1925), divenne il "genio" inventore dei libri meccanici più complessi fin ora creati. di Meggendorfer va apprezzata soprattutto l'ingegnosità che dimostrò nell'escogitare meccanismi per animare le figure che illustravano le sue filastrocche, che gli consentì di creare veri capolavori di ingegneria cartotecnica. Nel 1929 a Londra fu pubblicato il primo libro di J. L. Giroud. Il "nome" più importante nella storia contemporanea dei pop-up è quello di Waldo Hunt che da appassionato collezionista ne è divenuto il maggiore produttore. I libri creativi sono di diversi tipi, infatti, ritroviamo "lift the flap", in italiano "alza e scopri" sono forse gli unici libri che contengono una sola tipologia di costruzione cartotecnica. Si tratta di alette di carta che, sollevate, mostrano l'interno dell'oggetto disegnato. I più famosi sono invece i libri Pop-Up, nei quali alcuni elementi dell'immagine si sollevano dalla pagina quando il libro viene aperto e creano strutture volumetriche che si ripiegano su se stesse richiudendo il libro. Inoltre ritroviamo i Mechanical Picture i cosiddetti libri movibili, o animati, sono quelli al cui interno troviamo linguette di cartone ed è il lettore che, tirandole, modifica l'immagine o l'azione. Le linguette possono essere utilizzate come stecche per muovere personaggi snodati, oppure per far scorrere le figure nello spazio della pagina, oppure, facendo leva sul retro del foglio, possono sollevare piani o dare dimensioni alle figure.
I laboratori di Missiroli hanno vari livelli di difficoltà, si va dal corso base “Una casetta nel bosco” la casetta diventerà il muso di un orso, che poi diventerà una navicella spaziale, che poi diventerà una gallina. Pagina dopo pagina, le pieghe diventeranno più facili, i cartoncini prenderanno forma, i disegni acquisteranno volume, è questa la forza dei laboratori dei paper engineer come Missiroli.

L’INDIPENDENZA ALBANESE RIVIVE A FOGGIA IN UNA SERIE DI EVENTI

2009-11-27T04:07:00.000-08:00

L’evento è promosso dal Centro Interculturale Baobab di Foggia
Un dipinto di Klajdi Arapi
ARTICOLO PUBBLICATO DAL QUOTIDIANO L'ATTACCO DI VENERDì 27 NOVEMBRE 2009
Il 28 novembre è un giorno importante per il popolo albanese in quanto Festa della Bandiera, la festa nazionale per antonomasia dell'Albania, il giorno che ha segnato l'indipendenza del paese dall'Impero ottomano dopo cinque secoli di occupazione e la nascita dello nuovo stato albanese. Il 28 novembre del 1912 dei patrioti albanesi, issarono a Valona la bandiera rossa con l'aquila nera bicipite. A celebrare questo giorno sono gli albanesi che vivono in Albania, Kosovo, Macedonia, ma anche le antiche comunità albanesi presenti in diverse parti del mondo. La città Foggia festeggerà l’indipendenza albanese con una serie di eventi culturali promossi dal Centro Interculturale Baobab di Foggia e patrocinati da Puglia Sociale, la Provincia di Foggia, il Comune di Foggia, Emmaus e Ubik Foggia. Domani alle 11 presso la Sala Consiliare del Comune di Foggia si terra l’incontro “La mia gente, la mia terra” al quale parteciperanno Mario Massaro, esponente della Comunità Arbëreshë in Capitanata e Ana Shahini, mediatrice interculturale che introdurranno la scrittrice albanese Anilda Ibrahimi. la Ibrahimi dopo aver studiato letteratura a Tirana, ha lavorato nel suo Paese presso testate giornalistiche radiotelevisive e vari quotidiani. Nel 2008 per Einaudi ha pubblicato Rosso come una sposa che è il suo primo romanzo, scritto direttamente in italiano. Il libro si è aggiudicato il premio La Magna Capitana “Libri a trazione anteriore” organizzato dalla Biblioteca Provinciale di Foggia. A seguire verrà inaugurata una mostra di quadri di Arapi Klajdi, artista e pittore albanese, laureato presso l´Accademia delle Belle Arti di Foggia, dove attualmente insegna. Espone opere in tutta Italia. È presente nel catalogo annuale di “Immagine su immagine”, tra i migliori artisti della stessa istituzione. All’evento interverranno il Sindaco Gianni Mongelli, Antonio Montanino (Assessore alle “Politiche sociali" Prov. di Foggia), Pasquale Pellegrino (Assessore alle “Politiche sociali e della famiglia”), Bashkim Bekteshi (Console generale Albanese in Italia), Rezar Shkembi e Pavlin Ymeri (Consoli Albanesi in Italia), Domenico laMarca (presidente della Coop. Soc. Arcobaleno). Durante l’incontro si parlerà di letteratura, arti e tradizioni della cultura albanese e Arbereshe. Sulla cultura Arbëreshë l’Attacco ha posto alcune domande alla mediatrice interculturale Ana Shahini. D. La presenza Arbëreshë in Capitanata è molto numerosa? R. Le uniche comunità Arbëreshë in Capitanata sono quelle di Chieuti e Casalvecchio di Puglia, fondate dai profughi albanesi, che dopo la morte dell´eroe nazionale Giorgio Kastriota Skanderbeg (1468) preferirono abbandonare la loro patria e recarsi in terre ospitali ed amiche. Essi giunsero in Italia e precisamente nel Regno di Napoli per non perdere la loro indipendenza e la loro fede cristiana, dopo l´occupazione dell´Albania da parte dei Turchi invasori. Ancora oggi le popolazioni di questi due paesi utilizzano l´idioma dei loro padri fondatori non solo in famiglia ma anche nei rapporti civili e sociali tra i cittadini. D La festa dell’Indipendenza albanese è una ricorrenza molto sentita? R. Si è una festa molto sentita tra tutti gli albanesi che vivono sia in Patria che nei diversi paesi del mondo, in Italia la presenza albanese è radicata storicamente non solo in provincia di Foggia ma anche in Calabria, Sicilia, Basilicata e Molise. D. Quello di domani sarà un evento molto ricco. È stato difficile organizzarlo? R. L’evento è molto articolato ma nell’organizzazione il Centro Interculturale Baobab ha incontrato l’appoggio del Comune che ci ha concesso la Sala Consiliare, uno spazio molto importante per un evento che vedrà anche l’intervento dei consoli albanesi In Italia e del Console Generale che ringrazio per la partecipazione. Sarà un momento di festa e di riflessione culturale sia per la comunità albanese sia per quella foggiana.

RAFFAELLA ROSSI RECENSISCE IN MY STUDIO MOSTRA PERSONALE DI DARIO MOLINARO A CURA DI GERARDO DI FEO

2009-11-25T14:49:00.000-08:00

fino al 5.XII.2009
Dario Molinaro
Benevento, Magazzini Pescatore

Fra installazioni site specific, tele e disegni, un giovane artista presenta il proprio studio. Uno spazio vitale in cui s’incontrano ricordi ed emozioni. E gli oggetti di cui un artista non può fare a meno...

pubblicato martedì 24 novembre 2009
Per la sua mostra beneventana, Dario Molinaro (Foggia, 1985) trasforma la galleria in un vero e proprio studio, confrontandosi così per la prima volta con il site specific. Esponendo la ricostruzione del suo luogo di lavoro - In my studio è anche il titolo della mostra - l’artista pugliese presenta al pubblico un lato più personale: lo spazio creativo dove s’individua la sua autenticità, tra ordine, disordine e arte allo stato puro.
Svelando se stesso e ogni tipo di curiosità che stimola la mente di un profano dell’arte, Molinaro permette di entrare in un “garage” ove sono visibili tutti quei particolari solitamente celati in uno studio: un cestino pieno di carte, un tavolo scritto che racconta la vita, post-it con numeri telefonici, quadri ancora da appendere, disegni da finire e tanto colore. Un ambiente reale, dinamico e giovane: l’autoritratto tipico d’un artista molto legato al passato e al proprio lavoro.
Attraversare gli oggetti che compongono le installazioni significa dunque attraversare non solo il Dario Molinaro artista ma, allo stesso tempo, avvicinarsi al Molinaro inteso come uomo, dotato d’una specifica personalità.
Tutta la mostra si fonda sul ricordo e sulla presentazione del “sé medesimo” vivibile nella ricostruzione dello studio-garage, nei disegni e nelle tele, Dario Molinaro - I wanna be well! - 2009 - grafite su carta - cm 21x30 - courtesy Magazzini Pescatore, Beneventodove il protagonista è nuovamente l’artista stesso, visto nella sua quotidianità. I disegni sono una rivisitazione delle foto di famiglia e ne ripercorrono l’infanzia e l’adolescenza.
La particolarità è lo stile con cui Molinaro ri-crea le immagini: si tratta infatti di disegni realizzati esclusivamente in grafite, accompagnati da stralci di alcune canzoni dei gruppi che hanno segnato la storia del rock. I soggetti sono feste di compleanno, ricordi d’asilo, atmosfere domestiche, immagini spontanee. In un disegno, ad esempio, il protagonista insieme agli amici si allontana esclamando un verso d’una nota canzone, I wanna be well. Il ritorno al passato è ribadito dall’effetto stropicciato creato sui fogli di carta disegnati.
Completano la mostra alcune tele dai colori pop e dall’impronta graffitara. Anche in questo caso ritroviamo elementi personali, ossia gli oggetti dell’artista e degli altri protagonisti dei disegni. E pure le tele sono rivisitate con pezzi di canzoni e testi, come se a parlare fossero gli stessi personaggi rappresentati.
Libri, macchine fotografiche, bottiglie, scale: tutto ciò che potrebbe sembrare banale è reso indispensabile da Molinaro. Per raccontare il proprio vissuto e la propria personalità.

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Molinaro a Sulmona

raffaella rossi
mostra visitata il 7 novembre 2009

dal 7 novembre al 5 dicembre 2009
Dario Molinaro - In my studio
a cura di Gerardo Di Feo
Magazzini Pescatore Arte Contemporanea
Via San Pasquale, 36 (zona Arco di Traiano) - 82100 Benevento
Orario: da lunedì a sabato ore 10-13 e 17-20
Ingresso libero
Info: tel. +39 082421864; info@magazzinipescatore.it; www.magazzinipescatore.it

[exibart]

PERFORMANCE LIVE NEL PERCORSO ITINERANTE DI “INATTESO SUL VIAGGIO”

2009-11-20T02:48:00.000-08:00

Un ottimo progetto artistico che si fonda sulla voglia di fare rete nel territorio

Un frame della performance

ARTICOLO PUBBLICATO DAL QUOTIDIANO L'ATTACCO DI VENERDI' 20 NOVEMBRE 2009

EcstArte è un gruppo eterogeneo di artisti italiani nato dall'unione di esperienze comuni sul "far arte nella citta".
Il gruppo artistico è composto da architetti, urban designer, studenti di scultura nel pieno delle loro attività, fotografi, scenografi, grafici, stilisti, pittori, docenti e animatori, amanti dell'arte in generale e dell'arte di strada. Compongono il gruppo EcstArte: Maria Grazia De Rosa, Roberta Fiano, Marida Ragno,Maria Pia de Stefano, Ettore Maldera, Barbara Segulin, Elisabetta Papa, Michela Sepe, Maria Di Cosmo, Samuele Romano.
Il concept di EcstrArte rientra nella forma di linguaggio artistico-espressiva legata all'arte sociale,alle tematiche e problematiche quotidiane del territorio ed in senso generale ad una vasta ed ampia visone della città, dei luoghi e “non luoghi” che appartengono ad essa e alla valorizzazione culturale del proprio territorio oltre che allo studio e alla riflessione dello spazio pubblico della città e della ricerca-azione e dell’uso dei sensi per la descrizione e classificazione del territorio.
L’obiettivo principale non è quello di creare puri e semplici “eventi” ma è dimostrare la funzione sociale dell’arte e di come, grazie ad essa è possibile rivalutare aree dismesse, piuttosto che centri storici, focalizzare l’attenzione sulla bellezza dei luoghi, attraverso un percorso artistico e mezzi espressivi visuali e sonori che possiedono in sè un potere catartico e di elevazione spirituale.
EcstArte nasce nell'aprile del 2009 associandosi ad Italia Nostra, associazione costruita il 29 ottobre 1955,che ha lo scopo di concorrere alla tutela e alla valorizzazionedel patrimonio artistico e naturale del nostro Paese. La sezione di Foggia, ha sempre avuto il rapporto con il territorio con particolare riferimento alla necessità di sensibilizzare l'opinione pubblica sull'importanza dei temi legati al paesaggio e all'arte urbana.
Ecstarte si associa ad ottobre 2009 all’Associazione Music and Colours. Il gruppo EcstrArte non perde d’identità nei suoi valori e nei suoi concetti ma si rafforza condividendo con altri artisti ed in altre città nuove idee, tendenze e spunti creativi crescendo culturalmente ed artisticamente.
Il 7 novembre a San Giusto nell’agro di Lucera Ecstarte ha collaborato per la creazione dell'evento "Istantaneamente" presso la Masseria Sant'Agapito con il tema "Inatteso sul viaggio"
La mostra parte l’idea di realizzare una gallery sul tema del viaggio come esperienza, come metafora della vita, dove vengono privilegiati, il percorso esistenziale e magico, che si risolve anche in un invito a comprendere le differenze di cultura, etnia e religione, immigrazione ed emigrazione.
L’evento ha ospitato tre proposte artistiche e comunicative che si fondono e si aggregano in un posto unico. "ISTANTANEAMENTE" è un laboratorio aperto e spontaneo di azioni e forme di espressione artistica e comunicativa.
L'unione tra Music and Colours, Ecstrarte e Progetto CON: ha innescato un processo di scambio ed interazione fra diversi percorsi, volti alla promozione ed alla valorizzazione del panorama e delle potenzialità artisctiche e comunicative del nostro territorio: la collettiva "ISTANTANEAMENTE" rappresenta il banco di prova per una concezione attuale e pratica di collaborazione e scambio fra chi opera per dare una immagine sana e propositiva di questo contesto sociale.
"Inatteso sul viaggio" di EcstrArte è itinerante, infatti, ha continuato il suo viaggio all'insegna dell'arte allo Shopping Center E.LeClerc di San Severo fino al 19 novembre con una sperimentazione seguendo gli studi di Marc Augè sulla società della surmodernità dei luoghi-non luoghi. Dopo la tappa nell’Alto Tavoliere da questo pomeriggio fino al 28 novembre il progetto farà tappà alla "Città del Cinema" di Foggia.
Un ottimo progetto artistico che si fonda sulla voglia di fare rete nel territorio nel segno dell’arte focalizzando l’attenzione sul senso di cittadinanza partecipata, vissuta e condivisa.

LA DIASPORA ARMENA IN MOSTRA A FOGGIA FINO AL 12 NOVEMBRE

2009-11-06T00:19:00.000-08:00

ARTICOLO PUBBLICATO DAL QUOTIDIANO L'ATTACCO DI VENERDì 6 NOVEMBRE 2009

Lo scrittore tedesco Wegner: il primo a denunciare il genocidio

È stata inaugurato venerdi´ 30 ottobre, alle ore 18.30 presso la Fondazione Banca del Monte “Domenico Siniscalco Ceci” il progetto avviato dall’Università degli Studi di Foggia dal titolo
“QUESTIONE ARMENA E CULTURA EUROPEA”. Il progetto, ricco di eventi, si realizzerà in due città Foggia e Bari e sarà articolato in tre parti e prevede una mostra fotografica documentaria, un convegno scientifico, una rassegna cinematografica.
una mostra fotografica che restera´ in visione nella sede della
Fondazione di via Arpi, 152 dal lunedi´ al sabato ore 10-13/17-20 e la domenica ore 10-13.
La mostra fotografica è divisa in due sezioni, la prima dal titolo “ARMIN T. WEGNER E GLI ARMENI IN ANATOLIA - 1915” documenta sulla storia del genocidio degli Armeni in Anatolia
ad opera dei turchi nel 1915/16. Il gruppo di opere è composto da 20 pannelli con fotografie e didascalie puntali e ben fatte. Lo scrittore tedesco A. T. Wegner e´ stato il primo a denunciare
pubblicamente l´evento tragico del genocidio scattando le foto di nascosto durante le marce organizzate dall´esercito turco al fine della distruzione di centinaia di migliaia di armeni. Wegner dopo aver concluso gli studi in legge, si arruolò come infermiere volontario nell'unità sanitaria dell'esercito, e nell'inverno 1914-15 fu inviato in Polonia, e in seguito insignito della Croce di Ferro. Nell'aprile del 1915 parte per il Medio Oriente, dove nell'estate assiste i feriti della battaglia dei Dardanelli; comincia a ricevere informazioni sulle deportazioni e sui massacri degli armeni. Nel novembre, dopo una breve licenza, parte in missione come sottotenente. Documenta il suo viaggio in un diario, in cui indica le tappe di andata e ritorno, fino all'autunno del 1916: Ras-ul-Ain, Mossul, Bagdad, Der el Zor, Rakka, Meskene, Aleppo, Konya, Costantinopoli. E' in questo lungo viaggio che, nonostante gli espressi divieti delle autorità turche e tedesche, Wegner raccoglie testimonianze scattando fotografie nei campi, prendendo appunti e notazioni, che utilizzerà poi nelle sue lettere prima, negli anni del dopoguerra poi, nella sua attività di denuncia del genocidio. Nel maggio 1916, la sua situazione nell'esercito comincia a divenire precaria, in quanto vengono scoperte alcune sue lettere in cui descrive le deportazioni alla madre; viene costretto a lavorare nelle baracche degli infettati dal colera, e si ammala. I suoi punti di vista pacifisti, che dopo un'iniziale giovanile entusiasmo per la guerra, caratterizzeranno tutta la sua vita, gli causano infine l'arresto e il rimpatrio, dopo il ritorno a Costantinopoli alla fine del 1916. Solo dalla fine del 1918, la sua attività si amplia, e lo porta ad esporsi in prima persona con una lettera aperta al presidente americano Wilson sul destino degli armeni, durante la conferenza di pace di Versailles, nel febbraio 1919. Il suo attivismo di pacifista e protettore dei diritti delle minoranze continua anche negli anni seguenti, la sua attività documentaristica gli causerà l'arresto, la tortura, e infine l'esilio, che dopo anni lo porterà nel 1936 in Italia, dove sarà prima a Positano e Stromboli e poi, dal 1956, a Roma. La seconda parte della mostra riguarda “NOR ARAX: LA COMUNITA´ ARMENA A BARI” e tratta l´accoglienza degli Armeni in Puglia e sulla vita della comunita´ armena. Bari, come, al Nord, Venezia, a causa della sua posizione
geografica, divento´ uno dei piu´ rilevanti centri di accoglienza in
Italia per la diaspora armena.
Il fatto che a Bari, negli anni che seguirono, sia stato fondato un
vero e proprio quartiere armeno, il cosiddetto “villaggio armeno” di
Nor Arax, fu dovuto anche alla presenza nella citta´ pugliese di
Hrand Nazariantz, considerato uno dei massimi poeti della
letteratura armena del ‘900, in esilio a Bari perché condannato a
morte da un tribunale ottomano nel 1913. La mostra sarà visitabile fino al 12 novembre.

MANFREDONIA OSPITA LA RASSEGNA ARTISTICA “CHI DICE DONNA…DICE DAUNIA”

2009-11-01T09:24:00.000-08:00

ARTICOLO PUBBLICATO DAL QUOTIDIANO L'ATTACCO DI VENERDì 30 OTTOBRE 2009

Fino al 6 novembre a Palazzo Celestini la mostra curata da Gerardo di Feo

“Chi dice donna… dice Daunia” è una rassegna di opere d’arte contemporanea che parla del mondo femminile in relazione ad un territorio italiano: la Daunia. Gli artisti invitati sono tutti trentenni con esperienze artistiche solide che spaziano dal teatro al cinema, dalla fotografia al disegno.

La Daunia rappresenta un filo conduttore, un contenitore di argomentazioni che spaziano dall’erotismo, alla violenza sulle donne, dal mito, allo stereotipo sulla donna del Mezzogiorno passando per il sogno del cinema.

A seguire alcune notizie sugli artisti e i loro lavori:

Flavio Romualdo Garofano: nasce a Castelvenere in provincia di Benevento nel 1981, attore, regista e fotografo per “Chi dice donna…dice Daunia”propone una selezione di opere fotografiche che affrontano temi relativi allo stereotipo legato alla donna del meridione d’Italia, signore di nero vestite sull’uscio delle proprie abitazioni che si affacciano su panorami mozzafiato. Garofano propone anche giovani donne pensose che si scrutano valli incontaminate o donne sedute sulle scale di un paesino garganico.

Francesca Loprieno: nasce a Trani dopo il diploma accademico di primo livello all'Accademia di Belle Arti di Foggia, si sta specializzando in grafica e fotografia all'Accademia di Belle Arti di Roma. L’artista propone una serie di opere legata alla tematica della “bellezza difficile” che vede giovani donne immortalate in riquadri neutri e bloccate con colori saturi, che sono ben lontane dal modello-velina che tanto spazio occupa oggi nelle cronache, purtroppo non solo rosa o televisive. L’artista, inoltre, propone un’opera che affronta una ricerca molto attenta sulle divinità femminili che sono presenti nei miti e leggende legate a tre città della Daunia: Foggia, Vieste e Troia, rispettivamente con Arpia, Viesta, Cassandra. Un mito che rivive all’interno di rovine di periferia con interpreti contemporanee.

Morena Myoko Petrillo: lucerna, laureata in Decorazione presso l’Accademia di Foggia. da 8 anni lavora sul tema dell'erotismo. Il suo raccontar(si)e può essere un modo per custodire ciò che di più profondo e magico c'è nei suoi amori e nella sua fantasia.

Per la rassegna “Chi dice donna..dice Daunia” l’artista propone dei disegni che propongono una storia d’amore che non può essere raccontata attraverso le parole. La donna che emerge dai disegni di Petrillo è una donna che non si pone dei limiti perché darsi totalmente ed incondizionatamente è assolutamente il modo più proficuo per donare all’altro gioia e spiritualità.

I disegni di Morena Myoko Petrillo mostrano una donna romantica, che vive però con molta sofferenza e malinconia il proprio amore, una donna che riesce a canalizzare verso di sé gli stati d’animo che animano la passione. Le sue donne non sono mai nude completamente, vi sono veli che ammiccano all’inizio di un nuovo gioco.

Adriano Santoro: nato a San Giovanni Rotondo nel 1980 vive e lavora a Manfredonia. Consegue il Diploma di II livello in ‘Arti Visive e Discipline dello Spettacolo’ presso l’Accademia di Belle Arti di Foggia. Dedica al tema delle ‘Sirene’ un gran numero di opere della sua produzione artistica. Per la rassegna “Chi dice donna…dice Daunia” Santoro propone foto di donne di Manfredonia i cui ritratti sono focalizzati sul volto e soprattutto sullo sguardo che rappresenta il punto focale dell’intera serie. Le donne sono rappresentate tutte dinanzi a degli elementi architettonici che rimandano al territorio pugliese: striature di una finta colonna, il legno di un portone, il tufo di un muro con le sue mille trame. La serie di foto rientra in un progetto più ampio denominato “L’uomo delle stelle” che si ispira al film culto di Giuseppe Tornatore sul sogno cinematografico tra la gente comune. I visi di Santoro sono “volti da film”, facce di donne che davanti alla macchina da presa esprimono emozioni e sensazioni, stati d’animo che nella quotidianità emergerebbero solo a sprazzi in queste foto sono amplificati all’ennesima potenza.

TAPPA FOGGIANA PER LA MOSTRA "GIANNI RODARI NEL MONDO"

2009-10-23T14:49:00.000-07:00

ARTICOLO PUBBLICATO DAL QUOTIDIANO L'ATTACCO DI VENERDì 23 OTTOBRE 2009

Le opere del “grammatico della fantasia” fino al 30 ottobre a Foggia

Fino al 30 ottobre la Facoltà di Scienze della Formazione dell’Università degli Studi di Foggia, con il patrocinio della Provincia e del Comune di Foggia, dell’A.I.C.E. Città educativa Foggia, dell’Ufficio Scolastico Provinciale, della Biblioteca provinciale "Magna Capitana" e del Circolo didattico "Santa Chiara", ospiterà la mostra itinerante “Gianni Rodari nel Mondo”.
La mostra inaugurata il 6 ottobre presso la Sala Rosa Del Vento della Fondazione Banca del Monte di Foggia propone 30 pannelli delle copertine di libri dell’autore piemontese che sono stati tradotti in tutto il mondo. I libri di Rodari sono stati tradotti in portoghese, giapponese, persiano, lituano, cinese, svedese, russo, turco. La mostra prevede anche un’attività laboratoriale, infatti, presso il Circolo didattico “Santa Chiara” in collaborazione con i docenti della Facoltà di Scienze della Formazione, verranno svolti una serie di laboratori didattici (di lettura, di invenzione di storie, linguaggio fantastico etc.) che coinvolgeranno studenti per analizzare la figura del “grammatico della fantasia” dal punto di vista formativo.
Gianni Rodari, scrittore e giornalista famoso per la sua fantasia e originalità, attraverso racconti, filastrocche e poesie, divenute in molti casi classici per ragazzi, ha contribuito a rinnovare profondamente la letteratura per l'infanzia. Tra le sue opere maggiori si ricordano “Filastrocche in cielo e in terra”, “Il libro degli errori”, “Favole al telefono”, “Il gioco dei quattro cantoni”, “C'era due volte”. Dal suo libro “La freccia azzurra” è stato tratto un omonimo film d'animazione nel 1996. Nello stesso periodo in URSS fu realizzato anche un cartone animato su "Cipollino", recentemente tradotto e diffuso in Italia per il mercato home video. In Russia, Cipollino è più famoso di Topolino, sia per i rapporti che l' autore intratteneva con l'allora Unione Sovietica, sia perché il libro è diventato un cartone animato molto conosciuto, oltre che una commedia spesso rappresentata nei teatri.
La mostra foggiana propone molte copertine illustrate dedicate al personaggio di “Cipollino” che fu creato negli anni ’50 per diventare famoso nel 1957 con le varie edizioni de “Le avventure di Cipollino”. Un personaggio che è ricco di insegnamenti non solo per i bambini ma anche per gli adulti. Rodari usa la parola con poesia, ironia e semplicità per stimolare fantasia e creatività. Leggendo alcuni stralci della saga di Cipollino si può notare come il giocare con la rima è studiato, ricercato, rigoroso e musicale, ecco alcuni versi tratti dal libro: «Cipollino era figlio di Cipollone e aveva sette fratelli: Cipolletto, Cipollotto, Cipolluccio e così di seguito... Gente per bene, bisogna dirlo subito, però piuttosto sfortunata. Cosa volete, quando si nasce cipolle, le lacrime sono di casa».
Le avventure raccontano di Cipollino ortaggio povero che vive in una cassetta di legno di quelle dell' ortolano, oppresso, con altri sfortunati compagni come mastro Uvetta, la sora Zucca, Pirro Porro, Principe Limone e dai suoi manutengoli che riuscirà alla fine a sconfiggere fondando una Repubblica. Questo fantasioso mondo di frutta e verdura Gianni Rodari lo inventò con Raul Verdini negli anni ’50 ma fu dagli anni ’60 che Gianni Rodari insieme a Bruno Munari realizzò “Le filastrocche in cielo e in terra” dei veri cult-books per gli appassionati di letteratura per l’infanzia.
La forza pedagogica di Rodari risiede nella volontà dell’autore di pensare il bambino come un soggetto al centro della società, ragazzi critici e pensanti. All’estero più che in Italia Rodari sta facendo scuola, ed è proprio oltre confine che stanno nascendo, a 29 anni dalla sua morte, edizioni ridotte, scolastiche, illustrate dei suoi lavori. Un grande onore per la città di Foggia ospitare il più grande scrittore per l’infanzia del Novecento italiano.

H.E.R, UNA VOCE FUORI DAL CORO IMMERSA NEL TEATRO CANZONE

2009-10-16T05:29:00.001-07:00

ARTICOLO PUBBLICATO DAL QUOTIDIANO L'ATTACCO DI VENERDì 16 OTTOBRE 2009

Domani sera 17 ottobre presso il Dizzy di Bovino (FG) in Contrada Padula sarà possibile ascoltare e ammirare H.e.r., affermata violinista, attrice e performer pugliese che presenterà una exhibit dal titolo “H.e.r. in duo”. Il concerto tra avant-garde e tentazioni pop, attua uno snellimento del progetto live che vide l’artista protagonista come violino nel quartetto “I Nidi d’Arac”.
In “H.e.r in duo”, l’artista si avvicina alle sonorità jazz accompagnata dal pianista ed attore Alessandro Castriota Scanderbeg, già suo stretto collaboratore nell'ep “Se avessi te”, e nel brano “Parsifal”, contenuto nell’album solista di H.e.r “Magma”, il cui testo è tratto dall’opera omonima della scrittrice Mariangela Gualtieri.
Il concerto di Bovino presenterà una selezione di brani tratti dall’album “Magma” nonché rivisitazioni e cover di brani di scuola brechtiana e mitteleuropea a cui l’artista dimostra di essere profondamente legata.
In occasione dell’evento dauno ho incontrato l’artista garganica per approfondire con lei alcune tematiche della sua ricerca artistica. Ho posto ad H.e.r. alcune domande:
G. Come definiresti il tuo percorso artistico?
H. “Il mio percorso artistico può essere definito come un magma in cui convivono insieme degli elementi contrastanti tra loro che però risultano radicati a dei punti fermi molto importanti sia nella mia esperienza artistica sia in quella di vita. Mi sento molto vicina al teatro canzone, al gioco e al guizzo insito nell’improvvisazione jazz, che mi affascina e travolge per il forte rigorismo di base. Accostarsi allo studio delle sonorità jazz significa addentrarsi in una esperienza basilare e raccomandabile ad ogni musicista che voglia avviare una crescita culturale proficua e aperta alle contaminazioni. L’ impostazione rigorosa che è alla base dell’improvvisazione jazzistica la ritrovo nei gesti, nelle posture, nei movimenti che un violinista deve compiere ed imparare per anni prima di poter considerarsi tale, cercando quotidianamente di conciliare estro e rigore.
In me convivono tante realtà magmatiche che non possono essere inscatolate ed omologate, non riuscirei mai ad appiattirmi all’interno di un format, non riuscirei mai a rivestire i panni della ragazza della porta accanto che diventa famosa senza aver ricercato sonorità, repertori, agganci artistici. La musica non è intrattenimento, non è sottofondo, la mia musica è un pugno dato in faccia all’omologazione che tenta di stressarmi nel caos della contemporaneità metropolitana.
Oggi più che mai mi sento di dire che voglio essere una voce fuori dal coro, una vera outsider.”
G. Nell’album “Magma” sono presenti varie collaborazioni. In che modo sono nate e come le definiresti?
H. Tutte le collaborazioni sono nate con grande casualità e dall’apparente caos preliminare sono nate realtà definibili e associabili a degli elementi naturali.
La collaborazione con Petra Magoni può essere associata all’aria, la collaborazione con Peppe Voltarelli alla terra, mentre quella con Mariangela Gualtieri all’acqua. La collaborazione con Momo, invece, non si può definire citando un elemento naturale quanto evocando un guizzo.
Parallelamente ai progetti che hanno portato a Magma dal 2005 ho avviato una collaborazione con Teresa De Sio e il suo gruppo partecipando sia al disco che al tour “A Sud! A Sud!” e allo spettacolo culto “CRAJ”, dedicato ai grandi cantori della musica popolare pugliese. Recentemente ho collaborato con Donatella Rettore la quale ha interpretato “Primadonna” un mio brano vincitore del PIG che eseguirò anche nel concerto di Bovino ma in una versione più intima e personale.
G. Come definiresti la H.e.r. di oggi?
H. Sia nell’arte che nella vita quotidiana mi sento sì tecnologica, ma tecnologicamente analogica.
Per approfondire la ricerca musicale e la figura d’artista di H.e.r. è possibile collegarsi al sito internet: www.myspace.com/herwebsite.

Spot IX Festival del Cinema Indipendente di Foggia 2009

2009-09-25T08:44:00.001-07:00

OLTRE IL "VELINISMO": GLI SCATTI DI FRANCESCA LOPRIENO A BARI FINO AL 3 OTTOBRE 2009

2009-07-05T14:36:00.000-07:00

ARTICOLO PUBBLICATO DAL QUOTIDIANO L'ATTACCO DI SABATO 4 LUGLIO 2009
È stato inaugurato lunedì 29 giugno alle 19,00, presso l’atelier di Marco Lavermicocca in Via Amendola 191/U a Bari il secondo ciclo di “Art’in progress”, un progetto espositivo aperto alle proposte di giovani artisti curato da Antonella Marino. Il progetto artistico si avvale della mostra personale di Francesca Loprieno, giovane fotografa tranese che dopo il diploma accademico di primo livello all'Accademia di Belle Arti di Foggia, sta frequentando il bienno specialistico in grafica e fotografia all'Accademia di Belle Arti di Roma.
La nuova edizione di “Art’in progress” privilegia una riflessione sull’identità
individuale in relazione con gli altri, che coinvolge l’idea di una “Bellezza difficile”, spesso critica nei confronti di stereotipi e modelli imposti.
Gli scatti di Loprieno parlano di ragazze, immortalate in riquadri neutri e bloccate con colori saturi, che sono ben lontane dal modello-velina che tanto spazio occupa oggi nelle cronache, purtroppo non solo rosa o televisive. Difficile che i loro book fotografici, confezionati dalla fotografa pugliese, possano accedere ai piani “alti” dei mass media (e/o della politica e del potere). Pur se la posa è professional, pur se il taglio dell'immagine ammicca alla pubblicità e alla moda (cui si rifà esplicitamente il trittico in cui le giovani donne indossano graziosi cappellini), è il difetto minimo, la sbavatura dl trucco, il senso alluso di violenza a fare il verso qui senza estremismi all'universo piatto, patinato e asettico dell'estetica pubblicitaria, della chirurgia estetica, della virtualità del foto-ritocco e della perfezione digitale. Un brufolo, delle orecchie a sventola, un collo un po' sproporzionato, assumono così il senso di piccole provocazioni, infiltrate dentro le pieghe di un bombardamento iconico che tanti danni può provocare e provoca, soprattutto nel delicato periodo dell' adolescenza. A bloccare lo sguardo dello spettatore sono gli occhi delle “modelle” perse in un mondo da cui la donna esce ancora con il viso emaciato e il trucco misto alle lacrime.
La potenza degli scatti di Loprieno risiede nella trasversalità comunicativa dell’immagine fotografica, infatti, le foto prodotte dall’artista potrebbero a pieno titolo far parte di una campagna pubblicitaria di sensibilizzazione contro i deprecabili atti di violenza fisica, psicologica e morale che molte donne subiscono ma potrebbero anche inneggiare ad un modello fisico alternativo dove i canoni estetici da bambola plastificata vengono accantonati in favore di un’accettazione di sé, che si manifesta anche portando addosso delle “sbavature” non meno dolorose di uno schiaffo o di un pugno, ma che hanno il sapore della libertà e dell’ indipendenza. Gli scatti di Loprieno con cruda eleganza propongono una lettura intima dell’universo femminile tra accettazione, condanna e reazione di una condizione sociale che urla cambiamento.
La mostra sarà visitabile fino al 3 ottobre 2009.

RECENSIONE "QUESTO VISO NON MI è NUOVO"

2009-06-28T03:06:00.000-07:00

Déjà vu
di Domenico De Felice

Questo viso non mi è nuovo!?!, la collettiva fatta di facce e volti da punto esclamativo.

MANFREDONIA La chimica relazionale e la vista spiegano la parte nascosta dei rapporti sociali. Quella parte nascosta delle relazioni che i creduloni definiscono destino. Nient’altro che balle!
Otto secondi a naso e occhi per suggerire al cervello un innamoramento, molto meno per capire se chi abbiamo di fronte ci sarà antipatico. In quest’ultimo caso, pare che la memoria visiva insegua le parti oleografiche dei ricordi per ricostruire, tramite i volti che già conosciamo, un’associazione tra fisionomia e sensazioni che poi ti porta a esclamare, relativamente poco pieno di meraviglia, il tanto conosciuto e ripetitivo “Questo viso non mi è nuovo!?!” che ora è pure il titolo di una mostra. Si tratta di una collettiva che sarà inaugurata sabato 27 giugno alle 20.00 in quel di Manfredonia, a Palazzo Celestini (al 22 di Corso Manfredi per i meno provetti in orienteering). Curata da Gerardo Di Feo e aperta fino al prossimo 12 luglio (dal lunedì al venerdì, dalle 10.00 alle 13.00, sabato e domenica solo su prenotazione), la mostra si fonda proprio sulla potenza che alcuni volti riescono a esercitare sui nostri sensi. Espongono una selezione accurata delle proprie opere Luca Bidoli, Luca Carnevale, Luigi Loquarto, Dario Molinaro e Carmelo Nicotra. Cinque volti cinque, con stili tutti differenti ed estremamente energici. Luca Bidoli (Gorizia, 1967), padre di progetti grafici per Piaggio, Gilera, Aprilia, Barilla e Benetton, usa cromatismi prepotenti per mettere in risalto le linee affilate dei suoi levrieri.
Luca Carnevale (Napoli, 1973) si diverte con le immagini passando, all’interno della stessa tela, dalla cattura quasi fotografica dei suoi soggetti alla loro asciutta rielaborazione. Luigi Loquarto (Trani, 1982), aka Losmilzo, ha grovigli di linee per definire i volti e colori che diventano caratterizzazione emozionale dei suoi personaggi “che sembrano a prima vista usciti da una candeggio sbagliato”. Dario Molinaro (Foggia, 1982) fissa i suoi ritratti a china in un andirivieni di occhiatacce e risate quasi sguaiate. Carmelo Nicotra (Agrigento, 1983) inanella una serie di portaritratti ai limiti della ridicolizzazione, esagerando atteggiamenti, smorfie e travestimenti distinguibili ma non per questo unici. Cinque nomi, insomma, per enuple di facce da non perdere. Decisamente.

"ARTEORA" UN NUOVO SPAZIO PER L’ARTE CONTEMPORANEA A FOGGIA

2009-06-27T02:58:00.000-07:00

ARTICOLO PUBBLICATO DAL QUOTIDIANO L'ATTACCO DI SABATO 27 GIUGNO 2009

Dal 21 dicembre 2008, equinozio d’inverno, è nata a Foggia ArteOra, una nuova realtà espositiva per l’arte contemporanea sotto la direzione progettuale e artistica di Gigliola Fania. Per l’inaugurazione nella notte più lunga dell’anno fu organizzata una mostra sulla potenza percettiva della luce. ArteOra che ha sede in via Onorato nei pressi del Teatro del Fuoco, durante la settimana appena trascorsa ha proposto una exhibition di giovani artisti dal titolo ArteSonOra.
La mostra è stata inaugurata sabato 21 giugno, equinozio d’estate, e si avvale del progetto artistico di Mosè La Cava che con la Fania ha ideato l’evento.
Alla mostra hanno esposto i propri interventi artistici: Marco Buccino,Bruna Ciuffreda, Rossana Coppola, Dauniadub (Attanasio Finiguerra), Ilaria Del Grosso, Mosè La Cava, Paolo Lops, Raffaella Marinacci, Mariagrazia Martino, Simona Ruotolo, Adriano Santoro, Elisabetta Scoppa.
Gli artisti hanno lavorato sulle mille sfaccettature della sonorità, il suono nell’arte è melodia, rumore, ma è anche vuoto, silenzio e mistero. Attraverso installazioni e video art, gli artisti propongono chiavi di lettura poetiche, paradigmi esistenziali di una vita che scorre accompagnata da un rumore di fondo.
L’interazione con l’opera d’arte è un elemento cardine delle opere di Mosè La Cava e di Paolo Lops, che propongono opere che attendono lo spettatore per entrare in azione. La Cava propone una scatola sonora che emette suoni al passaggio del visitatore nelle prossimità della stessa. La scatola ha, inoltre, un foro nel quale si può inserire una mano e sentire un’onda sonora pervadere il proprio corpo e lo spazio circostante.
L’opera di Paolo Lops, invece, attende dal visitatore una chiamata, infatti, una scatola nera con su scritto Call Me, invita lo spettatore a telefonarle, lo spettatore deve digitare sul proprio cellulare il numero di telefono apposto dall’artista sul cubo e dalla scatola giungerà una voce distorta che incute timore e incuriosisce al tempo stesso.
Il suono è sovrano anche nell’assemblaggio video di Adriano Santoro che propone analisi sonore portate avanti dagli studenti dell’Accademia di Foggia. Il rumore del fritto, quello della macchina da scrivere in azione o il moto perpetuo del via vai di una stazione ferroviaria nell’ora di punta, diventano i protagonisti del video assoggettando le immagini che vivono in funzione del suono.
Il video pone l’accento sul rumore prodotto dalle azioni quotidiane che però sembrano staccate dall’azione generativa per diventare suoni della nostra mente, del nostro inconscio che evocano un incedere e sovrapporsi di eventi. Nell’assemblaggio video, Adriano Santoro, propone anche “Psyco violin” video del 2006 in cui mostra H.e.r., cantautrice e violinista manfredoniana, in immagini confuse e veloci tese a rappresentare in generale il rapporto tra la fisicità dell'artista e l'intangibilità della sua arte il tutto tra rumori di vento e violini.
Un lettore mp3 diventa, invece, per Marco Buccino il mezzo per presentarci sotto una doppia veste una forchetta in alluminio che viene resa su stampa come un’icona pop. Ascoltando la traccia audio si è destabilizzati dall’acuto rumore di una forchetta che raschia le superfici lisce dei piatti o ruvide di una padella.
ArteSonOra si avvale del testo critico di Antonella Garofalo che sottolinea la peculiarità di rivendicazone di un proprio codice linguistico insita in ogni intervento artistico presentato in mostra.
Visitando lo spazio espositivo ArteOra lo sguardo è rapito dalla ariosità degli spazi, dalle pareti e dal pavimento asettici, che accolgono le opere e non le rigettano come accade spesso nelle gallerie. Ad oggi quello di ArteOra è il più grande contenitore per l’arte contemporanea di Capitanata. Uno spazio che è aperto alle contaminazioni esterne per accogliere artisti locali, nazionali ed esteri e proporre eventi trasversali all’arte contemporanea per raggiungere una crescita culturale e maggior dibattito sull’arte.

LE INSTALLAZIONI DI KATIA BERLANTINI IN MOSTRA AI GIARDINI IN FIERA

2009-06-20T12:37:00.000-07:00

ARTICOLO PUBBLICATO DAL QUOTIDIANO L'ATTACCO DI SABATO 20 GIUGNO 2009
È stata inaugurata lunedì 8 giugno nei giardini in fiera dell’omonimo ristorante di viale Fortore la mostra personale di Katia Berlantini dal titolo “L’erba del vicino. L’artista ha proposto tre installazioni che tendono una mano all’ elemento naturale per poter attingere linfa esistenziale.
Il giardino sede delle installazioni accoglie il materiale plastico che compone le opere in modo sereno, pacato e leggero. Guardando le opere si intuisce un accordo non scritto tra la natura e l’arte della Berlatini che si fonde con il prato e gli alberi attraverso una manifestazione estetica minimal. La natura percepisce la plastica non come un rifiuto solido urbano bensì come un arricchimento culturale temporaneo.
Il gioco, la precarietà e la leggerezza sono i temi portanti della personale dell’artista foggiana che da anni lavora con i materiali poveri che compongono gli oggetti di uso quotidiano. Nell’ultimo periodo e nella mostra in corso Katia Berlantini si avvale degli oggetti sfruttandone non solo le proprietà materiche ma anche le proprietà formali ed estetiche. Si parte con l’installazione “Anelli” che prevede tre enormi cerchi costituiti da tubi in plastica usati per le condutture elettriche. I cerchi sono stati lanciati dall’artista sugli enormi pini e appaiono allo spettatore in tutta la loro precarietà. I cerchi sembrano impigliati tra i rami, in una condizione di momentanea immutabilità. L’opera racconta di un gioco leggero e imprevedibile di cui già si intravede la fine ma che permette all’artista e allo spettatore di guardare due mondi antietici, quello naturale e quello artificiale coesistere armonicamente.
Decine di sedie in plastica da giardino sono, invece, le protagoniste dell’installazione dal titolo “ Coreografia di una danza a tratti interrotta”. Le sedie sono disposte dall’artista in bilico nel terreno, la sensazione di precarietà che deriva dalla visione dell’intervento è molto forte e ci si domanda se nel terreno l’artista non abbia disposto dei fermi per permettere alle seggiole di sfidare le leggi di gravità. Così non é, infatti, Katia Berlantini ha inserito le sedie nel terreno cercando il punto di equilibrio precario dell’oggetto nel momento stesso della costruzione compositiva dell’opera. La danza delle sedie è però interrotta, la performance è stata bloccata ed è questa interruzione a rappresentare il climax dell’opera che immortalando un attimo evanescente contiene altri due momenti della rappresentazione: l’inizio e la sua fine. Entrambi i momenti non sono visibili e lo spettatore dovrà immaginarli e produrre criticamente. La componente ludica dell’intervento artistico è molto forte, più che in ogni altra opera presente in mostra. La leggerezza, però, in questo intervento, cede il passo ad un radicamento al terreno cercato e voluto per poter sopravvivere.
L’opera più potente dal punto di visto estetico e compositivo è “L’erba del vicino” che dona il titolo all’intera mostra. L’intervento ambientale è costituito da 2000 cannucce in plastica infilate in verticale nel terreno. Unico basamento presente è un bastoncino di legno impercettibile alla vista poichè nascosto nell’erba dall’artista. Le cannucce formano un tappeto erboso plastico che si somma a quello naturale.
Le cannucce colorate ondeggiano con le folate di vento creando un effetto cromatico piacevole alla vista. Un ‘opera allegra, divertita che nasconde la fatica fisica compiuta dall’artista nel momento della realizzazione, metafora celata della caparbietà e della forza fisica e mentale necessaria per il raggiungimento di una condizione evanescente, libera e soave.
Questa installazione della Berlantini ha un sapore minimal-chic asettico ed elegante. Vedere, inoltre, migliaia di fuscelli colorati al cospetto degli altissimi pini del grazioso giardino in fiera acuisce la potenza comunicativa dell’opera sul tema della forza della leggerezza. È più forte il leggero fuscello o il ben radicato albero?. Un dilemma sulla leggerezza che accompagnerà per sempre gli uomini.

IL POTERE DELLE IMMAGINI AL MAT DI S.SEVERO ASPETTANDO JACOVITTI

2009-06-20T12:31:00.000-07:00

ARTICOLO PUBBLICATO DAL QUOTIDIANO L'ATTACCO DI SABATO 20 GIUGNO 2009Si conclude oggi la mostra collettiva “Persistenze sul confine dell’immagine. Ripensando ad Andrea Pazienza”.
La mostra, curata da Massimo Bignardi, ha proposto una selezione di opere di artisti contemporanei, il cui denominatore comune sembra scorgersi nell’idea di immagine o, meglio, sul valore che essa assume nella contemporaneità. Gli artisti invitati sono stati: Antonio Ambrosino, Paolo Bini, Paolo Borrelli, Angelo Casciello, Bruno Ceccobelli, Franco Cipriano, Paolo De Santoli, Gerardo Di Fiore, Giuseppe Di Muro, Stefano Di Stasio, Lorenzo Foschi, Omar Galliani, Salvatore Lovaglio, Ruggero Maggi, Maria Mulas, Tommaso Ottieri, Arturo Pagano, Giusy Parisi, Eliana Petrizzi, Piero Pizzi Cannella, Virginio Quarta, Angelomichele Risi, Errico Ruotolo, Sandro Scalia, Giovanni Tesauro. Il percorso di visita si è snodato attraverso tre aree tematiche “Attraversare i luoghi”, “La pratica della figura” e la “Seduzione del mito”.
Nella prima sezione i luoghi dell’immagine sono radicati per metà al reale e per metà al mondo del non figurativo. In questa sezione l’opera “Sirene Arche” di Tommaso Ottieri mostra uno spaccato cittadino dalla cromia improbabile e dai contorni liquidi. Un dualismo tra radicamento territoriale e voglia di evadere che si manifesta percettivamente nelle sgranature dell’immagine proposta.
Il “paesaggio dauno” di Lovaglio ci rimanda invece ai colori di fine estate quando al giallo oro del grano si sostituisce il marrone e nero delle stoppie. Un’immagine che solo apparentemente si radica al reale attraverso il colore, per esprimere attraverso il tratto impetuoso e l’uso di catrame un moto interiore.
La seconda sezione “La pratica della figura” trova nel volto umano la chiave di volta più potente.
Significative le opere di Eliana Petrizzi che propone cinque tavolette di dimensioni e forma diverse dal titolo “Vanitas”. Volti che parlano attraverso gli occhi e attraverso ferite cutanee che evocano uno squarcio della tela più che un taglio sanguinate. Alla frivolezza della vanità l’artista contrappone un il cupo e mesto nero degli sfondi da cui emergono i volti illuminati da una fioca e livida luce.
Di grande pregio il ritratto fotografico che Maria Mulas porta in mostra, che apre una riflessione sulla proiezione dell’artista sul soggetto ritratto.
Nella terza ed ultima sezione la “Seduzione del mito” la trama mitologica trasuda dalle opere che rievocano attraverso l’uso di materiali della nostra contemporaneità, miti e leggende millenarie. Un esempio può essere l’opera dell’artista napoletano Gerardo Di Fiore che con “L’inganno” evoca il mito usando la gommapiuma in un gioco di pieni e vuoti.
La mostra appena conclusasi porta con sé un grande successo di pubblico che non può che inorgoglire l’ideatore del progetto artistico, Teo De Palma. Nota positiva anche per il Museo di San Severo che ha di recente rinnovato la propria sede e che oggi appare curato nei minimi dettagli. Un museo di cui si apprezza anche la sezione archeologica ricca e non ridondante. Il 30 giugno partirà la mostra antologica su Jacovitti che sarà visitabile fino alla fine di agosto. Al Mat in questi giorni, inoltre, si sta tenendo la rassegna “InChiostro al Museo” che vuole diventare un appuntamento annuale fisso nel Chiostro del rinnovato Museo dell’Alto Tavoliere. La rassegna svilupperà ogni anno un tema specifico, trattato con poliedrici approcci che contemplano l’archeologia, la musica, la letteratura, l’arte, il teatro. Quest’anno viene trattato il tema del viaggio. Ultimo appuntamento lunedì 22 giugno alle 21 con Il viaggio, da Ulisse di Omero a Novecento di Baricco. Epica, archeologia, teatro e musica si incontrano in un originale connubio. La voce recitante sarà di Francesco Gravino; Pianoforte: Edgardo Caputo. Verranno proposte da Elena Antonacci, Direttore del MAT, brevi annotazioni di archeologia sulla figura di Ulisse e sul viaggio dell’anima. Le attività di gestione dei servizi museali sono svolte in collaborazione con l’Associazione Clio.

IL 2^CIRCOLO DIDATTICO "PAPA GIOVANNI XXIII" AL FESTIVAL INTERNAZIONALE DEL GIOCO E DEL GIOCATTOLO DI TRADIZIONE DI MASSICELLE

2009-06-07T02:06:00.000-07:00

ARTICOLO PUBBLICATO DAL QUOTIDIANO L'ATTACCO DI SABATO 6 GIUGNO 2009
Si è svolto a Massicelle di Montano Antilia in provincia di Salerno il Festival Internazionale del Gioco e del Giocattolo di Tradizione. Il Festival giunto alla quarta edizione è stato promossa dall'Associazione "Lo Strummolo" - composta dal Comune di Montano Antilia, la Comunità Montana Lambro e Mingardo, l'Istituto Comprensivo di Montano Antilia e diverse associazioni culturali locali - con il supporto di Regione Campania, Provincia di Salerno e Parco Nazionale del Cilento e Vallo di Diano. Nel 1993 prese forma il Museo del Giocattolo Povero di Massicelle da un progetto dell'Istituto Comprensivo di Montano Antilia.
Il progetto di una scuola di paese si è trasformato in un Festival che accoglie scolaresche da tutta Italia e dall’estero.
Il Festival presenta ai suoi ospiti un'ampia offerta di laboratori divisi in cinque categorie: Didattici, di Tradizione, di Cultura Ambientale, di Artigianato Artistico e di Movimento e Giocoleria.
Le scuole finaliste dell’edizione 2009 sono 14 e divise in scuole campane, scuole di altre regioni e scuole estere rappresentate quest’anno dall’ Austria.Le scuole italiane partecipanti provengono da Piemonte, Emilia Romagna, Friuli Venezia Giulia, Sardegna e Puglia. La Puglia è stata rappresentata da una delegazione costituita da ventisei alunni di classi quarta, del Secondo Circolo Didattico “Papa Giovanni XXIII” di Orta Nova, accompagnati da tre docenti e tre genitori. I partecipanti sono stati ospitati dal 21 al 24 Maggio a Montano, alloggiando in casa di ospitali famiglie del posto. Nella sezione dedicata al gioco, i bimbi ortesi, hanno proposto il gioco “Fornaio Fornaio”: sei giocatori si tengono per mano a formare una fila. Il primo impersona il fornaio, l'ultimo il cliente che dà inizio al gioco intonando una filastrocca cui risponde il fornaio: "Fornaio, fornaio è cotto il pane? Mezzo crudo e mezzo cotto. E chi è stato? Quel brutto vecchierello …". E qui il fornaio indica il bambino accanto al cliente. Tutti in coro cantano "Lo prenderemo, lo legheremo, in prigione lo manderemo. Povero (si aggiunge il nome del prescelto) attaccato alle catene, sotto le pene si sente di morir". Mentre si canta, il fornaio conduce la fila fino al 'vecchierello' e, passando sotto le sue braccia alzate e quelle del bambino vicino, lo 'incatena'. Tutto ciò si ripete fino a quando tutti i giocatori saranno intrecciati tra loro. Quindi fornaio e cliente si danno la mano e mentre il fornaio urla "Scarafù… Fù… Fù" i partecipanti si liberano spingendosi a vicenda.
Nella sezione dedicata ai giocattoli è stata proposta “la carruzzella”. Antesignane delle macchinine a pedali, le carruzzelle in legno venivano costruite dagli stessi bambini per sfidarsi in spericolate corse per le vie di Orta Nova. Sul podio le Scuole Medie di Tortolì (Nuoro) e Sorso (Sassari) con il gioco "Is Onzulus" e il giocattolo "Furrianughe". Nel 2009 per la prima volta il Festival si sdoppierà, offrendo una tranche di attività anche dal 3 al 5 luglio.

I VALORI MIGRANTI DI ANTONIO NATALE IN MOSTRA ALLA FONDAZIONE BDM DI FOGGIA FINO AL 12 GIUGNO

2009-06-07T02:00:00.000-07:00

ARTICOLO PUBBLICATO DAL QUOTIDIANO L'ATTACCO DI SABATO 6 GIUGNO 2009L’arte di Antonio Natale è in mostra a Foggia presso la Fondazione Bdm di Via Apri con una mostra che affronta le tematiche attualissime dell’emigrazione e della storia contemporanea della seconda metà del Novecento.
L´edizione attuale della mostra e´ il nuovo allestimento di quella realizzata, nel giugno 2007, presso la Casa Italiana Zerilli-Marimo´ della New York University, e che vide gia´ allora il significativo
confluire di promotori e partner diversi, a partire dalla Fondazione BdM di Foggia, l´Istituto Italiano di Cultura, Art´inFabrica, Spazio 55 e Claudio Grenzi Editore. Nelle opere di Natale le esistenze in viaggio attraversano varie culture ed epoche in un processo artistico dalle molteplici sfaccettature. Antonio Natale dipinge su monete fuori corso provenienti da tutto il mondo. Molti “graffitari” ed artisti che provengono dalla street-art agiscono artisticamente su oggetti della propria quotidianità “customizzandoli”, ma il processo artistico di Natale si discosta da tale fenomeno affondando le proprie radici nel mondo della figurazione. Le banconote originali su cui Natale agisce ospitano personaggi creati ad acrilico che riappaiono da un limbo storico per manifestare una propria testimonianza di vita. Guardando opere come “Napoli, novembre 1939” che presenta un gruppo di emigranti italiani in posa fotografica, sembra quasi che i soggetti ritratti vogliano, attraverso i propri plastici corpi, raccontare alla generazione attuale come solo 60 anni fa l’Italia fosse un paese di emigrazione e che oggi non si può rinnegare questo passato sbarrando la strada agli immigrati che cercano fortuna nella nostra penisola. Colpiscono gli sguardi vuoti e le cromie livide dei volti dei personaggi che sembrano sbiaditi dal tempo. Una caratterizzazione temporale e paesaggistica delle opere è data dalle banconote, che permettono all’artista di focalizzarsi sulla figura umana. Su monete argentine del 1992 Natale propone una ritratto familiare carpito da una festa di compleanno della nuova generazione nata in terra straniera. Grande potere iconografico rivestono le opere della serie “XI 1944” che rappresentano gambe giovanili e piedi nudi. Uomini partiti senza soldi, senza grandi pretese, ma con la voglia di cambiare in meglio la propria esistenza. Personaggi avvolti in un sonno ristoratore caratterizzano molte opere, tra cui emerge per il pathos espresso, la tela in cui Giuseppe Verdi accompagna il sonno di un emigrato italiano. Tra le serie che ammiccano ad un linguaggio pubblicitario ritroviamo quella sui supereroi : Cristoforo Colombo e Giuseppe Verdi travestiti da paladini anni ’80, come anche Bellini e Volta. Una rosa su una banconota afgana apre un’analisi sulla figura femminile e potere talebano.
Di grande potere iconografico, gli interventi pubblicitari con il logo della Coca-Cola che sono stati realizzati su banconote russe, slave ed egiziane, tutti paesi che hanno avuto per anni dopo la Seconda Guerra Mondiale una pace armata con gli Usa, paese produttore della bibita più famosa del mondo. Una satira sottile avvolge questa serie di opere che ci fanno comprendere il valore delle nostre esistenze che hanno assistito ad uno dei periodi storici più ambigui del millennio Antonio Natale guarda il Novecento e la nostra contemporaneità con originalità, realizzando opere metamorfiche, frutto di un assemblaggio artigianale tra la storia impressa sulla filigrana della cartamoneta e il tratto sicuro da grafico ideatore di icone da copertina.
Di sicuro questa mostra curata da Guido Pensato che sarà visitabile fino al 12 giugno si può ritenere la miglior esposizione proposta dalla Fondazione Banca del Monte in questo primo semestre d’anno.

LA PIAZZA DI NESSUNO

2009-05-30T04:19:00.000-07:00

ARTICOLO PUBBLICATO DAL QUOTIDIANO L'ATTACCO DI SABATO 30 MAGGIO 2009

(LA PIAZZA COM'ERA)

Tutti i nodi vengono al pettine diceva il saggio e Foggia sembra essere diventata una donna dai lunghi capelli crespi. Il pettine si è impigliato in un nodo grande quanto una piazza: Piazza Giordano nel nostro caso. La settimana appena trascorsa è stata caratterizzata da caldo intenso e soffocante, in città sembrava che luglio si fosse sostituito a maggio, offrendoci temperature altissime che sono schizzate fino ai 36 gradi all’ombra. Piazza Giordano con il primo caldo è apparsa deserta, neanche un cane randagio sul marciapiede che dormiva beato!. Su queste pagine in tempi non sospetti si prospettò il fenomeno della desertificazione urbana, che piazze pensate sul modello di Piazzale Italia e Piazza Giordano avrebbero palesato. Tale fenomeno si è manifestato in tutta la sua gravità.
Guardando la piazza dall’isola pedonale una sola verità emerge: piazza Giordano non è vissuta dai suoi cittadini che la sentono ostile. Le panchine sono poche, scomode, assolate e vedono e ascoltano il traffico, i sedili delle aiuole sono roventi come delle piastre per cuocere le bistecche e le spalliere in ferro sembrano forconi per il caminetto. La piazza prima del restyling dovuto alla malattia degli alberi (?) era molto frequentata, tanto da creare delle polemiche in quanto gli immigrati (costituiti soprattutto da lavoratori stagionali senegalesi sfruttati nella campagna di raccolta del pomodoro) mangiavano e bevevano seduti alle fresche panchine, sotto gli enormi alberi, in seguito abbattuti.
Al via le polemiche sul degrado urbano, sugli stranieri usurpatori degli spazi cittadini e via di seguito. L’operazione Piazza Giordano ha posto la parola fine a questo problema. Nella nuova piazza non ci sono più i nugoli di braccianti che consumano il loro pasto, ma non ci sono neanche i foggiani da famiglia del mulino bianco. Verrebbe da dire: “bel modo di risolvere il problema!”.
(LA PIAZZA OGGI)
Il problema principale non è costituito dal sole e dal caldo ( che rappresenta un’ aggravante) dato che la scarsa frequentazione della piazza partì subito dopo l’inaugurazione ottobrina. La struttura della piazza non prevede l’accoglienza del cittadino che sembra rigettato verso l’esterno. Le aree di sosta della piazza sono state pensate agli estremi di essa , non c’è modo di fare gruppo, di sentirsi cittadini in piazza. Di sera l’illuminazione è poca e ispira solitudine, i lampioncini che sono stati installati fanno luce a loro stessi e alle spalliere delle panchine. Il punto focale della piazza costituito dal gruppo di statue che ricordano la figura di Umberto Giordano non sono più poste in posizione di preminenza come in precedenza, quando si saliva un gradino per accedervi e l’area era delimitata da ringhierine metalliche, infatti l’area è livellata al resto del pavimento. I grandi assenti sono comunque gli alberi, che costituivano un cappello verde per la piazza, oggi sostituiti da una accozzaglia di arbusti con fioritura impazzita che creano un collage cromatico di dubbio gusto.
Vogliamo parlare del traffico? La chiusura della strada dinanzi la chiesa di Gesù e Maria che da via Lanza ha deviato il passaggio per via Matteotti ha creato un percorso obbligato per le auto che devono circumnavigare la piazza creando un serpentone di auto rumoroso che nel periodo pre-restyling era sicuramente più snello.
Altri grandi assenti nella piazza sono i pannelli esplicativi della storia della piazza. È buona regola quanto si effettuano degli interventi così radicali, creare delle mappe che informino i posteri circa il vecchio assetto della piazza non risparmiando notizie su quello attuale. Soprattutto bisogna palesare ai posteri gli attori sociali di tale progetto. Nelle condizioni attuali la piazza sembra un intervento mal riuscito dove si è lanciato il sasso e si è nascosta la mano. Non è la piazza dei foggiani, non è la piazza degli immigrati, non è la piazza di chi l’ha progettata…piazza Giordano è la piazza di nessuno

APRE A FOGGIA LA “SCHINGOTECA” DI VIA MARCHESE DE ROSA

2009-05-30T04:14:00.000-07:00

ARTICOLO PUBBLICATO DAL QUOTIDIANO L'ATTACCO DI SABATO 30 MAGGIO 2009
Sabato 23 maggio ha aperto al pubblico la Civica Pinacoteca “Il 9cento” di Foggia nell’edificio che per anni ha ospitato l’ex Mercato coperto Ferrante Aporti in via Marchese De Rosa. Fino alla metà degli anni ’90 il mercato Aporti, il Ginetto e il Mercato Arpi nella sede storica di Piazza Mercato erano delle vere istituzioni, con l’avvento dei centri commerciali la concorrenza si è fatta sentire e si è andati verso la chiusura o il ridimensionamento degli spazi.
Il mercato Aporti è stato chiuso per anni ed in seguito ha subito una lunga ristrutturazione. Sul finire del 2008 si è cominciato a parlare di termine dei lavori ma nessuno credeva fosse possibile una riapertura primaverile. Già da tempo si paventava una nuova destinazione d’uso dell’edificio e così è stato: una pinacoteca nuova di zecca per la nostra città. L’idea di realizzare una pinacoteca proprio non è andata giù agli abitanti dei quartieri settecenteschi che speravano in un nuovo mercato.
L’inaugurazione lampo ha sorpreso molti, quello che doveva rappresentare un evento per la nostra città si è tramutato in una corsa contro il tempo. Ho deciso di visitare la galleria in una caldissima mattina risparmiandomi i lustrini made in fovea delle inaugurazioni, preferendo di contro una visita più intima, in solitudine.
Partiamo dall’esterno, il palazzo è ricco di porte-finestre a vetrate sia ai piani alti che al piano terra e questa particolarità può far nascere subito il primo inconveniente. Sulle porte esterne mancano indicazioni circa l’entrata dell’edificio. Il turista, non conoscendo il vecchio mercato e la vecchia entrata, può perdere svariati minuti nel tentativo di aprire decine di porte chiuse prima di scorgere il vecchio ingresso del mercato che ancor’oggi svolge il suo storico compito.
Entrando ci si imbatte in un punto informazioni in stile reception d’albergo con relativo abbassamento di soffitto con spatolato (per non farsi mancare niente) e faretti. Il piano terra è ancora completamente vuoto, gli uffici sono ancora da creare. Salendo al primo piano ad accoglierci c’è la statua del San Paolo che cade da cavallo di Marcello Tommasi che è stata trasportata dal Museo Civico di Piazza Nigri, dove aveva trovato una collocazione d’effetto che sfruttava il vuoto della rampa della scalita del Museo, in Pinacoteca addossato alla parete perde in slancio plastico risultando comunque un’opera di pregio.
Entrando nella sala dedicata all’esposizione colpisce il grande spazio a disposizione, la luminosità e il panorama che si scorge dalle porte-finestre. Le opere sono dei “deja vu” e prevale su tutti la presenza di Schingo sia in pittura che in scultura. Uno sbilanciamento evidente verso l’artista sanseverese che poteva essere evitato destinando a Schingo una sala a parte.
In termini di artisti novecenteschi ci si aspettava un’apertura verso il contemporaneo che è rappresentato da una sola opera di Capone, una di Dario Damato e una di Ubaldo Urbano. Mancano opere di Gerardo Gerardi e di Scarpiello, un altro assente illustre è sicuramente Andrea Pazienza e la lista potrebbe continuare. La pinacoteca ci appare come una nuova casa che si cerca di arredare un po’ alla volta tra mille fatiche. Un complesso museale in pieno work in progress, dove si attende l’arrivo di alcuni arredi e la sezione didattica è tutta da creare.
Le potenzialità della pinacoteca sono davvero alte ma ad oggi sono espresse solo al 50 per cento. La fretta si sa è cattiva consigliera, e sarebbe stato meglio inaugurare con calma dopo l’estate con personale a pieno regime, l’aria condizionata funzionante e qualche opera in più. La vera Pinacoteca sarà quella che verrà con il tempo, si spera con mostre temporanee, appuntamenti culturali, rassegne trasversali al mondo dell’arte e seminari di studio, per far diventare quello di via Marchese De Rosa un polo culturale nel cuore della città.

ANTONIO NATALE IN MOSTRA A FOGGIA CON VALORI MIGRANTI

2009-05-25T00:55:00.000-07:00

ARTICOLO PUBBLICATO DAL QUOTIDIANO L'ATTACCO DI SABATO 23 MAGGIO 2009

Giovedì 28 maggio 2009, alle ore 19.00, presso gli spazi espositivi della Fondazione Banca del Monte , in via Arpi 152, sarà inaugurata la mostra "Valori Migranti", una rassegna di opere di Antonio Natale dedicate al tema dell'emigrazione e della sua storia. Il "racconto" dell'artista si svolge per mezzo di interventi su banconote fuori corso di tutti i paesi del mondo. La cartamoneta diventa, così, veicolo di storie e vicende che hanno riguardato, a partire dalla fine dell'Ottocento, l'Italia intera e il Sud, in particolare. "La mostra voluta e curata dalla Fondazione - dichiara il suo presidente, Avv. Francesco Andretta - si arricchisce di una iniziativa singolare ed estremamente significativa. I visitatori, infatti, per tutta la durata della mostra, dalle ore 18.30 alle 20.00, potranno accedere al sito Internet di Ellis Island (New York), punto di arrivo e di sosta di milioni di emigranti e oggi portentoso archivio che raccoglie dati, materiali e documenti a partire dal 1892 al 1954".
L’artista ha rivelato le sue capacità pittoriche fin da bambino. Alle elementari invece di scrivere un dettato sull’Australia, disegnò sul foglio un canguro. Alle rimostranze della maestra, ridisegnò una cangura con il piccolo nel marsupio sulla lavagna e il mini-capolavoro venne mostrato a tutta la scuola. A diciott’anni andò a Roma a studiare all’Accademia di Belle Arti, da cui si diplomò nel 1988. Alla Galleria Velca di Roma ha tenuto la prima personale intitolata «Prometeo ed Icaro o della libertà» nel 1989. Nel 1997 gli è capitata fra le mani una banconota con un messaggio d’amore. Da questo incontro occasionale, nasce una nuova fase della sua produzione artistica. Se denaro e parole sono conciliabili, conciliamo il racconto di momenti vissuti. Secondo Antonio Natale personaggi riprodotti sulla filigrana colorata dei valori spendibili dei diversi paesi sono i veri testimoni delle nostre vite.
La Fondazione Bdm ospita l'unico pittore al mondo che dipinge su banconote, banconote fuoricorso e di tutti i paese del mondo. I suoi quadri sono delle miniature che si stanno già affacciando sul mercato del collezionismo. Sulla filigrana l’artista crea scene improbabili arricchite da una sottile vena satirica che regala momenti di riflessione divertita. L'edizione attuale della mostra è il nuovo allestimento di quella realizzata, nel giugno del 2007, presso la Casa Italiana Zerilli-Marimò della New York University e che vide, già allora, il significativo confluire di promotori e partner diversi: a partire dalla Fondazione foggiana e dalla Regione, per finire all'Istituto Italiano di Cultura, Art'inFabrica, Spazio 55 e Claudio Grenzi Editore.
La mostra, accompagnata da un catalogo curato da Guido Pensato, sarà visitabile fino al 12 giugno, secondo i consueti orari: dal lunedì al sabato: 9.00/13.00 e 17.00/20.00, domenica: 9.00/13.00.

ANDREA PAZIENZA E NUOVA GENERAZIONE

2009-05-25T00:45:00.000-07:00

ARTICOLO PUBBLICATO DAL QUOTIDIANO L'ATTACCO DI SABATO 23 MAGGIO 2009

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Parte giovedì 28 maggio al Mat di San Severo la mostra Persistenze sul confine dell’immagine. Ripensando ad Andrea Pazienza, curata da Massimo Bignardi in collaborazione con la cattedra di Storia dell’Arte Contemporanea dell’Università di Siena, il Frac-Baronissi e l’Associazione Sorvillo per l’Arte Contemporanea. Venticinque artisti affermati nel panorama espositivo contemporaneo che hanno scandito gli ultimi quattro decenni: dagli ultimi esiti di Nuova figurazione dei primi anni Settanta alle giovanissime esperienze che operano nella sfera del digitale, passando per le interferenze e le aperture transavanguardiste, per il citazionismo, per la nuova astrazione italiana, intercettando la fotografia come linguaggio non appartato da pratiche immaginifiche. Questi artisti hanno creato delle opere che toccano il cammino artistico di Andrea Pazienza inseguendo sensibilità differenti.
Un progetto artistico audace che sicuramente donerà al pubblico delle perle artistiche ma che potrà anche deludere molti soprattutto coloro che guarderanno la mostra pensando all’ Andrea Pazienza artista e non all’ Andrea Pazienza seminatore di idee. Un proverbio molto noto recita “scherza coi fanti ma lascia stare i santi” ed Andrea Pazienza ad oggi è un’icona artistica che raccoglie proseliti in ogni dove. Ad Andrea Pazienza è mancata l’acclamazione di “Santo Subito”, che si è tramutata in una venerazione lenta e solidificata tra la nuova generazione di artisti e di appassionati che si è cementificata dal basso, nei social forum, nei ghetti urbani ed esistenziali, grazie al tam tam delle fumetterie e del web, fino alla consacrazione febbrile di questi anni. Ne è un esempio il Comicon 2009 di Napoli che vive quest’anno con lo spettro di Paz sul collo, dopo la fortunatissima edizione 2008 a lui dedicata. In fila a Castel Sant’Elmo per entrare alla mostra napoletana, si parlava di Andrea Pazienza come se si stesse parlando di un amico che da tanto tempo non si vede più ma che ci scrive spesso. Molti ragazzi che oggi lo amano sono nati dopo la sua morte, sono figli degli anni Novanta, non hanno vissuto gli anni Settanta e Ottanta, anni della lettura semiseria e disincantata degli eventi politici e sociali che Paz metteva in atto attraverso i propri lavori. Entrare al Comicon e trovare opere di fumettisti che ammiccano a Paz con tributi discutibili fa pensare che se ne poteva fare decisamente a meno. Si spera che il “ripensare” ad Andrea Pazienza proposto della mostra Sanseverese ci dia un “allure” di Paz e non degli omaggi non graditi.
Un grande omaggio ad Andrea sarebbe stato intitolargli il Mat di San Severo ma così non è stato. A Foggia oggi verrà inaugurata alle 18,30 dal Sindaco Orazio Ciliberti e dall´Assessore alla Cultura Giovanni Cipriani la “CIVICA PINACOTECA del 900 di Foggia” all’ex mercato “Ferrante Aporti” in via Marchese De Rosa. Tra gli esponenti del Novecento artistico di Capitanata più famosi in Italia e all’estero c’è sicuramente Andrea Pazienza, possiamo sperare in un’intitolazione? Le nuove generazioni ringrazierebbero sicuramente.

PHILIPPE DAVERIO

2009-05-16T14:02:00.000-07:00

ARTICOLO PUBBLICATO DAL QUOTIDIANO L'ATTACCO DI SABATO 16 MAGGIO 2009
Philippe Daverio è nato il 17 ottobre 1949 a Mulhouse, in Alsazia da padre italiano e madre alsaziana. Dal 1961 al 1967 ha frequentato il Liceo scientifico francese. Tornato in Italia per gli studi universitari, ha frequentato i corsi di laurea in Economia e Commercio presso l'Università Bocconi di Milano. Nel capoluogo lombardo ha avuto inizio la sua attività di mercante d'arte. Quattro le gallerie d'arte moderna da lui inaugurate: due a Milano, le altre a New York Specializzato in arte italiana del XX secolo (futurismo, metafisica, novecento, scuola romana), ha dedicato i suoi studi al rilancio internazionale del Novecento.
Come gallerista ed editore - nell'81 ha inaugurato una casa editrice e nell'84 una libreria, sempre a Milano - ha pubblicato una cinquantina di titoli vari (Catalogo ragionato dell'opera di Giorgio de Chirico fra il 1924 e il 1929, Catalogo generale e ragionato dell'opera di Gino Severini, Fillia e le avanguardie fra le due guerre, ecc.).
Opinionista per Panorama, Liberal e Vogue, consulente per la casa editrice Skira, Philippe Daverio si è sempre definito uno storico dell'arte. Così infatti lo ha scoperto il pubblico televisivo: nel 1999 come inviato speciale della trasmissione di Ratre "Art'è" e nel 2000 come conduttore del programma "Art.tu", sempre per Raitre.
Assessore a Milano dal 1993 al 1997 nella giunta Formentini, con le deleghe alla Cultura, al Tempo libero, all'Educazione e alle Relazioni internazionali, si è occupato del rilancio di Palazzo Reale a Milano, del suo restauro e del riposizionamento del sistema museale nell'insieme del patrimonio civico.
Ha promosso e seguito alcuni lavori pubblici significativi (completamentodel Piccolo Teatro, del Teatro dell'Arte in Triennale, progetto Ansaldo, progetto Palazzo Reale, Teatro della Bicocca degli Arcimboldi). Il raffinato gusto estetico di Daverio si palesa, a parte che per la scelta della ammirevole professione, nei suoi capi d'abbigliamento. In lui il Colore è sempre garantito, così come gli accostamenti squisiti, sebbene con tinte molto forti; tinte che richiamano l'arte d'inizio Novecento: i forti contrasti degli espressionisti astratti di Kandinskij, dei futuristi di Balla e Boccioni.
Dalla forma semplice ed eccentrica della montatura degli occhiali, l'occhio passa ad ammirare i suoi splendidi papillon, e le raffinate camicie colorate dai candidi colletti staccabili: osservandole è evidente che Daverio non ama seguire la moda attuale. Nel 2005 ha curato la mostra itinerante 13x17.
Attualmente conduce la trasmissione Passepartout su Raitre ed collabora inoltre ad una rubrica sull'arte nel mensile del Corriere della Sera, Style Magazine.
Si occupa di strategia ed organizzazione nei sistemi culturali pubblici e privati, e svolge attività di docente: è incaricato di un corso di Storia dell’arte presso lo IULM di Milano, e di corsi di Storia del design presso il Politecnico di Milano.
Dal 2006 è Professore Ordinario di “Sociologia dei processi artistici” preso l’Università di Palermo, facoltà di Architettura – dipartimento Design. Da marzo 2008 è il nuovo direttore della prestigiosa rivista d’arte Art e Dossier, della casa editrice fiorentina Giunti.

TRE GRANDI PENSATORI PER IL FESTIVAL DELLE IDEE.DI FOGGIA

2009-05-16T13:58:00.000-07:00

ARTICOLO PUBBLICATO DAL QUOTIDIANO L'ATTACCO DI SABATO 16 MAGGIO 2009

Si è svolta mercoledì 13 maggio presso la Sala Rosa del Vento della fondazione
BdM "D.Siniscalco Ceci" in via Arpi 152 a Foggia, la conferenza stampa di presentazione di COLLOQUIA - Festival delle idee, promosso e organizzato dalla Fondazione BdM e dalla Biblioteca Magna Capitana della Provincia di Foggia, che si terrà a Foggia oggi e domani presso l´Auditorium della Biblioteca Provinciale. Durante la Conferenza hanno presentato il programma: Billa Consiglio, vicepresidente della Provincia di Foggia e assessore alla Cultura, Francesco Andretta, presidente Fondazione BdM "D.Siniscalco Ceci" e Franco Mercurio, presidente Comitato Scientifico COLLOQUIA-Festival delle idee. Il tema della prima edizione è ORDINE-DISORDINE-EQUILIBRIO e prevederà l’intervento di relatori come il teologo Gianni Gennari, il matematico Piergiorgio Odifreddi e il critico d’arte Philippe Daverio. Gli incontri che saranno introdotti da Enrico Ciccarelli, partono questa mattina alle ore 10,00 con l’intervento del teologo Gianni Gennari che interverrà sul tema: "Dall'ordine delle certezze assolute del monoteismo al disordine sincretico; esistono possibili vie di sintesi e di incontro per un nuovo equilibrio?" tema attualissimo che apre al tema della globalizzazione che ha portato ad un incontro/scontro fra diverse concezioni religiose, tutte rigorosamente monoteistiche. Gennari nasce a Roma e studia filosofia, teologia e lettere antiche a Roma e a Parigi. Prete in ministero (1965- 1984), poi felicemente sposato con “dispensa” di Giovanni Paolo II, per la mediazione del card. Joseph Ratzinger, insegna lettere latine e greche e storia della filosofia nei licei, scrive per Giovanni Minoli i testi dei 350 “Faccia a faccia” di “Mixer”. Dal ’90 al ’94 al Tg3 Cultura, dal ’98 al 2007 vaticanista al Gr Rai. Del 2009 è il suo libro “Pregandoci su. Gocce dal Vangelo di Giovanni.” Consultabile alla Magna Captana.
Alle ore 18,00 presso l’Auditorium della Biblioteca Provinciale il prof. Philippe Daverio interverrà su: "Cultura versus natura. Dare ordine al disordine naturale, dare forma all'informe con i mezzi delle arti visive. Nel tentativo di definire un punto di equilibrio".
Domani,invece, alle ore 10,00 interverrà su il prof. Piergiorgio Odifreddi su: "La casualità e l'ordine neinumeri e nella sfera etico-filosofica. I monoteismi affermano la centralità dell'ordine, affidata ad un'entità esterna e superiore all'uomo e all'universo stesso. Per chi nega la presenza di entità superiori questo ordine universale è irrazionale. È dunque possibile un ordine universale
irrazionale e una casualità universale razionale? Come possiamo porci di fronte al rapporto tra ordine e disordine e razionalità e irrazionalità?".
Piergiorgio Odifreddi è nato a Cuneo nel 1950. Ha studiato Matematica in Italia, negli Stati Uniti e in Unione Sovietica. Iinsegna Logica presso l’Università di Torino e la Cornell University, Ithaca-USA. Il suo lavoro scientifico riguarda la logica matematica, e più in particolare la teoria della calcolabilità, che studi a potenzialità e limitazioni dei calcolatori.
Il suo lavoro divulgativo esplora le connessioni fra la matematica e le scienze umane, dalla letteratura alla pittura, dalla musica agli scacchi. Collaboratore di Repubblica, L’Espresso.
Dirige la collana di divulgazione scientifica La Lente di Galileo della casa editrice Longanesi.
Ha vinto nel 1998 il Premio Galileo dell’Unione Matematica Italiana, nel 2002 il Premio Peano della Mathesis e nel 2006 il Premio Italgas per la divulgazione.
Presso la Biblioteca Provinciale “La Magna Capitana” sono consultabili,tra gli altri, anche i testi del 2009 di Odifreddi come “Il club dei matematici solitari”, edito da Mondatori e “In principio era Darwin”, edito da Longanesi. A conclusione della relazione di domenica 17 maggio Odifreddi e Gennari hanno accettato di incontrarsi per ragionare sulle loro opinioni, spesso divergenti, in una tavola rotonda moderata da Enrico Ciccarelli.

GIANGRANDE/TEOFILO AL MUSEO PINO PASCALI DI POLIGNANO A MARE

2009-05-09T14:56:00.000-07:00

ARTICOLO PUBBLICATO DAL QUOTIDIANO L'ATTACCO DI SABATO 9 MAGGIO 2009

LA BARCA-CUCCHIAIO DI TEOFILO
Si inaugurano questa sera alle ore 19.00 presso il Museo Pino Pascali di Polignano a Mare (Bari) due mostre personali di Michele Giangrande e Giuseppe Teofilo.
Le mostre sono curate da Rosalba Branà con testi in catalogo di Carlo Berardi e Angelo Delli Santi.
Il Museo Pino Pascali ospita due artisti pugliesi che seppur giovani rappresentano una solida realtà nel mondo dell’arte contemporanea italiana.
Michele Giangrande ( Bari-1979) e Giuseppe Teofilo ( Polignano a Mare 1981) realizzano ready made e installazioni che attingono dal patrimonio materico del mondo reale senza però rappresentare nulla che può definirsi certo.
I due artisti usano degli oggetti del nostro quotidiano per costruire altri oggetti che non hanno un fine d’uso ma un mero scopo evocativo.
Teofilo propone un’opera costituita da una ringhiera in ferro tipica dei balconcini dei palazzetti tardo liberty del sud Italia che diviene una gabbia ideale per infilarci i propri pensieri che fugacemente possono vagare e fuoriuscire da essa.
Le opere di Teofilo possono essere definite dei lavori in transito, costituite da oggetti
morfologicamente bivalenti sia per funzionalità che per forma. Molto suggestiva la barca-cucchiaio che accoglie due funzionalità simili di due oggetti ad un primo sguardo diversissimi per forma.
L’elemento che accomuna, invece, i due oggetti è la conca della barca e del cucchiaino. Anche la funzione d’uso è, per Teofilo, simile, in quanto sia la barca, sia il cucchiaino servono per raccogliere del cibo. Quelle di Teofilo sono teorie poetiche e sagaci che accompagnano e plasmano il senso estetico delle opere. L’artista con elegante ironia conduce lo spettatore in un viaggio onirico fatto di apparente non-sense. Le opere sembrano il prodotto finito di un happening artistico svoltosi tra migliaia di persone, invece, sono la risultante della mente di un solo individuo, Teofilo.

(MATRIOSKA-DI GIANGRANDE)
Giangrande, noto per l’imponente installazione “Un uovo mondo” del 2006 per l’Aereoporto di Bari-Palese che presentava un planisfero realizzato con 8050 uova e relativi imballi di cartone, mette in discussione il concetto di “fragilita’”: candele, un nido fatto di capelli, uno zerbino calpestato, un tappeto tessuto con metri da sarto. Sono tutti oggetti la cui produzione implica, nello stesso momento, la distruzione. Le candele si scioglieranno, lo zerbino si sporcherà tutto porterà ad una fine lenta ed inesorabile.
Nelle istallazioni Giangrande dimostra di essere molto arguto lavorando su temi sociali e quotidiani dal retrogusto amaro.
Gli oggetti usati dall’artista barese sono pretesti iconografici di chiaro effetto mediatico, usati perché avranno un potere estetico forte e coinvolgente. Una serie di cerotti su un viso di un uomo deturpano quel viso, di contro, agire con dei cerotti su un cavalluccio a dondolo significa donare rigore estetico e bellezza ad un oggetto. Quello di enfatizzare il potere estetico di un arnese attraverso la serialità è un processo ben noto fin dal tempo della nascita della Pop Art, ma con Giangrande si cambia registro, il riferimento al Pop c’è e l’artista lo manifesta attraverso un tributo ossessivo. Giangrande, tra i protagonisti della nuova generazione di artisti italiani, si staglia come un grande produttore di cult-works, opere che diventano icone di un tempo ancor prima dell’occhio giudice del pubblico. Il pubblico potrà interpretare e giudicare l’opera ma non potrà demonizzarla perché ovattata nell’Olimpo dell’opera-icona.
Rosalba Branà curatrice delle personali ritiene che “per Giangrande e Teofilo le due personali al Museo Pino Pascali rappresentino un’importante opportunità; giovani ma già pienamente inseriti in qualificati circuiti dell’arte”.
La mostra, che è stata promossa con un battage pubblicitario considerevole, sarà visitabile fino al 28 giugno, dal mercoledì al sabato 18,30-21,30 /dom.11-13 /18,30-21,30. È possibile richiedere visite guidate telefonando negli orari di visita ai numeri 080.4249239-080.4249534 o visitando il sito www.palazzopinopascali.it .

Il Museo Pino Pascali di Polignano a Mare: 21 anni e non sentirli

2009-05-09T14:48:00.000-07:00

ARTICOLO PUBBLICATO DAL QUOTIDIANO L'ATTACCO DI SABATO 9 MAGGIO 2009

Il Museo comunale d'arte contemporanea di Polignano a Mare “Palazzo Pino Pascali” sede delle mostre di Giangrande/Teofilo, che si inaugurano oggi, ha un storia molto recente eppure rappresenta uno tra i musei più apprezzati e di rilievo del sud Italia.
Il Museo è di proprietà comunale e si avvale di finanziamenti pubblici: Regione Puglia, Comune di Polignano, Provincia di Bari.La Direzione artistica del Museo è stata affidata all’Associazione culturale Zelig nella persona del presidente, prof.ssa Rosalba Branà.
Il Museo nato nel 1988, si inaugurò con una grande mostra antologica di Pino Pascali, a cura di Achille Bonito Oliva e Pietro Marino, in occasione del trentennale della sua scomparsa, 1968. (Pino Pascali è nato a Polignano nel 1935 edè qui sepolto).
Palazzo Pino Pascali divide la sua attività in tre parti: Le mostre temporanee, La collezione permanente, Il Premio Pino Pascali.
Presso il Museo è, inoltre, visionabile e consultabile, per i ricercatori e gli studiosi dell’artista, l’Archivio Pascali, formato da tutto il materiale documentativo, lascito della famiglia Pascali: scenografie teatrali e televisive, l'archivio bio-bibliografico, tesi di studio, manifesti, libri, recensioni, rassegna stampa, fotografie, filmografia originale, cimeli.
Polignano a Mare conta soli 16.000 abitanti è un paesino costiero tra Bari e Brindisi che vive di pesca e turismo, eppure vanta l’unico museo d’arte contemporanea stabile in Puglia. Dall’esperienza polignanese ci sarebbe da imparare molto una città che è partita dal proprio background per aprirsi al mondo. Il Museo è dedicato a Pino Pascali artista polignanese morto nel 1968 a soli 33 anni, artista che studia Pollock, Gorky, De Kooning i padri dell’espressionismo astratto americano. L’energia vitale, il ritmo caotico e privo di forma ragionata attraggono il giovane studente, specie il dripping di Pollock segna una linea di confine netto con la figurazione, che però Pascali non abbandonerà mai.
Affascinato dall’uso di materiali inconsueti come il bitume, le latte, il cuoio, il metallo, sperimenta le mescolanze del petrolio e polveri varie, dipingendo su lastre di lamiera di zinco, legno, metallo. Sarà protagonista di un corto di Luca Maria Patella del 1968 dal titolo SKMP2 ( queste lettere sono le iniziali dei cognomi di: Sargentini, Kunellis, Mattiacci, Pascali, Patella).
Un Museo che ad oggi ha ospitato mostre di artisti del calibro di Jan Fabre, Shirin Neshat, dell’illustratore Emaunele Luzzati con il suo “Pulcinella e il mare”.
In provincia di Foggia non esiste nulla di tutto ciò, l’idea di un museo che ospiti una collezione stabile di opere di Andrea Pazienza rimane ad oggi inascoltata e nessun progetto è stato sottoposto all’attenzione di commissioni attuatrici.
Sperando che in Capitanata la situazione cambi in positivo e non si resti immobili ad osservare treni passare chissà per quale altra destinazione non possiamo che complimentarci con Rosalba Branà e l’intero staff del Museo Pino Pascali per la ventennale attività svolta per l’arte contemporanea internazionale.

GIUSY QUARENGHI A FOGGIA: “CONCEDIAMO AI BAMBINI UN SANO MOMENTO DI NOIA”

2009-05-05T01:17:00.000-07:00

ARTICOLO PUBBLICATO DAL QUOTIDIANO L'ATTACCO DI DOMENICA 3 MAGGIO 2009
Si è tenuto giovedi scorso presso la Scuola Primaria San Giovanni Bosco di Foggia l’incontro con la scrittrice Giusy Quarenghi, autrice di numerose raccolte di poesie e di testi narrativi per bambini e ragazzi. L’incontro nasce nell’ambito dei progetti europei Pon “La lingua in gioco” e “La Costituzione e i diritti dei bambini” pensati per gli alunni delle classi quarta e quinta di cui la Scuola San Giovanni Bosco è promotrice.
Giusy Quarenghi cresciuta in un piccolo paese di montagna del Bergamasco, dove tuttora vive, dopo la laurea ha iniziato ad occuparsi di cinema, cartoni animati, fumetti, pubblicità e televisione scrivendo molti libri per bambini e ragazzi.
Il suo esordio letterario risale al 1982 con “Ahi, che male”, per le Edizioni EL; sono seguiti “Le memorie di un bibliotecario insonne”, edito dalla Editrice Bibliografica (1988), “Il librocasa”, “Il librorazzo”, “Il cannocchiale”, pubblicate dalla Casa editrice La Coccinella (1989), “La camera oscura”, “Il libro albero”, “Il libro torre” e il “Segnalibro ... o bibliosogno?” (1990), sempre da La Coccinella.
Nel 1992 Quarenghi inizia a pubblicare per la casa editrice Franco Cosimo Panini Editore: “Anch'io ho un cane” (1992). Per la collana della Giunti "Under 14" pubblica nel 1995 “Strega come me”. Un grande successo lo ottiene con “Un corpo di donna”, pubblicato da "Gaia Junior" Mondadori nel 1997 che affronta, uno tra i primi romanzi su questo argomento pubblicati in Italia, il tema dell'anoressia.
Nel 2006 arriva il Premio Andersen di Sestri Levante come miglior scrittrice, nel 2007 giunge il Premio Diomedea, istituito dalla Biblioteca “La Magna Capitana” di Foggia che ha premiato il libro “Io sono, tu sei”. Nel 2008 per la casa editrice Topipittori esce il libro “Crepapanza”.
In occasione dell’incontro foggiano ho posto a Giusy Quarenghi alcune domande.
D: “Un libro rappresenta una risorsa positiva per il bambino?”
R:“Certamente, il libro rappresenta una -prevenzione primaria- nei confronti di qualsiasi cosa, il libro fà bene comunque. Raccontare storie ad un bambino significa permettersi di trovare del tempo dedicato per sé e per chi ascolta la storia. Un momento vissuto che contiene un optional di tutto rispetto rappresentato dal libro.
Il momento della narrazione è un tempo positivo, lo definirei un tempo salvo che fa bene alle relazioni, un tempo che giova sia all’adulto che racconta, sia al bambino che ascolta, infatti il bimbo ne guadagna in autonomia.
Il bambino, leggendo ed ascoltando accresce le proprie capacità cognitive, ma è leggendo che si attiva un processo duplice. La lettura cresce grazie a se stessa, la lettura accresce le competenze di lettura.”
D: “Che rapporto hai con l’immagine?Che valore dai nei tuoi libri alle illustrazioni?”
R:“Ho inziato la mia carriera con il cinema d’animazione, sono molto legata alle immagini, intrecciare il registro verbale e iconico è per me importantissimo. Le parole e le immagini insieme dicono di più. Non realizzo le immagini per i miei testi, infatti, mi affido a delle illustratrici come Chiara Carrer e Simona Mulazzani. È davvero un lavoro a quattro mani quello con le illustratrici e sono convinta che l’illustrazione sia poesia dello sguardo. Io non disegno immagini, ma parlo ad immagini.
Le immagini e le parole sono per me come due ali colorate di farfalla che al loro movimento creano un colore unico, irripetibile. Per le immagini come nella scrittura sono un’attenta cultrice del vuoto, nel disegno illustrare non significa riempire tutto lo spazio disponibile, così come scrivere non significa inondare pagine. Quando racconto cerco di farlo con il minor numero possibile di parole, un po’ come fanno i bimbi di due anni che con un lessico ridotto riescono a farsi comprendere creativamente.”
D: “Cosa pensi della Televisione?”
R:“Non voglio demonizzarla come molti fanno, ma non ho un giudizio positivo sulla TV d’altronde come potrei averlo fino ai 9 anni non sapevo cosa fosse. In casa mia arrivò tardi e sono cresciuta lo stesso. Non capisco perché si cerca di donare alla tv un valore educativo essa rappresenta un elettrodomestico che oscilla tra sovrabbondanza e omissione. In tv c’è narrazione ma questa non è mai personalizzata, con il libro, invece, il regista del senso del narrare è il bambino e la velocità delle immagini scorre in base al suo ritmo di lettura, in tv le immagini scorrono in base a tempi pubblicitari. Il bambino dovrebbe mettere al mondo se stesso e non l’immaginario dei grandi.
La tv è oggi un rumore di fondo per i bimbi, un antidoto alla noia. I genitori pensano che il figlio annoiato sia un figlio perdente.
Ritengo che ai bimbi bisogna concedere un sano momento di noia. La noia è generativa, dopo due, tre giorni di noia il bimbo (come l’adulto) si inventerà qualcosa e produrrà sicuramente una storia o un gioco.”

LUIGI LOSMILZO SU RIVISTA GIUDITTA CON UNA RECENSIONE DI GERARDO DI FEO

2009-05-03T01:19:00.000-07:00

A SINISTRA NELLA SEZIONE CLICCANDO TROVERETE IL LINK

NEW TOWN: EUTANASIA AQUILANA

2009-04-25T02:14:00.000-07:00

ARTICOLO PUBBLICATO DAL QUOTIDIANO L'ATTACCO DI SABATO 25 APRILE 2009
06 Aprile 2009 ore 3.32 un terremoto del IX grado della scala Mercalli scuote la città dell’Aquila, causando 300 morti, danni incalcolabili al patrimonio architettonico e quarantanove comuni coinvolti anche nelle province di Pescara e Teramo.
Nel 2002 due scosse di terremoto del VII- VIII grado della scala Mercalli sconvolsero le province di Campobasso e Foggia con il rovinoso crollo della scuola primaria “Jovine” di San Giuliano di Puglia dove morirono 27 bambini e l’eroica maestra che riuscì a salvare una classe intera ma la propria vita no.
La prassi politica, infarcita di stratagemmi mediatici di grande effetto,è stata la stessa di sempre (il governo è d'altronde il medesimo di allora): passerelle politiche, casi umani sbattuti in prima pagina, lacrime a fiumi, l’Italia dal grande cuore che fa beneficenza via sms mentre guarda la tv e soprattutto la chimera delle ricostruzioni lampo.
Con il terremoto dell’Aquila si è però raschiato il fondo del barile, per la serie non c’è limite al peggio, infatti, a sole 18 ore dal sisma con i corpi ancora sotto le macerie sulla tv di Stato il Premier annunciava la costruzione di una New Town “un po’ più giù dell’Aquila” nel giro di 24-28 mesi.
Un annuncio che non ha infuso speranza ma ha creato molta destabilizzazione perfino nell’affranto Vespa reduce da un reportage melodrammatico nella sua ferita città natale . Il pensiero di molti è andato ai terremotati dell’Irpinia che vivono ancor’ oggi nelle case di legno dopo ben 29 anni dal sisma o agli abitanti dei monti Dauni e Frentani che vivono tutt’ora nelle case puntellate. La ricostruzione lampo ha riguardato soltanto la scuola Jovine ricostruita dopo “soli”quattro anni dal sisma. Tutto ciò non può che “rincuorare” gli Abruzzesi e tutti noi sull’evolversi della situazione.
Dalle tendopoli abruzzesi gli sfollati hanno espresso fin da subito la volontà di ritornare nella propria città rimessa in sesto secondo le leggi anti-sismiche ma pur sempre la propria città.
Una costante dei terremoti, ovunque essi avvengano, è la fermezza dei senza tetto di non voler abbandonare il tessuto urbano martoriato ma di voler continuare a viverci a ricostruzione avvenuta. Di questa volontà degli sfollati si è parlato in modo fugace quasi si trattasse di un tabù che avrebbe potuto minare la campagna pubblicitaria a favore della “new town”. Questo non è l’unico tabù del grande sisma abruzzese, infatti, non si è assolutamente parlato del patrimonio storico artistico marsicano. I media italiani non hanno informato gli italiani sui danni alle chiese, ai castelli ai teatri come se l’argomento non fosse di pubblico interesse, limitandosi a dare notizie sui crolli di campanili o cupole senza sottolineare la perdita in termini di valore culturale.

Qualcuno ha provato a parlare dei danni al patrimonio artistico ma è stato tacciato di insensibilità, in quanto al cospetto dei 300 morti una cupola o un abside che crolla è cosa da niente. Non la pensano così TVFrance24, la spagnola TVE, la BBC e la CNN ed anche Al Jazeera che hanno dedicato reportage sulle chiese di San Bernardino da Siena, Santa Maria di Collemaggio e Santa Maria di Paganica danneggiate gravemente dal sisma. Tributi filmati ben fatti nei confronti di una città dalle mille contraddizioni a metà tra borgo montanaro e capoluogo di regione urban fashion. Una città con una storia lunga quasi mille anni che vide i natali grazie ai pastori della Marsica che tracciarono con i propri ovini vie di comunicazione sempre più articolate. Una città che non sentì l’isolamento dei suoi 600 metri d’altitudine grazie al crocevia della via della lana e dello zafferano. Una città che in arte come nei commerci si avvalse di rapporti proficui con Roma, Firenze, Napoli, Perugia e con la Puglia grazie al tratturo L’Aquila-Foggia attraverso il quale i pastori portavano a svernare le proprie greggi nel Tavoliere.
Già nel Duecento i magister e protomagister federiciani arrivarono nelle valli peligne e marsicane per realizzare gioielli scultorei sperimentati nei siti di Santa Maria in Pantano a Foggia e a Castel del Monte.
L’esempio più luminoso di questo peregrinare di maestranze pugliesi si trova proprio a L’Aquila dove si erge la famosissima “Fontana delle 99 cannelle”. La fontana è stata realizzata nel 1272 da un’equipe internazionale di maestri lapicidi che hanno lavorato sviluppando la cultura sveva di accezione pugliese di Bartolomeo da Foggia che produceva mascheroni per pulpiti, bestiari e cornicioni sia per edifici sacri pugliesi, sia per residenze di caccia di Federico II. L’autore della fontana, unica nel suo genere, Tancredi da Pentima si rifà al foggiano Bartolomeo e a Nicola Pisano de Apulia.
La fontana non ha subito danni pur essendo addossata ad un costone roccioso a dimostrazione che le old costruction in pietra reggono in modo migliore rispetto alle new costruction in cemento depotenziato. La fontana conta 99 mascheroni simili in tutto e per tutto ai mostriciattoli del bestiario medievale della cattedrale di Foggia o alle teste virili di matrice federiciana di Barletta e di Castel del Monte.
Un esempio questo della ricchezza artistica della città de L’Aquila che vanta anche nel Rinascimento soggiorni e produzioni di opere pittoriche illustri, come quelle di Raffaello Sanzio, Pompeo Cesura, Andrea Del Castagno, Cola Dell’Amatrice e Gentile da Fabriano.
Una città dal centro storico porticato tra i più belli di Italia che decine di terremoti hanno lesionato ma che sempre è stato ricostruito e proprio quelle sovrapposizioni di stili lo rendono un gioiello raro.
È più che lecito quindi, chiedersi perché da giorni si prospetta la costruzione di una New Town, che diventerà fra cent’anni un clone urbano pieno di negozietti di souvenir della Old Town (L’Aquila), una reliquia da venerare ricca di leggende sul mitico “presidente palazzinaro” che ha ricostruito la tecnologica “new town” salvando il popolo abruzzese vestendo i terremotati (più di trentamila) con tailleur (due) e comprando dentiere (una).
Sul tema New Town dovrebbero far riflettere le esperienze delle popolazioni del massiccio del Gennargentu in Sardegna che videro i propri paesini perire sotto le frane negli anni Sessanta. Questi paesi non furono ricostruiti per far spazio a valle a nuove città senza identità che hanno accorpato più comunità montane. Il risultato attuale è quello di città ibride con abitanti che si considerano stranieri a 15 km dalle proprie vecchie abitazioni che possono guardare ogni mattina alzando gli occhi verso la montagna. Ne sono esempio i comuni di Cardedu, Bari Sardo, Tortolì in provincia d Nuoro.
In una situazione come quella aquilana dove a perire sotto le scosse del terremoto è stata una città di 80.000 abitanti, sarebbe più sensato convocare un equipe formata da intellettuali, architetti, geologi, sociologi e storici dell’arte che accompagnati da delegazioni di cittadini potrebbero realizzare un piano di ricostruzione condiviso al fine di riedificare una città che non sia un falso urbano senza memoria storica ma una realtà cittadina che porti addosso i segni del terremoto e quelli della rinascita. Un traguardo possibile solo se i politicanti accantoneranno le pretese machiste sulla ricostruzione in nome di una rinascita urbana fondata sulla partecipazione di intenti.

IL MARE A FOGGIA UN’INSTALLAZIONE ARTISTICA DEDICATA A TUTTI GLI ACCHIAPPANUVOLE

2009-04-20T00:48:00.001-07:00

ARTICOLO PUBBLICATO DAL QUOTIDIANO L'ATTACCO DI SABATO 18 APRILE 2009

È stata inaugurata ieri sera alle ore 18,00 all’interno dell’XI Settimana della Cultura, l’installazione che il Comune di Foggia -Assessorato alla Cultura-, gli artisti di Spazio 55 -arte contemporanea- (MICHELE CARMELLINO, ANTONIO DI MICHELE, NICOLA LIBERATORE, NELL I MAFFIA, MATTEO MANDUZIO, GUIDO PENSATO, ENZO RUGGIERO) con DANIELA TZVETKOVA e gli amici artisti, hanno realizzato presso l’Auditorium di Santa Chiara, in Via Arpi a Foggia. l’installazione dal titolo “Il mare a Foggia: metafora di un sogno im/possibile”.
L’installazione intende riallacciarsi metaforicamente ad una idea lontana nel tempo e di difficile realizzazione proposta nel secondo dopoguerra dal conte Franchini: creare un canale navigabile tra la costa adriatica e il territorio di Foggia in modo da collegare la città direttamente al mare. L’idea di portare il mare a Foggia è rimasta nella memoria collettiva della città come metafora dei sogni possibili ma irrealizzabili, delle aspettative genuine ma senza fondamento realistico, delle aspirazioni dei terricoli agli spazi infiniti del mare. Sogno di un mondo nuovo, visibile all’orizzonte ma difficilmente raggiungibile se non attraverso una navigazione difficile e rischiosa, fatta di aneliti e di delusioni. Finalmente, nel 2009, il sogno di Franchini diventa realtà: il mare inonderà la chiesa di Santa Chiara, microcosmo, con la sua pianta ellittica e la sua cupola, del cosmo. E il sogno, almeno per alcuni giorni, diverrà possibile. Artisticamente.
Gaetano Cristino in merito all’installazione che ha inondato l’Auditorium ha parlato di mare di plastica, infatti, il mare creato dagli artisti a Foggia risulta essere un gigantesco puzzle multicolore di buste di plastica cucito dagli artisti che ha invaso la platea. Cristino ritiene che “al di là degli aspetti strettamente “reali” e progettuali che la domanda-promessa poteva avere, come il collegamento più veloce e diretto con il mare, magari legato a vie fluviali, a navigli, al torrente Celone, come si sostiene usassero gli Arpani, essa aveva forse il senso della provocazione, stimolava ad avere sogni da realizzare”
Guido Pensato ha proposto due poesie “Allegro ma non troppo” di cui vale la pena citare alcuni passi “Il mare a Foggia
non lo vogliamo perché lo amiamo e lo desideriamo e ci piace mi piace così perché il mare ha da essere mare: lontano” e “Adagio pensoso” che recita nella prima parte “Eppure il mare sarebbe utile in tempi di vedute ristrette per guardare e andare lontano a ore sette al di là della selva oscura e oscena dei palazzoni malabitati e maledificati che dall’ultimo e decente orizzonte di mari e monti”.
Sul tema è intervenuto anche Francesco Picca definendo il mare un luogo comune, comune perché è di tutti, senza confini. Dal mare vengono i santi e i pirati, icone e veleni, merci e clandestini. I sacchetti di plastica dell’installazione vengono visti da Picca come “una grande isola, concentrato dei nostri scarti e delle nostre illusioni di ricchezza, di un pasto e di consumo senza limiti.”
L’installazione sarà visitabile dal martedì alla domenica dalle ore 9,00 alle 13,00 e dal martedì al sabato dalle ore 16,00 alle ore 20,00 il 25 aprile e il 1° maggio dalle ore 9,00-13,00.

AL VIA LA 3ª EDIZIONE DELLA RASSEGNA INTERNAZIONALE TRACARTE DAL TITOLO "QUASI PER GIOCO"

2009-04-20T00:40:00.000-07:00

ARTICOLO PUBBLICATO DAL QUOTIDIANO L'ATTACCO DI SABATO 18 APRILE 2009
Parte stasera l’XI edizione della Settimana della Cultura a Foggia che prevederà fino al 26 aprile un ricco ventaglio di appuntamenti comprendenti concerti, manifestazioni, proiezioni filmate, conferenze. Lo slogan lanciato dal Ministero dei Beni Culturali per l’edizione 2009 è "La cultura è di tutti: partecipa anche tu".
"L'iniziativa è una grande occasione per condividere il patrimonio culturale presente nel nostro territorio e per far conoscere i testimoni della nostra storia e della nostra identità: tutto ciò permette di trasmettere tali ricchezze alle generazioni future", ha spiegato Cipriani. "Questa iniziativa di rilevanza nazionale - ha proseguito l'assessore - punta a creare un percorso virtuoso, al quale il Comune di Foggia si collega organicamente organizzando una serie di eventi che non mancheranno di stimolare l'attenzione fra le forze più vive e sensibili della città".
Nel variegato cartellone di eventi ritorna una rassegna che tanto ha arricchito il panorama espositivo foggiano: TRACARTE.
La rassegna giunta alla sua terza edizione quest’anno si affida alla componente ludica come chiave di lettura. TRACARTE è un progetto internazionale che in cinque anni grazie all’estro di Vito Capone ideatore della rassegna è cresciuto costantemente fino ad occupare un posto privilegiato in Italia.
Tracarte è diventato un marchio registrato della Fondazione Banca del Monte "Domenico Siniscalco Ceci" scelto tra i vari percorsi aventi come oggetto le trame di carta e tradizione realizzatisi in questi anni, ad esempio TraMarte e TraDizione.
Anche nella terza edizione TRACARTE si propone di fare luce sulla sperimentazione e ricerca avviata da decine di artisti in tutto il mondo sulla possibilita´ espressive della carta, materia apparentemente fragile, eppure estremamente duttile. Dopo la 1ª edizione a Foggia, la 2ª edizione 2008 tra Foggia, Dresda e Wroclaw, la terza a cura di Loredana Rea, con ideazione e progetto di Vito Capone, torna stabilmente a Foggia e potrà essere visitata fino al 16 maggio, presso la Galleria della Fondazione in via Arpi, 152. L´esposizione 2009 dal titolo “Quasi per gioco” ospiterà ben 44 opere di artisti provenienti, oltre che dall´Italia, dal Giappone, dall’ Iran, dalla Colombia, passando per Germania, Danimarca, Bulgaria e Spagna. La Fondazione, anche per questa edizione, ha promosso la pubblicazione di un catalogo, stampato in italiano e in inglese, con testi critici di Loredana Rea e Francesco Picca.
Analizzando i testi critici si evince come In TraCarte 3 si affianchi al concetto di materia, che
sperimenta se stessa attraverso l´opera dell´artista, anche una specifica tematica: il gioco.
Gli artisti invitati in mostra sono: Nobushige Akijama, Minou Amirsoleimani, Adriana Blaszczyk Kych, Valérie Buess, Vito Capone, Francesca Castaldi, Luciana Costa Gianello, Teo De Palma, Augusto de Stasio, Antonio Di Michele, Krystyna Dyrda-Kortyka, Vittorio Fava, Simonetta Ferrante, Delio Gennai, Stefano Giovannone, Franco Giuli, Salvatore Giunta, Paolo Gobbi, Francesco Granito, Guntel Hädeler, Trude Kränzl, Beppe La Bianca, Miriam Ladono, Bara Lehmann-Schulz, Matteo Manduzio, Sandra Marconato, Rosalba Maritatonna Tana, Anna Massinissa Magini, Maren Marie Mathiesen, Anna Moro-Lin, Guido Pecci, Guido Pensato, Teresa Pollidori, Lydia Predominato, Fernando Rea, Pilar Roca, Claudio Schiavoni, Joanna Stokowska, Pradunna Tana, Mimmo Totano, Franco Troiani, Daliela Tzvetkova, Franco Zingaretti.
La curatrice Loredana Rea sottolinea come leit motiv che caratterizza inconfondibilmente la terza edizione di Tracarte possa essere incarnato dall’energia contagiosa e spesso destabilizzante che si insinua in ognuno, quando l’attenzione è catturata dalla realtà del gioco, innescando un meccanismo in cui levità e inquietudine si mescolano l’una all’altra per oltrepassare i limiti di sé.
Una mostra che incarna a pieno il pensiero di Friedrich Schiller: L’uomo è completamente uomo soltanto quando gioca. La mostra potrà essere visitata dal lunedì al sabato 9.00-13.00, 17.00-20.00, domenica 10.00-13.00.

DA SAN SEVERO A LECCE 300 KM A SPASSO PER LA PUGLIA

2009-04-12T14:09:00.000-07:00

ARTICOLO PUBBLICATO DAL QUOTIDIANO L'ATTACCO DI SABATO 11 APRILE 2009
Siamo arrivati al week end di Pasqua e come consuetudine in coincidenza delle festività primaverili si parte per piccole gite più o meno organizzate. Se il Bosco dell’Incoronata vi sta stretto potete scegliere di trascorrere le feste in giro per la Puglia visitando mostre di arte contemporanea.
Va sottolineato come quest’anno manchi l’evento di risonanza nazionale, quello tanto celebrato e pubblicizzato, ma numerosi sono gli eventi che vale la pena visitare.
In Capitanata troviamo molti eventi in corso come la rassegna artistica curata da Teo De Palma e dedicata ad Andrea Pazienza dal titolo “Fatti e personaggi ad Andrea & Co dal mondo del fumetto” al Mat di San Severo che ospita 48 opere originali: 15 tavole della storia a fumetti " Una Estate" ambientata nel Gargano, pubblicate sulla rivista Tango nel 1987, altri lavori provenienti da collezioni private.
A Manfredonia, invece, è possibile visitare presso il circolo sipontino “Il Borgo del tempo perso” in via Santa Maria Delle Grazie 24 la rassegna “StrusciArt” quando l’arte si mette a strusciare!. La mostra collettiva è intitolata alla nostra passeggiata per il Corso e per la prima volta si avvale dell’ appoggio del MaG (Magma artistico del Gargano) in collaborazione con Manfredonia.net magazine, il social network Cinemadonia e Epokstudio Produzioni cinematografiche.
Numerosi i giovani che hanno raccolto la sfida: le adesioni sono giunte numerose dalla stessa Manfredonia, dalla Capitanata, ma anche da Rimini, Bologna, Milano e Catanzaro, con opere che spaziano dalla poesia alla fotografia, dal fumetto alla pittura, dalla musica alla video-arte...
Strusciare per conoscersi e riconoscersi, per mostrare l’appartenenza al luogo natio e per rimarcare il territorio della propria identità. Lo struscio in arte è stato uno stimolo per andare oltre l’apparire, oltre il "Non ho niente da dire", contro l’indifferenza verso il nostro brulicante universo artistico giovanile, contro i modelli di comportamento imposti.
In terra di Bari, a Terlizzi, sarà possibile visitare, fino a metà maggio, presso la Galleria 'Adsum Artecontemporanea' in via Guglielmo Marconi 5, la mostra “ Numeri Primi” che propone la grafica di alcuni grandi artisti del secolo scorso e di questo appena iniziato come: Natale Addamiano, Giuseppe Ajmone, Domenico Cantatore, Giovanni Cappelli, Giancarlo Cazzaniga, Giorgio De Chirico, Renato Guttuso, Dario Manini, Giuseppe Migneco, Ennio Morlotti, Enrico Paulucci, Doriano Scazzosi, Ernesto Treccani.
Nel brindisino a Fasano, invece, si potrà prendere parte ad un evento davvero singolare MASSERIE GREEN & ART PROJECT.
Il progetto nasce dalla volontà della famiglia Muolo, proprietaria delle Masserie Torre Coccaro e Torre Maizza di coniugare due settori, nati come passioni ma portate avanti come progetto lavorativo: l’attenzione per il botanico e biologico, e quella per l’arte contemporanea come chiave di lettura per reinterpretare il territorio pugliese. Novità del progetto è la commissione non di semplici opere da collocare in spazi aperti, bensì di progetti site specific, appositamente studiati per dialogare con i colori, la luce, le pietre e la vegetazione, che rendono unico il territorio delle Masserie, sia che si tratti dello spazio tra gli ulivi, antichi anche di 700 anni, dell’agrumeto cinquecentesco o dello spazio del golf 9 buche di cui le Masserie sono dotate.
L’artista invitato è Antonio Riello di cui si ricordano le opere provocatorie come le bombe a mano tempestate di pietre preziose o il videogioco artistico “Italiani Brava Gente” che tratta il tema dello sbarco a Brindisi dei profughi albanesi nel 1991.
A Lecce, invece, si può visitare la Quinta Triennale d'Arte Sacra di Lecce" dove è presente l’artista di casa nostra Nicola Liberatore che è presente con l'opera "Veste nuova", composta da sttoffe, pigmenti e cera. L’opera è ottenuta per interazione, per stratificazione, per strappo di materiali antichi ( stoffe, merletti, cera, pigmenti) e rimanda al substrato antropologico del Gargano, dove l’artista ha trascorso la sua infanzia e parte dell’adolescenza.
Gli eventi ci sono e sono ricchi non resta altro da fare che organizzarsi e partire.

IL PALAZZO DEL SEDILE DI MODUGNO OSPITA SEI GIOVANI ARTISTI ITALIANI.

2009-04-12T13:58:00.000-07:00

ARTICOLO PUBBLICATO DAL QUOTIDIANO L'ATTACCO DI SABATO 11 APRILE 2009
Partirà sabato 18 aprile alle 18 presso il Palazzo del Sedile di Modugno (BA) la mostra collettiva a cura di Gerardo di Feo dal titolo “Io so una cosa che tu non sai”.
La mostra patrocinata dal Comune di Modugno, Associazione Pro loco Modugno, Unipli e Imparteartecontemporanea ospiterà i lavori di Flavio Romualdo Garofano, Michele Miele, Dario Molinaro, Carmelo Nicotra, Jonathan Pappolla, Raffaele Siniscalco.
Il progetto artistico nasce dalla volontà di proporre un’esperienza espositiva da cui poter trarre una lettura educativa.
La mia opera sarà portatrice di saperi che riusciranno ad educare il mondo?
Almeno una volta nella propria carriera l’artista contemporaneo ha fatto i conti con questo annoso cruccio. Gli artisti che non si sono ancora posti questa domanda si sono però confrontati con le sezioni didattiche dei musei di tutto il mondo che riescono a rintracciare valenze formative anche dalle opere più “insospettabili”.
L’artista è a conoscenza di un “quid cognitivo” che al resto degli uomini sfugge ma che può essere recepito grazie ad una lettura emozionale dell’opera d’arte da affiancare ad una lettura tecnica della stessa. Questa lettura comparata rappresenta l’asse fondante delle attività del laboratorio didattico pensato per i bimbi delle scuole primarie che affianca la mostra. I laboratori si svolgeranno il 23 aprile, il 28 aprile il 30 aprile, 5 maggio dalle ore 10 alle 13 per informazioni è possibile contattare la segreteria organizzativa curata da Katia Mucciarone al numero 3343060130 .
Gli artisti in mostra provengono da ambienti culturali differenti e vivono la valenza formativa dell’arte con picchi di ironia scrosciante in evoluzione verso un elegante intellettualismo.
Flavio Romualdo Garofano, classe 1981, attore, regista e fotografo campano in mostra presenta una serie di opere che affrontano temi relativi all’evanescenza e alle presenze-assenze del genere umano.
Michele Miele, classe 1981, fotografo foggiano, in mostra presenta opere dove la dimensione ludica è espressa tramite la forza materica di alcuni oggetti simbolo dell’infanzia.
Dario Molinaro, classe 1985, artista foggiano che presenta in mostra giovani ragazzi e ragazze contemporanei che manifestano le proprie insicurezze, passioni e devastazioni psicologiche attraverso sorrisi tragicomici e sguardi immobili. Carmelo Nicotra, classe 1983, agrigentino, presenta dei ritratti di donne fortemente caratterizzate nei tratti somatici e nelle espressioni. Nicotra manifesta il tipico stato di immobilità creato ad arte da ogni individuo per reprimere il simbolico potenziale distruttivo rappresentato dal dolore. Jonathan Pappolla, classe 1985, propone ritratti di personaggi a metà tra il fumettistico e il surreale. Pappolla dona ai propri soggetti la posa classica del ritratto sconvolgendo però le fattezze umane di personaggi che sembrano sbucati fuori da un’irradiazione radioattiva. Raffaele Siniscalco, artista tranese, classe 1985, che interpreta poeticamente l’arte di illustrare ciò che non è visibile, in un viaggio cadenzato e ritmico tra figurazioni oniriche,spazi interni ed esterni, emozioni legate al tragitto esistenziale.
La mostra sarà visitabile fino a martedì 5 maggio.

06.04.09 3.32 IL TERREMOTO DELL'AQUILA AVVERTITO A ROMA

2009-04-08T13:51:00.001-07:00

06.04.2009 3:32 LA TERRA TREMA ALL'AQUILA 5.8 RICKTER 9 GRADO MERCALLI: I DANNI AL MONDO DELL'ARTE

2009-04-07T01:57:00.001-07:00

ABSIDE SANTA MARIA DI COLLEMAGGIO

CHIESA DI PAGANICA

CUPOLA DELLA CHIESA SEICENTESCA DELLE ANIME SANTE

LA DIDATTICA DELL’ARTE SBARCA A SAN SEVERO GRAZIE AL CENTRO FUMETTO ANDREA PAZIENZA DI CREMONA

2009-04-05T13:02:00.000-07:00

ARTICOLO PUBBLICATO DAL QUOTIIANO L'ATTACCO DI SABATO 4 APRILE 2009
La rassegna “Fatti e personaggi ad Andrea & Co dal mondo del fumetto”, che partirà domani al MAT di San Severo con direzione artistica di Teo De Palma, può vantare un piccolo primato, infatti, per la prima volta in Capitanata viene pensata e messa in atto una rassegna artistica che prevede la realizzazione dei laboratori didattici.
Ad affiancare il quotidiano tram tram espositivo ci saranno esperienze formative condotte dagli esperti del Centro Fumetto Andrea Pazienza di Cremona.
Il Centro Fumetto lombardo nacque nel 1988 in collaborazione tra il Progetto Giovani del Comune di Cremona e l'Arcicomics. Nel Luglio 2001 il Centro si è trasformato in Associazione.
Il Centro Fumetto è senza fine di lucro ed ha come scopo la valorizzazione e la diffusione del fumetto. Il Centro gestisce una ricchissima biblioteca di fumetti, pubblica nuovi autori e organizza molte altre attività. Da sempre, il CFAPAZ si è interessato alla progettazione e realizzazione di una didattica del fumetto. L'attività del Centro Fumetto "Andrea Pazienza" ha sempre privilegiato l'espressività e la produzione di opere. Il fumetto è un linguaggio da utilizzare per esprimersi e per raccontare. Il CFAPAZ può così vantare una ventennale esperienza nel settore e la conduzione di centinaia di laboratori rivolti principalmente agli alunni delle scuole primare e secondarie, organizzati anche al di fuori del territorio cremonese.
Il Centro svolge proposte per la scuola primaria che si indirizzano essenzialmente sulle scoperta del fumetto da parte dei più piccoli, privilegiando la realizzazione di un giornalino a fumetti.
Le proposte per la scuola secondaria interessano essenzialmente percorsi di lettura e realizzazione di fumetti e l’ideazione di vignette satiriche e umoristiche con successiva elaborazione grafica.
Il mondo della didattica dell’arte in Italia è ancora molto evanescente e soprattutto al Sud Italia il modus operandi della didattica dell’arte è refrattario o decisamente sconosciuto ai dirigenti scolastici e ai direttori di Musei. Va detto che molto si sta facendo ed un gran numero di musei in Italia ha allestito da tempo splendide sezioni didattiche come quella del Mart di Trento e Rovereto o quelle presenti alle Scuderie del Quirinale a Roma. Il cuore pulsante della didattica dell’arte è stata la Pinacoteca di Brera dove nel lontano 1977 Bruno Munari da grande precursore quale fu imbastì i primi laboratori didattici con metodologia “Giocare con l’arte”.
Davvero una bella iniziativa quella promossa dalla rassegna su “Andrea & Co.”che si affida ad un centro di documentazione, promozione e divulgazione come quello cremonese che svolge attività itinerante e sarà grazie a questa peculiarità del CFAPAZ che riusciremo a vedere a San Severo i laboratori didattici sul fumetto.
Anche se una rondine non fa primavera, ci auguriamo che l’esperienza didattica sanseverese rappresenti un esempio per altri curatori e organizzatori di Capitanata così da far diventare la lettura formativa del prodotto artistico una chiave di volta primaria nelle programmazioni espositive.

A SAN SEVERO IL MUSEO SI RISVEGLIA CON L’OMAGGIO A PAZ

2009-04-05T12:50:00.000-07:00

ARTICOLO PUBBLICATO DAL QUOTIDIANO L'ATTACCO DI SABATO 4 APRILE 2009
Partirà domani 5 aprile presso il Museo Civico di San Severo la tanto attesa rassegna artistica dedicata ad Andrea Pazienza dal titolo “Fatti e personaggi ad Andrea & Co dal mondo del fumetto”, che prevederà un ricco carnet di mostre, eventi e dibattiti dedicati all’-ottava arte-.
L’attesa è montata in seguito al protrarsi dei lavori di ristrutturazione del polo museale sanseverese che impedì l’inaugurazione dell’evento fissata per il 14 febbraio 2009. Un rinvio di circa due mesi sulla tabella di marcia che non ha demoralizzato il direttore artistico Teo De Palma.
Stasera alle ore 18 sarà visibile il restyling del Museo e per l’occasione verranno presentate al pubblico, alla presenza del Sindaco Michele Santarelli, dell’Assessore alla Cultura Michele Monaco, queste inedite “Trame di storia. Un nuovo racconto al Museo”. Presenzieranno all’evento il magnifico Rettore dell’Università di Foggia, prof. Giuliano Volpe, ed il noto scrittore di romanzi storici, vincitore del Premio Bancarella 2008, nonché conduttore TV, prof. Valerio Massimo Manfredi, che proporrà un’attuale conversazione dal titolo “Comunicare l’antico. L’archeologia dai musei ai mass media”. Nel corso del pomeriggio, il dirigente dr. Augusto Ferrara inquadrerà l’evento nella programmazione dell’utilizzo dei fondi europei, mentre la direttrice del Museo, la dr.ssa Elena Antonacci, presenterà i criteri alla base delle nuove scelte museografiche.
L’intervento di “restyling museografico” è stato suggellato dalla nuova denominazione che il Museo sanseverese prenderà e cioè MAT. La sigla indentifica il Museo dell’Alto Tavoliere, denominazione che lascia alquanto a desiderare, definendo tutto e niente.
La scelta di questo nome è dovuta al nuovo allestimento dello spazio espositivo che connota il museo come un museo di ampio respiro del territorio dell’Alto Tavoliere in cui la trasformazione del paesaggio storico diventa protagonista. Un nome che a mio avviso rimane molto vaporoso e poco ficcante.
Intitolare il museo ad un’artista illustre di San Severo sarebbe stata cosa più buona e giusta, in una città dove anche le pietre se avessero potuto parlare avrebbero gridato il nome di Andrea Pazienza per l’intitolazione. Il grande Paz definì San Severo come “la città del mio pensiero, dove prospera la vite e l'inverno è alquanto mite…” e realizzò opere che ritraevano l’icona della Santa Patrona, un paesaggio in cui i campanili fanno da sfondo al “mare verde” della campagna di San Severo e tanto altro ancora.
L’ennesima occasione mancata per Andrea Pazienza che ancor’oggi non ha intitolazioni in terra di Capitanata. A Napoli nel popoloso quartiere di Scampia esiste via Andrea Pazienza e a Cremona il Centro Fumetto Andrea Pazienza è una realtà che da anni svolge attività di documentazione, catalogazione e promozione culturale fumettistica di alto profilo. Il Centro Fumetto di Cremona svolgerà per la rassegna sanseverese dei laboratori didattici in vista della mostra “Andrea Pazienza - Il graffio del segno” che da questa domenica sarà visitabile fino al 3 maggio. La mostra ospiterà 48 opere originali: 15 tavole della storia a fumetti " Una Estate" ambientata nel Gargano, pubblicate sulla rivista Tango nel 1987, altri lavori provenienti da collezioni private.
La mostra è curata da Teo De Palma, Elena Antonacci e Antonello Vigliaroli
La rassegna proseguirà Dal 9 maggio al 7 giugno 2009 con la mostra “Persistenze sul confine dell'immagine” curata dal prof. Massimo Bignardi, programmata dal 9 maggio al 7 giugno 2009 che, partendo dall'esperienza artistica ed umana di Andrea Pazienza, propone le opere di 24 artisti di rilievo nazionale ed internazionale.
Conclude la serie di grandi eventi al Museo di San Severo (MAT) la mostra <> dal 13 giugno al 31 agosto 2009, curata da Silvia JACOVITTI e Dino ALOI, mostra che ripercorre l'intera carriera dell'artista scomparso nel 1997 e ne abbraccia tutti i vari aspetti.

ZONE UMIDE, AMADORI: I FOGGIANI NON SONO POLLI!

2009-03-28T03:45:00.000-07:00

ARTICOLO PUBBLICATO DAL QUOTIDIANO L'ATTACCO DI SABATO 28 MARZO 2009
Il 2009 si è aperto con una battaglia ambientale di grandi dimensioni da parte dei gruppi ambientalisti di Capitanata.
In Provincia di Foggia nel territorio di Zapponata si trova la Valle San Floriano una delle ultime zone umide in Italia. La zona dall’incredibile valore naturalistico è stata riconosciuta come area protetta nel 1983 con D.P.G.R. n. 216 del 2.2.1983 con una superficie originaria di 464 ettar.i La Riserva di Valle San Floriano rischia di scomparire sotto l’azione di bonifica attuata dal gruppo Amadori che sta trasformando la zona in terreno coltivabile per l’allevamento dei famosi polli 10+ e “campese”.
Va ricordato come nel 2006 e 2007 l’arrivo del gruppo Amadori in terra di Capitanata fu annunciato come l’avvento del Messia che avrebbe portato posti di lavoro, fama e ricchezza e ad oggi la situazione sta velocemente precipitando.
Il centro studi natura di Foggia in prima linea nella campagna di sensibilizzazione è davvero deluso dal Gruppo Amadori di cui mai si sarebbero aspettati un tale comportamento.
Nei vari appelli infatti Vincenzo Ricci del CSN dice “Un comportamento di questo genere è degno della peggiore logica colonialistica esercitata da alcune grosse aziende nel terzo mondo, dove le risorse naturali vengono costantemente depredate, in favore del profitto irresponsabile, ma qui in Italia e in Europa cose del genere erano e sono impensabili.
Il gruppo Amadori, in barba a tutte le leggi Regionali e Nazionali nonché Comunitarie, ha operato abusivamente la bonifica delle aree, violando anche i criteri per cui poteva fregiarsi di essere una azienda faunistico venatoria.”
Nell’area di San Floriano vive e nidifica una delle specie di anatre più rare d’Europa, la Moretta tabaccata, che mai avrebbe pensato di dover combattere contro un’armata di polli.
È iniziata a metà gennaio la petizione on-line sul sito www.firmiamo.it/salviamolapaludesanfloriano
raggiungibile anche dal sito del CSN e su molti blog che aderiscono all’iniziativa tra cui foggiagiocata, nonchè molte pagine di Facebook, Cesevoca e Fortore Habitat.
Ad oggi sono circa 1110 le firme raccolte, il dato è positivo anche se accompagnato da un totale silenzio da parte delle istituzioni e degli organi di informazione che stanno trattando il caso in maniera blanda soprattutto se si considera che San Floriano come continua Vincenzo Ricci:
“è un importante tassello della Rete Natura 2000 (in quanto ricade all’interno di un Sito d’Importanza Comunitaria nonché di una Zona di Protezione Speciale) voluta dalla Commissione Europea per tutelare ambienti e specie e che, alla luce degli articoli 1-2-4 della Direttiva 79/409 denominata “Direttiva Uccelli”, e della Direttiva 92/43 “Habitat”, l’Italia in qualità di Stato membro ha l’obbligo di adoperarsi per evitarne il degrado, al fine di evitare che vengano messi a repentaglio gli obiettivi delle Direttive stesse per la tutela di specie e habitat”.
Perdendo la palude di Valle San Floriano ci lasceranno storia, cultura e natura. Amadori ripensaci!

JIM PICCO: BIG DOUBLE TROUBLE IN FOGGIA TOWN

2009-03-28T03:39:00.000-07:00

ARTICOLO PUBBLICATO DAL QUOTIDIANO L'ATTACCO DI SABATO 28 MARZO 2009
È stata inaugurata sabato 14 marzo presso i locali del Centro Grafico Francescano in via di San Giuliano la mostra personale di Jim Picco dal titolo “Big Double Trouble in Foggia Town…”.
L’artista canadese non nuovo ad esposizioni in terra di Capitanata ha proposto lavori realizzati negli anni ’90 e presentati al solo pubblico canadese. L’artista produce opere sia nella città di Calgary nello stato di Alberta in Canada, sia in uno studio nel borgo di Panni dove ama passare brevi periodi.
La mostra curata da Antonio Scotellaro, offre allo spettatore un tripudio di colori e di materiali diversi che affollano le tele in un gesto artistico molto euforico.
L’artista si avvale sia di tele di piccole dimensioni sia di tele dalle grandi dimensioni che ama triplicare e quadruplicare accostandole in successione.
Jim Picco realizza un trittico che intitola “Invented Head” e che si presenta come un assemblaggio di materiali diversi evocatori di ambienti, luoghi e circostanze differenti.
Il trittico del 2008 è realizzato su tele 114x152 cm, che l’artista affianca in orizzontale e mostrano delle variazioni sul viso umano. I tratti somatici dei soggetti presentati sono creati per mezzo del colore che si fa forma nonché dall’apposizione sulla tela di materiali provenienti dal mondo industriale e dal mondo naturale.
I nasi dei personaggi, creati con una scopa in paglia o con un tronco d’albero su cui un uccello ha costruito un nido, divertono e evocano un mondo rurale con cui siamo in un rapporto scostante e distaccato e di cui non riusciamo più a cogliere gli odori.
Colpiscono i fantasiosi cappelli realizzati con piatti di plastica, posate e forbici metalliche, caraffe in vetro e oggetti in alluminio. Il colore è distribuito sulla tela con impeto e guizza in modo vorticoso sulla tela.
Il trittico presente in mostra è un chiaro esempio dell’evoluzione artistica delle opere più recenti di Picco che da composizioni policromatiche si portano nei territori creativi delle composizioni polimateriche che trattengono vive cromie allegre e contrastanti.
Di grande potere iconografico le opere della serie “Paper Bags” che contengono opere realizzate dal 1995 al 1997. Le opere degli oli su tela hanno misure variabili e sono disposte in modo piramidale.
Le tele presentano i tipici sacchetti di carta marrone, molto usati in America per la spesa.
Le opere realizzate in Canada ci riportano indietro nel tempo alla metà degli anni ’80 quando soprattutto in ambito americano il fotorealismo imperava.
Quello di Jim Picco non può essere considerato fotorealismo puro in quanto nelle opere ritroviamo una resa dell’ombra liquida, pittorica, romanzata.
Le opere appartenenti a questa serie sono affascinanti e formalmente rigorose e divergono per intento costruttivo dalla serie delle teste inventate o dei ritratti dove le regole stilistiche e ompositive vengono trasposte in gesto artistico per mostrare uno dei tanti possibili metodi per infrangerle.
La mostra sarà visitabile fino al 30 aprile dal lunedì al venerdi dalle 9 alle 13 e alle 15.30 alle 18.30.

DARIO MOLINARO SUL PRIMO NUMERO DI NASTROISOLANTE CON UNA RECENSIONE DI GERARDO DI FEO

2009-03-22T03:45:00.000-07:00

SCARICA IL PRIMO NUMERO

A SINISTRA NELLA SEZIONE CLICCANDO VAI AL LINK DI NASTROISOLANTEMAGAZINE E TROVI LE INDICAZIONI PER SCARICARE IL FANZINE

FUTURISMO: NON è TUTTO ORO QUELLO CHE LUCCICA

2009-03-14T03:27:00.000-07:00

ARTICOLO PUBBLICATO DAL QUOTIDIANO L'ATTACCO DI SABATO 14 MARZO 2009
Sono passati 100 anni da quando nel febbraio 1909 il Manifesto del Futurismo fu stilato e pubblicato dal giornale francese Le Figarò e per ricordare questa data l’Italia sta assistendo ad un’inondazione di manifestazioni, retrospettive, omaggi che partono come schegge impazzite.
Il Futurismo è stato un movimento liquido che si è diluito nel corso dei decenni rimanendo sempre vivo, cambiando aspetto molte volte.
Un trasformismo estetico affascinante che ha visto nascere espressioni artistiche di pregio rette da intenti ideologici discutibili.
I futuristi proclamarono di cantare l'amor del pericolo, l'abitudine all'energia e alla temerità, inoltre, si ripromettevano che il coraggio, l'audacia, la ribellione, sarebbero stati elementi essenziali della loro poesia. Fin qui quelle dei Futuristi sono davvero belle parole, buoni propositi su cui poggiare una progettazione artistica.
I futuristi si scagliarono in letteratura contro i romantici sostenendo di voler esaltare il movimento aggressivo, l'insonnia febbrile, il passo di corsa, il salto mortale, lo schiaffo ed il pugno, in quanto la letteratura finora aveva sempre esaltato l’immobilità penosa, l’estasi ed il sonno. In questo terzo punto già si nota un accento dai toni forti posto su atteggiamenti quotidiani prevaricatori.
Il più “politically correct” tra i punti fermi del Futurismo è rappresentato, invece, dalla volontà di affermare che la magnificenza del mondo si sia arricchita di una bellezza nuova: la bellezza della velocità. Tutt’oggi questo punto del Manifesto marinettiano rappresenta l’ideologia di facciata, rassicurante, borghese, quella che è servita nei decenni a mascherare le torbide cadute ideologiche molto vicine a deliri di onnipotenza.
Il punto più sconcertante che i Futuristi proposero è stato decisamente quello di voler glorificare la guerra come sola igiene del mondo, nonché il militarismo, il patriottismo e il gesto distruttore.
Questo assunto Futurista è intriso di ideologie politiche non dissimili da quelle che fondavano il fascismo e il nazismo.
Si sfiorò la follia quando i Futuristi inneggiarono a stermini culturali atti a distruggere i musei, le biblioteche, le accademie d'ogni specie e combattere contro il moralismo, il femminismo e contro ogni viltà opportunistica o utilitaria. È utile ricordare come il Futurismo sia stato il movimento con il più basso numero di “quote rosa” annoverate tra le proprie fila. Le opere realizzate dalle donne venivano censurate perché portatrici di valori estranei al movimento.
La censura nei confronti delle opere realizzate da donne giunse anche dal Kaiser che nel 1937 ordinò il ritiro dalla mostra annuale della Secessione berlinese per l'evidente messaggio turbativo, in un momento caratterizzato da forte preoccupazione per l'insorgenza dei movimenti socialisti, dell’opera “Torre delle donne” della scultrice Kathe Köllwitz, nonostante essa fosse stata proposta per il premio della medaglia d'oro, concesso comunque due anni dopo in seguito all'acquisto della collezione di Stato di Dresda.

Il futurismo toccò anche i più piccoli, infatti, negli interessi di artisti come Fortunato Depero e Giacomo Balla vi fu anche la pretesa di abolire i classici giochi per bambini sostituendoli con il più “pedagogico” “giocattolo futurista”.
Negli scritti dei due artisti campeggia tale volontà: «Nei giochi e nei giocattoli, come in tutte le manifestazioni passatiste, non c’è che grottesca imitazione, timidezza, (trenini, carrozzini, pupazzi immobili, caricature cretine d’oggetti domestici), antiginnastici o monotoni, solamente atti a istupidire e ad avvilire il bambino. Per mezzo di complessi plastici noi costruiremo dei giocattoli che abitueranno il bambino: 1) a ridere apertissimamente (per effetto di trucchi esageratamente buffi); 2) all’elasticità massima (senza ricorrere a lanci di proiettili, frustate, punture improvvise, ecc.); 3) allo slancio immaginativo (mediante giocattoli fantastici da vedere con lenti; cassettine da aprirsi di notte, da cui scoppieranno meraviglie pirotecniche; congegni in trasformazione ecc.); 4) a tendere infinitamente e ad agilizzare la sensibilità (nel dominio sconfinato dei rumori, odori, colori, più intensi, più acuti, più eccitanti). 5) al coraggio fisico, alla lotta e alla guerra (mediante giocattoli enormi che agiranno all’aperto, pericolosi, aggressivi). Il giocattolo futurista sarà utilissimo anche all’adulto, poiché lo manterrà giovane, agile, festante, disinvolto, pronto a tutto, instancabile, istintivo e intuitivo».
Un movimento artistico ed ideologico-politico fondamentalmente di destra, che ha visto non pochi cani sciolti che amavano definirsi “futuristi di sinistra” con posizioni vicine al bolscevismo e all’anarchismo.
Da metà febbraio si stanno inaugurando in Italia moltissime mostre sul Futurismo, esposizioni che in barba alla crisi celebrano un movimento artistico che ideologicamente ha un retrogusto amaro.
Gli addetti ai lavori parlano di una sovraesposizione propagandistica del Futurismo con mostre a Roma, Siena, Napoli, Rovereto e molte altre sono pronte a partire.
Va sottolineato, inoltre, quanto sia facile attuare con l’appoggio del Futurismo una campagna politica orientata a destra e quanto in questi giorni i politicanti abbiano pensato bene di sfruttare le celebrazioni del centenario per mandare un po’ di messaggi trasversali a quello artistico. A testimonianza di ciò il piccolo “miracolo” che il Futurismo ha compiuto facendo uscire dall’ombra il Ministro della Gioventù Giorgia Meloni (Alleanza Nazionale), che silente durante il periodo della contestazione studentesca dell’Onda, (eppure allora si trattava di giovani), ha deciso di presenziare alle inaugurazioni delle mostre sul Futurismo neanche si trattasse del Ministro dei Beni Culturali. Quando si dice l’amore per l’arte!

I MARI EUROPEI DEGLI ALTAMURA IN MOSTRA A FOGGIA

2009-02-28T13:26:00.000-08:00

ARTICOLO PUBBLICATO DAL QUOTIDIANO L'ATTACCO DI SABATO 28 FEBBRAIO 2009 La Fondazione Banca del Monte di Foggia presenta, per la prima volta in Italia, molte delle opere di Giovanni Altamura, figlio di Francesco Saverio pittore e patriota foggiano.L´inaugurazione della mostra "Gli Altamura ritrovati: GIOVANNI - IOANNIS - JEAN ALTAMURA", a cura di Gianfranco Piemontese (che ha curato anche il ricco catalogo), si terra´ nella Galleria della Fondazione in via Arpi stasera alle ore 17,30.
Per l’occasione ho incontrato il curatore Gianfranco Piemontese a cui ho posto alcune domande sull’organizzazione dell’evento, sull’attività di ricerca e sui profili artistici degli Altamura.
Con questa mostra si approfondisce la figura di Giovanni Altamura, figlio italo-greco del pittore e patriota Saverio Altamura, quando inizia la tua ricerca sul pittore impressionista?
La mia ricerca sugli Altamura ed in particolare su Giovanni nacque nel 2006 con ricerche e viaggi in Italia, in Grecia, in Danimarca e in Francia che mi hanno permesso di arrivare ad oggi con un corpus di opere “ritrovate” ricco. Complessivamente ho svolto 4 viaggi in terra ellenica, un viaggio in Danimarca e uno in Francia.
Inoltre il corredo fotografico delle opere esposte in mostra e pubblicate nel libro-catalogo, rappresentano una parte di un importante lavoro di censimento fotografico svolto da Gianfranco Gesmundo. Si tratta di centinaia di fotografie di opere sia di Giovanni Altamura, di Elena Bùkuras Altamura, di Saverio ed Alessandro Altamura, che per ovvie ragioni di studio e di spazio non sono stati inseriti tutti, ma che restano oggetto di studio ed approfondimento.
Come si evince dal libro-catalogo hai dato alla tua ricerca un taglio da reportage che ha fatto luce su molte vicende biografiche degli Altamura poco note, qual è il motivo di questa scelta?
Soprattutto su Giovanni e sulla mamma di quest’’ultimo Elena Bùkuras Altamura su cui si avevano notizie frammentarie e contradditorie , si sa davvero poco e male. Ho cercato di far luce su determinati avvenimenti di cui avevamo false convinzioni.
Elena Bukaras nasce a Spetse in Grecia nel 1821 e giunge in Italia per intraprendere i propri studi artistici. Gli storici e la critica parlano di studi napoletani che sicuramente ci furono ma non possono essere considerati come i soli studi che la Bukaras svolse in Italia. La pittrice greca incontrò Saverio Altamura, suo futuro sposo, a Firenze dove studiò ed ebbe sicuri contatti con Roma, come si evince approfondendo un po’ le carte dell’epoca.
Perché il personaggio di Elena Bukaras affascina così tanto?
Fu un personaggio risoluto, che pur di seguire i corsi all’Accademia, allora vietata alle donne, decise di travestirsi da uomo, escamotage che le diede l’opportunità di studiare a Roma presso la Confraternita dei Nazareni. La Bukaras fu una donna che lasciò il marito ed insieme ai figli tornò in Grecia, per non sopperire alla nostalgia. Uno stile di vita all’epoca impensabile, per una donna nata nel 1821, anno che sancisce l’ indipendenza della Grecia dalla dominazione Ottomana.
La sua produzione artistica oggi è molto risicata, sono reperibili davvero poche opere.
Elena fu la prima insegnante del figlio Giovanni che con il fratello Alessandro seguì le orme del papà pittore, fu, inoltre, l’insegnante di disegno della regina greca Olga. La Bukaras rappresenta un personaggio trasversale che affascina.
Giovanni Altamura è il vero protagonista della mostra, una vita breve ma con una produzione artistica ricca di pregio. Che lettura si può dare della sua carriera artistica?
È un impressionista, amante delle marine, ma la sua produzione artistica è molto di più, è frutto di varie sperimentazioni. Giovanni sente le influenze di varie temperie culturali dell’epoca e in un modo personalissimo le propone sulla tela.
Ho deciso di dare alla mostra un titolo che mettesse in luce il carattere fortemente internazionale della personalità artistica di Giovanni Altamura che studierà prima in Grecia ad Atene dove sarà conosciuto come Ioannes e successivamente in Danimarca a Copenaghen grazie ad un finanziamento di studio della durata di tre anni offerto dal re greco Giorgio I.
Giovanni venne presentato a Copenaghen come marinemaler ovvero pittore di marine, e fu iscritto anche all’istituto tecnico.
Uno dei suoi maestri più noti fu Sorensen e il nome di Giovanni, o Jean come veniva chiamato in ambito nordico, fu sempre accostato a lui, anche se oggi come sottolinea la storica dell’arte Salling, il Sorensen non risulta essere stato docente in scuole pubbliche,ma solo in scuole private.
Mi piace sottolineare come ancor’oggi l’Accademia di Copenaghen rappresenti una tra le migliori accademie artistiche d’Europa e la migliore dell’area nordica.
Giovanni Altamura, grazie alle marine realizzate durante il soggiorno danese, stupì molto l’ambiente intellettuale europeo, soprattutto perchè andò oltre ogni aspettativa. I danesi si aspettavano da lui un approccio più mediterraneo e bucolico alla tematica acquatica che invece prese strade più algide, poetiche, austere.
La fama di Giovanni fu tale che quella del 1876 fu chiamata “L’estate di Altamura” .
Quali furono i rapporti tra Saverio Altamura e i figli Giovanni ed Alessandro?
Saverio Altamura e Elena Bukaras ebbero tre figli: Sofia, Giovanni e Alessandro. Saverio lasciò poi la moglie per una pittrice pre-raffaellita inglese Jane Benham Hay e solo Alessandro restò più a lungo con lui, infatti Giovanni e Sofia seguirono subito la madre in Grecia.
Nelle opere di Alessandro è visibile con più forza il tratto del padre che gli fece da maestro per un po’. Anche Alessandro comunque lascerà l’Italia per la Grecia e poi per la Francia, dove rimase fino al 1918, grazie ad un finanziamento ricevuto dalla potente famiglia dei Rodokanakis imparentata con i Bukaras. La critica dell’epoca lo ha bistrattato un po’ considerandolo solo come un acquerellista napoletano specializzato in vedute.
Con Giovanni i rapporti furono quasi inesistenti, Saverio lo incontrò una volta a Napoli dopo una visita del giovane a Livorno dai Rodokanakis.
L’ironia della sorte volle che padre e figlio fossero uniti almeno una volta sotto il segno dell’arte quando nel 1878 a Parigi all’Esposizione Universale nel padiglione greco Ioannes Altamuras esporrà due naumachie e in un altro padiglione sarà presente il Cavalier Saverio Altamura con i propri lavori.
Da quante opere sarà composta la mostra foggiana?
“Il corpus di opere è costituito da 52 lavori, per lo piu´ marine realizzate ad olio da Giovanni Altamura. Le opere giungono dalla Galleria d’Arte Moderna di Atene e da due collezioni private greche. Ho scelto lavori realizzati con tecniche diverse per mettere in luce la capacità di Ioannes di esprimersi in modo trasversale.
Di grande valore artistico sono le marine dove campeggiano varie imbarcazioni. Giovanni,infatti, include nella stessa opera diversi periodi tecnologici, con navi a vela e battelli a vapore.
In mostra saranno esposti, oltre ai dipinti di Giovanni, anche alcuni acquarelli e disegni a china di Alessandro Altamura, provenienti da collezioni private foggiane”.
La mostra sarà visitabile fino al 24 marzo 2009.

I LIBRI CHE INCONTRANO “L’ALTRO” ALLA BIBLIOTECA “MAGNA CAPITANA ”

2009-02-22T01:05:00.000-08:00

ARTICOLO PUBBLICATO DAL QUOTIDIANO L'ATTACCO DI SABATO 21 FEBBRAIO 2009

Si è tenuta ieri sera alle ore 17,00 presso la sala narrativa della Biblioteca Provinciale “La Magna Capitana” di Foggia, la presentazione dei libri della Biblioteca di Tolb’a di Matera. La manifestazione è stata patrocinata dall’Associazione culturale “La Merlettaia” di Foggia, dalla scuola primaria e dell’infanzia San Giovanni Bosco, dalla Biblioteca Prov.le, dalla città educativa di Foggia, dal centro interculturale di Foggia e dal Comune di Foggia .
I testi presentati sono libri artistici, poetici e splendidamente illustrati, da toccare guardare e leggere in molte lingue. Ogni libro è uno scrigno di bellezza che può aiutare ad incontrare l’altro in particolare quando l’altro sembra assomigliarci meno. I libri sono realizzati grazie all’Associazione culturale Tolbà di Matera che dal 1992 si finanzia attraverso la pubblicazione di libri di favole e storie tradotte in molte lingue. Attraverso questa forma di editoria si diffondono le culture “altre” come portatrici di valore e di arricchimento alla nostra cultura e si sensibilizzano i lettori su progetti di sostegno e di cooperazione per lo sviluppo in paesi che ne hanno necessità. Tutte le pubblicazioni sono il risultato di una catena di solidarietà che si attiva fra illustratori, traduttori, grafici, musicisti, professori universitari esperti della pedagogia multi culturale, stranieri desiderosi di comunicare la propria cultura e le proprie tradizioni. I libri vantano illustratori eccellenti come il genovese Emanuele Luzzati.
Durante la serata ha risposto alle mie domande Donata Glori per l’Associazione “La Merlettaia”,
Come è nata la collaborazione con l’Associazione Tolbà e perché la scelta di proporre proprio i libri?
La Merlettaia grazie a Katia Ricci ha avuto più volte contatti con Matera, ad esempio attraverso a mostra collettiva “A sud dei tarocchi” che si è tenuta sia a Foggia che a Matera. Come associazione culturale la Merlettaia ha sempre guardato alle differenze tra gli individui, non solo di genere ma anche culturali, introspettive e personali e presentare libri che parlano di mondi “altri” non può che essere in linea con il nostro percorso di analisi. La scelta di proporre questi libri nasce soprattutto dalla grande universalità dei testi che attraverso le loro molteplici poetiche offrono una moltitudine di sguardi sui noi stessi e sugli altri. Ogni libro affronta l’alterità in modo relativo e intimo, molte storie sono biografiche ma non vi è un gusto voyeristico quanto voglia di accoglienza nei confronti di culture diverse dalla propria.
I media ci propongono ultimamente in un contesto di forte disagio sociale una sorta di “caccia allo straniero” aprendo scenari di integrazione impossibile con le culture straniere. I libri di Tolbà possono aiutare l’integrazione in che modo?
“Un aiuto può giungere dalla bellezza che per me può salvare il mondo. Infatti l’arte dà accesso ad altri mondi, riesce a far vedere tutto ciò che arriva prima del guardare e del sentire, non fa percepire quel senso di timore anche ovvio e condivisibile nei confronti della differenzache dovrebbe scomparire subito se si riuscisse a guardare oltre. Questi libri rappresentano un valido alleato per scoprire e approfondire culture diverse dalla nostra che tanto ci fanno paura ma che sempre più costituiscono un mondo molto vicino con cui confrontarsi. I libri della biblioteca di Tolbà sono dei libri dove l’arte, la poesia e la bellezza regnano sovrani.”
Durante la serata si sono susseguiti interventi della direttrice della Sala Ragazzi Milena Tancredi e di Enza Caldarella Dirigente scolastico della scuola San Giovanni Bosco di Foggia.
La Caldarella ha annunciato che la scuola San Giovanni Bosco diventerà un polo di promozione per la Provincia di Foggia dei libri interculturali della Biblioteca di Tolbà. I libri grazie all’impegno dell’insegnante Rosa Castriota sono visionabili e prenotabili presso la scuola in via Ordina Lavello in orario scolastico.

ANDREA BAJANI: ESSERE SCRITTORI AL TEMPO DI FACEBOOK

2009-02-22T00:35:00.000-08:00

ARTICOLO PUBBLICATO DAL QUOTIDIANO L'ATTACCO DI SABATO 21 FEBBRAIO 2009
Mercoledì 18 febbraio a Foggia si è tenuto un incontro con lo scrittore torinese Andrea Bajani. In cinque anni ha cambiato otto lavori: è stato consulente, collaboratore occasionale, co.co.co, collaboratore a progetto e libero professionista. Un trentenne come tanti con la passione della scrittura. Ha partecipato a molte antologie, fra cui "Lettere In-chiostro" (Addictions, 1999). Ha pubblicato diversi romanzi: "Morto un papa" (Portofranco, 2002), "Qui non ci sono perdenti" (PeQuod, 2003), e il recente "Cordiali saluti" (Einaudi, 2005), “Mi spezzo ma non m'impiego” (Einaudi, 2006).
Bajani in mattinata ha incontrato gli studenti del Liceo Classico Lanza alla presenza della onnipresente Pulsatilla, del critico letterario Giuseppe Trecca, dei docenti, associazioni studentesche, giornalisti e molti liceali. In serata si è tenuta la seconda parte dell’incontro presso la libreria “Ubik” di Piazza Giordano.
Lo scrittore ha parlato dei suoi libri “Domani niente scuola” (Einaudi, 2008). e “Se consideri le colpe” (Einaudi, 2007). all’interno di un programma denominato “Noi e loro. L’Italia degli adolescenti raccontata da un infiltrato”. Questo infiltrato è Bajani un ragazzone che adolescente sembra proprio esserci rimasto. Va detto che non è molto chiaro se ci fà o ci è, ma il beneficio del dubbio non si nega a nessuno.
È una generazione metropolitana, precaria fortemente urbanizzata quella che traspare dal libro “Domani niente scuola” , una generazione analizzata dallo scrittore che ha seguito tre scolaresche di tre città diverse in gita. Definito un ritratto ad altezza d’occhi, onestamente in molti punti svela delle criticità, esplicitate soprattutto dal modo di raccontare la quotidianità adolescenziale proposta in più punti con eventi improbabili e grotteschi. Spesso si nota lo sguardo del trentenne che vuole “guardare” come un diciassettenne, ma i quindici anni trascorsi dall’esame di maturità si fanno sentire tutti.
Guardando la copertina si pensa ad un libro filo Moccia, con una storia scamarcesca ammiccante ma entrando dentro il libro si nota uno spaccato sui giovani che non sfocia mai in facili luoghi comuni e resta fedele ad una fotografia amara e acida in stile reportage.
Uno scrittore come Bajani così abile a scrutare le esistenze e le biografie non poteva non essere vittima di Facebook, il social forum più amato-odiato del pianeta, a cui è rimasto legato per soli due mesi.
Bajani più volte ne ha parlato come di un luogo virtuale dove potersi costruire il proprio loculo da vivi, una finestrella da cui guardare la vita narrando e narrandosi. Ne parla in modo crudo, vero, senza orpelli e si comprende così quanto sia quotidiano e colloquiale il suo modo di scrivere solido punto di forza del suo narrare.
Un incontro positivissimo, uno tra i migliori del ciclo “Incontri Extravaganti” che sta portando a Foggia nomi importanti del panorama letterario italiano.

SIMONETTA ANGELINI RECENSISCE MERAVIGLIOSO!

2009-02-19T03:39:00.001-08:00

dal 12 al 27 febbraio 2009
Meraviglioso!
a cura di Gerardo di Feo
Auditorium APC - Agenzia regionale per la Promozione Culturale
Piazza Venezuela, 4 - 67039 Sulmona (AQ)
Orario: da lunedì a venerdì ore 9-13 e 16-19
Ingresso libero
Info: tel. +39 086434833; inparte.expo@gmail.com

Fonte: EXIBART (di Simonetta Angelini)

fino al 27.II.2009
Meraviglioso!
Sulmona (aq), Auditorium Apc

La parete curva di uno spazio pubblico concepito per i suoni. Invita all’ascolto, al pensiero. L’introspezione pensosa di un audace curatore e dei suoi artisti sulle inquietudini e le costernazioni della contemporaneità...

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pubblicato giovedì 19 febbraio 2009

Alla ricerca di una meraviglia possibile. Di una resistenza alla transitorietà. Si sta come in tralice, di traverso: è la prospettiva obliqua, da animale domestico, di chi sta in basso, oltre, a fondo, quella di Luca Bidoli. Questa surrealtà di indizi percepita a quattro zampe, acida, dai contorni netti come tagli, è congegnata per vuoti. Abitano tra le cose, accumulate come un totem dell’assenza sulla scena di un delitto. Il vuoto piatto dei non-luoghi domestici; la negazione perturbante della presenza. Si fa materia pittorica, cromia fauve, sagoma di un tempo minimo. Di passaggio. Come riflessi di uno specchio frantumato: mobili, inconsistenti, assenti a sé stessi, evanescenti, indeterminati.

Nel lavoro fotografico di Flavio Romualdo Garofano le identità sfocate, affollate sulle vetrine rivelano, con l’arcano del bianco e nero e il contrasto del colore vivido, la consistenza vitrea, opaca, schizofrenica della realtà. L’inafferrabilità e l’insostenibilità dell’esistenza.
Gli spazi addomesticati di Michele Miele in un parco giochi metropolitano di notte sanno di immagine presa di nascosto, di disvelamento. La sola presenza è la delimitazione; crescere sa di plastica e solitudine, il volo ha le geometrie brevi di un’altalena e l’immobilità di una sagoma a dondolo, la paura ha ombre ruvide di cemento, la luce una fissità sintetica presagio di un destino. È una linea scura, netta, in bianco e nero.
Non ha compromessi la figurazione di Dario Molinaro. Il ghigno scheletrico, da maschera irridente e irriverente, il particolare minuto e descrittivo parlano di deformazione, dell’eccesso di chi si consuma dentro con l’indolenza della perdita di sé, nell’anestesia e nella fissità della coscienza. Il colore a contrasto è l’unico appiglio alla realtà.

Jonathan Pappolla lavora su ritratti grotteschi di mezzi busti dai tratti esasperati, tra il pop e l’alterazione, il ghigno corroso, a denti stretti, di chi ha l’anima in decomposizione ma cerca di apparire integro.
Ha una semplicità disarmante Raffaele Siniscalco, che contamina l’essenzialità e l’innocenza del disegno infantile con la linearità di certi cartoon. Il disegno è un catalogo di tipi umani, di espressioni possibili con pochi tratti, di luoghi fiabeschi con l’albero azzurro, l’ultimo paradiso possibile. Il groviglio ironico di un nodo umano, di certe vicinanze da folla che soffocano e annientano l’individualità, raccontano la piccineria, l’omologazione, l’abdicazione a se stessi.

L’istante appena prima, quella contrazione densa delle energie riesce a fermare la fotografia di Alessia Sirangelo. Il raccogliersi animale prima dello slancio, di chi si prepara al salto nel vuoto, al volo folle senza ali del Parkour, alla sfida contro la gravità. Di chi crede nella leggerezza dell’inconsistenza, all’istinto, di chi non ama gli ostacoli e i limiti, che tratta la metropoli come una giungla e se ne riappropria.

TEO DE PALMA: “LA MOSTRA SI FARA’, MA QUANTA FATICA”

2009-02-16T00:37:00.000-08:00

ARTICOLO PUBBLICATO DAL QUOTIDIANO L'ATTACCO DI SABATO 14 FEBBRAIO 2009 A FIRMA DI PIERO FERRANTE

Teo de Palma è tranquillo. Lo spostamento della mostra su Andrea Pazienza non turba più di tanto direttore artistico dell’atteso evento. “Si tratta di attendere una ventina di giorni al massimo”, assicura a l’Attacco, “per alcuni lavori che, per motivi tecnici, si sono protratti troppo a lungo nel museo di San Severo”.
Sarà solo un ritardo, dunque?
Si. D’altronde mercoledì mattina ho anche avuto un incontro con la direttrice del museo sanseverese. Mi ha accompagnato nei locali che dovranno ospitare la mostra. Effettivamente ho constatato che i lavori sono agli sgoccioli, bisogna solo limare le ultime cose e poi si può partire.
Ma a chi vanno attribuite le colpe di questo ritardo?
Non credo ci si possa lasciar andare in strali polemici contro qualcuno in particolare e, soprattutto, contro le maestranze che lavorano all’interno. A rallentare i lavori ha concorso anche la pioggia, che ha arrestato la costruzione della rampa esterna per i disabili.
Ma non era possibile rintracciare, anche prima, degli altri spazi, magari a Foggia?
Il nostro intento, chiaramente, era quello di allestire la mostra a San Severo perché è la città che, per ovvi motivi, è più direttamente collegata a Paz. E, in ogni caso, a Foggia non siamo stati in grado di rintracciare degli spazi adeguati. Ci siamo rivolti all’Ente Fiera ma ci era stata posta come condizione quella di pagare di nostra tasca la vigilanza. Cosa non possibile, visto già l’alto costo della mostra. Abbiamo provato anche con la Fondazione Banca del Monte che, però, ci ha risposto picche. Chiaramente loro hanno una calendarizzazione degli eventi molto rigida e già quasi definitiva. Purtroppo, con il palazzetto dell’arte chiuso e senza pinacoteca…
E alla Provincia?
A Palazzo Dogana, lo spazio espositivo che hanno ricavato nell’atrio, fa pena ed è piccolo.
Ci pare di capire che non è che abbiate trovato le porte spalancate…
No, invece il Comune di San Severo ha sempre dato una mano e si è mostrato molto disponibile alla collaborazione. D’altra parte conviene anche e soprattutto a loro non sfigurare. Siamo sotto elezioni…
Piuttosto sono le diatribe degli eredi che creano qualche disagio. Infatti, tra la moglie ed i fratelli di Pazienza non sembra correre buon sangue quando si tratta di allestire mostre. E, comunque, bisogna sempre passare per loro, come una sponda necessaria. Anche noi, che pure abbiamo dato un’inclinazione più intima alla mostra, prediligendo l’esposizione di opere inedite che Andrea ha regalato agli amici, siamo stati costretti a farlo.
Come ti spieghi il fatto che, ad anni di distanza, Andrea Pazienza ancora non riesca ad affermarsi come elemento catalizzatore turistico?
Questa è una domanda che va rivolta alle amministrazioni locali. Probabilmente la figura del Paz crea ancora qualche imbarazzo, vista la sua prossimità a formazioni politiche eretiche. Ed anche quando ci provano, come nel caso di San Severo, danno vita a progetti fallimentari come quello della piazzetta a lui dedicata che ancora inviperisce la famiglia. Ma non c’è da arrendersi.

PAZIENZA… ANDREA, E’ TUTTO RIMANDATO!

2009-02-14T02:39:00.000-08:00

ARTICOLO PUBBLICATO DAL QUOTIDIANO L'ATTACCO DI SABATO 14 FEBBRAIO 2009

Si sarebbe dovuto inaugurare stasera 14 febbraio a San Severo presso il Museo Civico in Piazza San Francesco, il progetto espositivo “Fatti e personaggi ad Andrea & Co dal mondo del fumetto”, quattro mesi di arte e laboratori ludico-didattici sull’illustrazione fumettistica.
L’evento, patrocinato dalla Provincia di Foggia Assessorato alla Cultura e alle politiche scolastiche e dal Comune di San Severo, ha ricevuto uno stop sulla propria tabella di marcia, infatti, i lavori di ristrutturazione che interessano il polo museale sanseverese non sono terminati entro i termini stabiliti. Un duro colpo per il progetto che dovrebbe, comunque, partire a breve, come rassicura un rammaricato Teo de Palma, direttore artistico della rassegna.
L’evento prevede ben tre mostre che si susseguiranno di mese e mese. In vista di questo stand by iniziale si prevederanno ripercussioni a catena per le mostre che verranno sicuramente ridimensionate nei tempi. Davvero un colpo basso tirato agli organizzatori del progetto a cui va un plauso per il modo puntuale con cui è stato pubblicizzato l’evento attraverso i vari canali d’informazione artistica. Ci si rammarica in quanto il progetto è molto valido e vede come evento d’apertura la mostra “Il graffio del segno - Andrea Pazienza” curata da Elena Antonacci, Teo De Palma e Antonello Vigliaroli, un evento dedicato al grande Paz in una città che gli deve molto. A seguire troverà spazio una mostra antologica dedicata al genio di Jacovitti “Antologia 1939-1997”. La mostra sarà curata da Silvia Jacovitti (figlia del maestro fumettista insignito dell'onorificenza di Cavaliere al Merito della Repubblica Italiana nel dicembre 1994 dal Presidente Oscar Luigi Scalfaro) e Dino Aloi . L’esposizione si avvarrà di un catalogo davvero ricco edito da “Il Pennino- Torino”. All’antologica sul fumettista termolese che lavorò per 'l'Europeo', fece vignette per 'Il Tempo', ma anche per 'il Male', 'Cuore' e 'Tango', illustrò il “Pinocchio” di Collodi, dovrebbe essere dedicato (ad oggi il condizionale è d’obbligo) più di un mese e mezzo di visibilità.
Si chiuderà la rassegna con la mostra collettiva “Persistenze sul confine dell’immagine” a cura di Massimo Bignardi docente di Storia dell'Arte all’Università di Siena, che si avvarrà di un catalogo edito da Claudio Grenzi Editore. Numerosi sono gli artisti invitati Antonio Ambrosino, Paolo Bini, Paolo Borrelli, Angelo Casciello, Bruno Ceccobelli, Franco Cipriano, Paolo De Santoli, Gerardo Di Fiore, Giuseppe Di Muro, Stefano Di Stasio, Lorenzo Foschi, Omar Galliani, Salvatore Lo vaglio, Ruggero Maggi, Maria Mulas, Tommaso Ottieni, Arturo Pagano, Giusy Parisi, Eliana Petrizzi, Piero Pizzi Cannella, Virginio Quarta, Angelomichele Risi, Errico Ruotolo, Sandro Scalla, Giovanni Tesauro. La mostra è realizzata in collaborazione con il Fondo Regionale per l’Arte Contemporanea di Baronissi in provincia di Salerno. Durante l’evolversi dell’evento si terranno dei laboratori ludico-didattici curati dal Centro Fumetto “Andrea Pazienza” di Cremona.
Su queste pagine informeremo i lettori sugli sviluppi del progetto e sulle nuove date. Per qualsiasi informazione inerente all’evento sarà possibile contattare anche via fax l’organizzazione dell’esposizione al numero 0882334409 o inviare mail a museocivicosansevero@alice.it. Alla luce di questo episodio, non si possono che avvallare, seppur a malincuore, le scelte prese dai parenti di Andrea Pazienza che, in nome di un rigore gestionale latitante in Capitanata, hanno preferito proporre in altre piazze, vedi Napoli con Comicon 2008-2009, antologiche e retrospettive sul grande Paz. Si dice che l’attesa renda l’evento ancora più entusiasmante, speriamo sia davvero così e inviamo una poderosa strigliata d’orecchie al Museo di San Severo e/o a chi ha creato questo antipatico contrattempo.

L'ACCADEMIA DI BELLE ARTI DI BARI RACCONTA L'ORRORE DELLA SHOAH

2009-02-07T01:30:00.000-08:00

ARTICOLO PUBBLICATO SUL QUOTIDIANO L'ATTACCO DI SABATO 7 FEBBRAIO 2009
È stata inaugurata il 27 gennaio presso la Cittadella della Cultura all’Archivio di Stato di Bari all’Ex Macello in via Pietro Oreste 45 la mostra collettiva Sesto Senso-Nudare Solent.
La mostra che si avvale del patrocinio dell’Ansi, dell’Accademia di Belle Arti di Bari, dal Mibac e dal Lions Clubs distretto 108AB-Puglia è curata dal Prof. Girolamo e dalle prof.sse Pucciarelli e Coda e affronta la dura tematica del racconto dell’orrore del martiro di innocenti perpetrato dai nazisti durante la Seconda Guerra Mondiale.
Ventidue gli artisti invitati: Angela Panaro, Angelo Perrini, Grazia Donatelli, Michele Volpicella, Tiziana Muolo, Antonio Spagnoletta, Stefano Pomponio, Deepak Pasquale Floro, Riccardo de Feo, Licio Boccadoro, Antonio Minuto, Teresa Ginnico, Teresa Gigante, Michele Lopez, Stefania Romano, Raffaella Del Giudice, Michele Volp, Lorenza Genco, Giuseppe Berardi, Roberto Sibilano, Massimo Giuliano e Cinzia Rubino, che raccontano tramite immagini la più triste pagina di annullamento esistenziale e fisico della storia novecentesca.
Mai come quest’anno con l’acuirsi in seno al mondo cattolico delle teorie negazioniste la ferita della Shoah è quanto mai viva e la mostra barese affida alla memoria e al ricordo il compito di documentare ciò che è stato per abbattere ogni timido barlume di revisionismo storico, cercando forme concrete di tolleranza strumento per costruire il futuro.
La mostra è un messaggio calibrato di stili, intenti, accomunati da una trama luttuosa che punta al ricordo come arma per non arrendersi alla morte. Scorrendo le opere si passa dall’Hitler in boxer di Davide Gigante alla forte potenza espressiva dell’opera presentata da Grazia Donatelli che propone un parallelepipedo da cui fuoriescono mani con dita puntate al cielo. Molto potente iconograficamente anche l’opera realizzata da Tiziana Muolo che propone due mani unite in un gesto che ispira nella mimica la frase minacciosa “Adesso ti faccio vedere io”.
Sono molte, inoltre, le opere che esasperano i corpi e i volti scarnificati degli ebrei al patibolo presentati con giochi cromatici attenti.
L’approcio di Deepak Pasquale Floro, invece, investe il mondo naturale, infatti l’artista presenta un albero rinsecchito seppur con la chioma ancora intatta ma brulla. L’albero è colto in un momento mistico, un’ascesi al cielo che coinvolge anche le proprie radici che si elevano verso l’alto lasciando cadere ciottoli e terra verso il basso. L’artista non si avvale di riferimenti logistici nell’opera acuendo un senso di nudità e solitudine molto potente.
Personaggi giacomettiani su sfondo rosso e nero per Michele Volp che apre al tema della disgregazione dei corpi attuata per disgregare mente ed anima. Una mostra che non ha paura di mostrare in modo crudo e sincero lo sgomento che, a più di sessant’anni dai giorni dei lager, si può provare scorrendo una pagina di storia come quella della Shoah.
La mostra sarà visitabile fino al 12 febbraio dal lunedì al venerdi dalle 9,00 alle 17,00 e il sabato dalle 09,00 alle 13,00.

IL FASCINO DELLA PAROLA MUTA NELLE MISTICHE CARTE DI CAPONE

2009-02-07T01:14:00.000-08:00

ARTICOLO PUBBLICATO DAL QUOTIDIANO L'ATTACCO DI SABATO 7 FEBBRAIO 2009
Sarà inaugurata questa sera alle ore 17,30 la mostra personale di Vito Capone presso la Galleria della Fondazione Siniscalco Ceci in via Arpi 152 a Foggia.
La mostra sarà accompagnata da un catalogo con testo del critico d´arte Pietro Marino che rimarra´ a disposizione dei visitatori per l’intero svolgimento della mostra.
Vito Capone nasce a Roma nel 1935 da genitori salentini e compie gli studi artistici a Napoli. Ha insegnato Tecniche Pittoriche presso l´Accademia di Belle Arti di Foggia, di cui e´ stato direttore dal 1988 al 1991. Vive e lavora in questa citta´ con studio nel centro storico. Le sue opere figurano in enti pubblici, musei e collezioni private in Italia e all´estero.
Sono suoi i "libri" che campaggiano su una parete della Sala del Tribunale di Palazzo Dogana, acquisiti dalla Provincia nel 1998. È l´ispiratore e l´animatore di TraCarte, un evento giunto alle soglie della quinta edizione che raccoglie artisti della carta di tutto il mondo, di cui la Fondazione detiene il marchio. "Una manifestazione - come ricorda il presidente della Fondazione Francesco Andretta - che, grazie soprattutto al supporto entusiasta e sapiente di Capone, a sua volta fuoriesce ormai dall´ambito localistico e porta la nostra citta´ all´attenzione della intera comunita´ artistica internazionale". Molto suggestiva la mostra “Scipta Manent” nel torrione angioino di Lucera.
Importante anche l’esperienza sarda ad Ulassai (NU) per l’inaugurazione della Fondazione Stazione dell’arte di Maria Lai con la rassegna “I figli di Maria”/il ritorno della figura”.
Vito Capone presenta in questa mostra un insieme di opere che costituiscono il nucleo essenziale di una ricerca che, partita dagli inizi degli anni ´80, continua ancora oggi.
Abbandonata la pittura alla fine degli anni ´70, Capone rivolge l´attenzione ai materiali: carte, tele di lino, di canapa, materiali di recupero, legni. Ed e´ proprio indagando sulle piu´ recondite trame della carta che ottiene i risultati della prima fase della sua ricerca.
Continuera´ in seguito ad utilizzare sempre ed esclusivamente questo materiale, producendolo da sé. Comincera´ a riciclare carta straccia e, alla polpa ottenuta, unira´ elementi naturali come foglie, erbe, giunchi, pigmenti naturali.
Questo procedimento lo portera´ alla realizzazione di carte incise, scavate, traforate, ai libri complessi e tormentati, ai pendents, ai pannelli, ai rotuli, ecc.
L’artista ha affermato:"Ho provato interesse per i materiali: carte, tele, legni, materiali di recupero, alla fine degli anni '70. Allora mi sembro´ di aver concluso con la pittura e il colore, e indagare sulle trame nascoste della carta, materiale antico e nobile, testimone e protagonista di gran parte della storia dell´ uomo con una particolare tecnica di "scavo", mi procuro´ subito delle forti emozioni. Ancora oggi, dopo tanti anni, continuo ad essere affascinato dall´essenza di questa materia e via via che procedo con il lavoro, scopro sempre nuove possibilita´ espressive".
La carta è per Vito Capone un materiale eletto che plasma con fare da artigiano, esprimendosi attraverso le trame della pastosità del mezzo cartaceo. L’artista usa meno le parole che invece “banalmente” vi si potrebbero apporre, in processo creativo davvero originale. Le elaborazioni cartacee di Capone sfruttano la fragilità della carta e portano con loro anni ed anni di storia dell’artista e del proprio vissuto.
I libri di Capone accrescono la propria potenza espressiva con il passare degli anni, le trame indecifrabili che campeggiano sulla loro superficie li rendono misteriosi e desiderosi al tatto.
Le opere dell’artista foggiano in questo trentennio hanno fatto storia riscuotendo grossi successi di critica e ponendosi come fari per molti altri artisti che in modo molto palese hanno tratto “ispirazione” da Capone.
La mostra sarà visitabile fino al 21 febbraio in orario di galleria.

I MEDICI DENUNCERANNO I CLANDESTINI?

2009-02-06T12:34:00.000-08:00

L’associazione tolbà desidera esprimere il più vivo dissenso e la preoccupazione per la norma approvata nel Senato della Repubblica che consente ai sanitari di denunciare, seppure assicurando le cure, i cittadini immigrati clandestini.
Questa norma è spaventosamente in linea con il clima di pericoloso razzismo e di xenofobia dal quale più che fuggire e sottrarci dobbiamo cercare di fare i conti; piuttosto che negare questa deriva, dobbiamo esprimere l’indignazione e la protesta contro norme che riportano indietro il nostro Paese di vent’anni.
Come è possibile che un Parlamento repubblicano approvi una norma palesemente contraria ai principi della Carta Costituzionale?
Come è possibile che dei parlamentari eletti democraticamente possano ignorare che la salute è un bene da salvaguardare senza possibilità di deroghe tanto che persino la legge Bossi Fini aveva considerato intoccabile la norma a difesa della non denunciabilità del migrante irregolare?
Come è possibile che in un Paese in cui la salute pubblica è un fiore all’occhiello nel mondo, si inserisca una questione così delicata in un pacchetto sicurezza che niente ha a che fare con la salute?
Come è possibile che in un Paese come l’Italia si pensi di fare ricorso alla delazione come mezzo per combattere la clandestinità che non si ferma neanche con i trattati firmati dai ministri della Repubblica?
La nostra associazione da sedici anni si occupa di sensibilizzare e informare sul diritto alla salute i migranti, a prescindere dalla loro posizione amministrativa; ora con un colpo di spugna, tutto torna al punto di partenza.
Chiediamo ai medici e a tutti gli operatori della sanità che facciano uso dell’obiezione di coscienza per salvaguardare la salute dei migranti che è anche la salute di tutti coloro che abitano questo Paese.
Facciamo appello ai medici e a tutti gli operatori della sanità che si attivino nelle sedi istituzionali nazionali per chiedere l’immediata revoca di questa norma.

Iscrizione Registro Regionale delle organizzazioni di volontariato delle Basilicata delibera n. 859 del 7 marzo 1994.
Iscrizione al Registro del Ministero del Lavoro e Politiche sociali delle associazioni che svolgono attività a favore degli immigrati n. A/392/2005/MT.
Iscrizione al n. 91 del Registro delle Persone Giuridiche della Prefettura U.T.G. di Matera, ai sensi dell’art. 1 del D.P.R. 10 febbraio 2000 n. 361

CON GABRIELE MANSOLILLO “LA PEZZA AMERCANA” DIVENTA ARTE

2009-01-31T06:17:00.000-08:00

ARTICOLO PUBBLICATO DAL QUOTIDIANO L'ATTACCO DI SABATO 31 GENNAIO 2009
Si è appena conclusa l’esperienza espositiva di Gabriele Mansolillo a Palazzo Ateneo di via Gramsci a Foggia.
L’artista foggiano, a soli ventidue anni vanta già molte esperienze artistiche significative come la partecipazione alla VIII edizione del Rocarart Club Milano Porta Europa al chiostro dei Glicini dove è risultato vincitore e varie mostre al Museo Urbano Sperimentale d'Arte Emergente di Jesolo
e al Museo Urbano Sperimentale d'Arte Emergente di Cagliari e Oristano.
Mansolillo porta in mostra dei nuovi lavori che nascono da un’analisi forte sui dettami ossessivi di un video proposto e riproposto da una nota azienda informatica. Nel video, c´è un'esaltazione della figura dell’artista visto dall´esterno, nonché la glorificazione del pensiero utopico, quasi irrealizzabile.
Nel video citato e ripetuto questo pensiero: “…questo film lo dedichiamo ai folli, agli anti conformisti, ai ribelli, ai pianta grane, a tutti coloro che vedono le cose in modo diverso, costoro non amano le regole, specie i regolamenti e non hanno nessun rispetto per lo status quo... potete citarli, ed essere in disaccordo con loro, potete glorificarli o denigrarli, ma l´unica cosa che non potrete mai fare è ignorarli, perché riescono a cambiare le cose perché fanno progredire l´umanità e mentre qualcuno potrebbe definirli folli, noi ne vediamo il genio perché solo coloro che sono abbastanza folli da poter pensare di poter cambiare il mondo lo cambiano davvero.
La mostra intitolata “Think different – Utopia possibile” presenta una ventina di lavori su tela dove regna sovrano il colore. Le tele sono ricoperte da stoffe di poco pregio con stampe kitsch. Le opere sono impacchettate dalle stoffe su cui l’artista lascia cadere colore dal pennello. Il potere iconografico delle opere è forte ma l’intento artistico di Mansolillo si affida molto alla potenza espressiva di grandi maestri come l’americano Jackson Pollock e l’impacchettatore per eccellenza Christo Vladimirov Javacheff, lasciando lo spettatore in balia del già visto.
Le opere elevano tristi scampoli di stoffa ad opera d’arte e colpiscono per il sapiente accostamento delle diverse tipologie di nodi con i quali Mansolillo lega i tessuti che si aprono a ventaglio evocando abiti di classica fattura o tappezzerie retrò.
L’utopia va detto è poco visibile nelle opere dell’artista foggiano come del resto il pensiero differente che invece risulta passivo ai grandi maestri.
La mostra comunque colpisce e appassiona per la cura con cui l’artista da moderno artigiano lavora e impreziosisce dei tessuti desolati. La mostra di via Gramsci, in definitiva, può essere vista come un tributo pop alla “pezza americana” che diventa arte e si fa poesia.

IL POST-POP DI ANTONELLA TOLVE ALL'ART'INFABRICA DI FOGGIA

2009-01-24T03:17:00.000-08:00

ARTICOLO PUBBLICATO SUL QUOTIDIANO L'ATTACCO DI SABATO 24 GENNAIO 2009È stata inaugurata sabato 17 gennaio nei locali dell’ Art’infabrica presso il Centro grafico francescano di Foggia, la mostra personale di Antonella Tolve dal titolo “digitabulae”, che ha previsto una vernice con degustazione di vini della “Cantina La Marchesa” di Sergio Grasso di Lucera.
La mostra presenta lavori dell’artista lucerina realizzati mediante la lavorazione di fotogrammi fotografici su Pvc rigido o flessibile di diverso formato (25x25, 50x70, 70x100, 200x140 cm). I supporti su cui l’artista ama lavorare sono ricchi di laminazioni lucide, prediligendo la stampa lambda. Antonella Tolve affonda le proprie radici nella computer art e ammicca con fare ironico e provocatorio alla grafica industriale che sponsorizza prodotti di uso quotidiano e impone esigenze sociali e culturali. Opere che evocano totem contemporanei dove l’estetica dell’involucro del prodotto è più importante del prodotto stesso. I colori usati sono forti, senza sfumature, molto crudi, assuefatti ad uno mero sfruttamento consumistico. L’artista stigmatizza le cromie che diventano standard: il verde kiwi, il rosso ciliegia. Il colore si presta al gioco della sineddoche cromatica presentandosi in una stanca brillantezza, assorbito in toto dal vortice del merchandising.
Nell’epoca dei social forum telematici dove le quotidianità umane sono sbattute in rete senza prospettiva, senza sfondi, senza umori, le opere di Antonella Tolve fanno il verso in modo creativo ai trend mediatici. Le riproduzioni seriali sono così potenti che fagocitano qualsiasi forma di memoria storica diventando storia contemporanea da mangiare e gustare come si ingurgitano pop-corn al cinema o chips davanti ad un reality show. Quello di cavalcare l’onda commerciale è sicuramente un punto a favore della produzione artistica di Tolve, che rischia di cadere nel consumismo artistico che crea miti mediatici e nel giro di un battito di ciglio li affossa.
Grande potere iconografico possiedono le opere appartenenti alle collezioni ‘Everyday life’, ‘Brani erotici’ e Oggetti-Soggetti’ che fanno parte del più articolato progetto di pittogrammi pop chiamato da Tolve “Pit-Pop”.
Le forme pittogrammatiche si concedono al pop nei contenuti, diventando subdole conniventi di un gioco bulimico di assorbimento – deterioramento di concetti aulici.
Antonella Tolve sembra divertirsi con le proprie opere che non hanno paura dello spettro pop del “già visto” rifugiandosi nel minimalismo grafico di cui le opere fanno sfoggio.
L’artista lucerina realizza opere che si nutrono di idee, tratti, disegni, elaborati nella mente, appuntati sulla carta e poi modificati, in maniera spesso ironica con il computer.
Oggetti che risultano potenti artisticamente soprattutto se nella quotidianità hanno un uso molto frivolo.
L’allestimento della mostra è a cura dell’artista e da Antonio Scotellaro che ha curato
anche il testo critico. La mostra sarà visitabile fino al 28 febbraio dal lunedì al venerdì dalle 9,00 alle 13,00 e dalle 15,30 alle 18,30.

LA FONTANA DEL CARCIOFO A NAPOLI TINTA DI ROSSO, DOPO ROMA LO SCEMPIO SI RIPETE

2009-01-23T05:56:00.000-08:00

LA FONTANA DEL CARCIOFO IN PIAZZA TRIESTE E TRENTO A NAPOLI IL 23.01.2009

LA FONTANA DEL CARCIOFO IN PIAZZA TRIESTE E TRENTO A NAPOLI

IL PRECEDENTE ROMANO

bye bye Bush, the future is Obama

2009-01-20T14:41:00.000-08:00

NELLA "VECCHIA LUCERA" ESPONGONO LE GIOVANI ESISTENZE RITRATTE

2009-01-19T04:06:00.000-08:00

ARTICOLO PUBBLICATO SUL QUOTIDIANO L'ATTACCO DI SABATO 17 GENNAIO 2009 A FIRMA DI MARTINA CALLUSO

È stata inaugurata venerdi 16 gennaio a Lucera nella sala Nocelli a Palazzo de Troia la mostra collettiva “Esistenze ritratte”.
La mostra curata da Gerardo di Feo e Maria Cirillo presenta opere di artisti che si avvalgono della pittura, della fotografia e delle tecniche digitali per trasporre in arte tematiche profonde del vivere quotidiano.
La mostra è frutto dell’aggregazione di intenti di giovani artisti uniti dalla comune esperienza espositiva allo spazio h24 di Piazza Mercato a Foggia con la mostra All together now!.
Dopo questo incontro la mostra ha preso un carattere itinerante ed è stata ospitata dalla Biblioteca F. Di Giampaolo di Pescara riscuotendo un successo di critica e pubblico sopra ogni attesa.
La mostra lucerina è figlia di questo carrozzone itinerante che porterà con sé anche nella città federiciana Daniela Cotimbo, Simone Di Turo, Dario Molinaro, Raffaele Siniscalco, Francesca Suriano, Veronica Terzariol.
La mostra, inoltre, vedrà Dario Molinaro e Raffaele Siniscalco impegnati in una performance artistica in occasione di un laboratorio didattico di scrittura creativa ed elaborazione grafica condotto da Gerardo di Feo che sarà tenuto con gli allievi della scuola elementare statale “Lombardo Radice” di Lucera.
Sulla mostra si sono espressi i due curatori Gerardo di Feo e Maria Cirillo, quest’ultima ha portato avanti una piccola riflessione sottolineando come nei giovani artisti sia forte il trasporto verso il fuoco dell’arte. La curatrice, infatti, ritiene che “Il donarsi nell’’Arte riemerge senza limiti, indole di uno spirito libero che segna i propri percorsi coltivandoli nella memoria di vite diverse vissute e percepite”.
Gerardo di Feo, invece, entra nello specifico sottolineando la grande originalità delle opere scelte per la collettiva e la grande voglia degli artisti di creare momenti dedicati all’arte in cui si riesca a coinvolgere in modo trasversale e formativo la collettività.
Il messaggio degli artisti grazie alle performance estemporanee e ai laboratori didattici esce dalle mura della sala espositiva e si irradia nella città creando occasioni per proporre chiavi di lettura ludiche dell’arte.
Scorrendo gli artisti presenti alla mostra si incontra Daniela Cotimbo che si affida a collage inquietanti di volti seviziati dalla cavalcante voglia di costruirsi un’identità estetica. Dei volti che vivono con consapevolezza e rassegnata gioia lo status di “ibridi” in un mondo “over the top”. Tale consapevolezza non si incontra nelle opere di Simone Di Turo, che presenta, invece, visi stanchi e rassegnati ad un declino inesorabile e definitivo. Un’analisi sull’essere umano è affrontata anche dalla fotografa Francesca Suriano che propone scatti che indagano tematiche legate alla vita degli uomini senza mai ritrarne uno. L’uomo c’è ma non si vede anche nelle foto di Veronica Terzariol. Le foto sono schiette, prive di significati reconditi, ma ricchi di appigli che consentono all’artista di restare lucida.
Veronica Terzariol ci invita nel suo mondo che presenta attraverso fotografie dove il ritmo è una costante data da luci e colori.
Grande potere iconografico posseggono, inoltre, le tele di Dario Molinaro che presenta nature morte-“vive”, dove l’esistenza dell’uomo si percepisce dalla disposizione di bicchieri, tubetti di colore, scatole, bottiglie che campeggiano in spazi inconsapevoli, dei “non luoghi” quotidiani.
Ironicamente complicati, invece, i personaggi di Raffaele Siniscalco, che posti in pose allegre, e imperturbabili fissano lo spettatore invitandolo in un mondo dove l’esperienza estetica e quella letteraria viaggiano su binari paralleli. L’artista presenta un autoritratto, delle figure femminili e dei grovigli miniaturistici di uomini e animali, bloccando i personaggi in pose comiche, d’altri tempi.
Il laboratorio didattico si terrà giorno 20 gennaio nella sede della mostra in Piazza Nocelli 6 a Lucera .
La collettiva potrà essere visitata tutti i giorni fino al 22 gennaio dalle 10 alle 13 e dalle 17 alle 20

DUE GIOVANI PUGLIESI PER LA MOSTRA “LUMIERE A L’ALLIANCE FRANCAISE” DI BARI

2009-01-10T15:16:00.001-08:00

ARTICOLO PUBBLICATO SUL QUOTIDIANO L'ATTACCO DI SABATO 10 GENNAIO 2009
È partita anche quest’anno a Bari, promossa dall’Alliance Française, la rassegna fotografica “Lumiere” che propone lavori fotografici di giovani autori contemporanei.
La mostra giunta alla sua quarta edizione propone opere realizzate da Gabriele Fanelli e Francesca Loprieno. La mostra curata da Maria Vinella si divide in due ambiti di analisi differenti ma accomunati da una trama unica: la luce. Gabriele Fanelli propone, infatti. una serie di fotografie che intitola “Forme di luce”, dove la visione delle cromie luminose è associata alla percezione del buio e alla percezione del sentimento di paura che l’uomo avverte nell’oscurità. In molte opere si percepisce, come sottilinea la curatrice, una sensazione di con-fusione tra giorno e notte, dove l’artista gioca con i contrasti che intercorrono tra luci e ombre, in uno stato di disturbo percettivo.
Fanelli, nato a Francavilla Fontana nel brindisino, laureato in Filosofia a Lecce, e attualmente residente a Torino, è cresciuto con la passione della fotografia che coltiva fin da bambino quando cominciò ad usare la prima reflex a soli 13 anni.
La ricerca di Francesca Loprieno, invece, viaggia su binari più intimi analizzando stati d’animo, percezioni ed umori che caratterizzano il rapporto dell’uomo con la luce.
La serie dell’artista tranese intitolata “Mood of light” (Umore di luce) si snoda su vari binari cromatici tutti accomunati dall’inconsistenza delle presenze umane che nascono e muoiono prima ancora di poter essere catturate dallo scatto fotografico. Il disagio e lo straniamento sono senza dubbio concetti emblematici nella trattazione artistica di Loprieno che predilige i linguaggi fotografici e video, interessandosi in particolar modo ai temi dei non-luoghi. Gli scatti indagano quei luoghi della quotidianità dove non c’è più nulla di reale e le identità umane devono continuare a vagare in cerca di appigli.
Francesca Loprieno si aggrappa al colore per sopperire, all’interno di luoghi artefatti, al dilagare della non-identità che in modo incoerente e ambiguo strozza le esistenze a mezz’aria. Il colore lascia tracce dell’uomo sotto forma di fasci di luce sottilissimi che attraverso traiettorie impazzite si ribellano ad una mera condizione esistenziale. Il tutto si compie in un’oscura ambientazione squarciata dal colore. Le opere si dividono in due serie di fotografie a colori e in b/n (scattate con una Nikon D40, lunga esposizione e gestione manuale dei tempi) dedicate all’impermanenza di cose/persone/oggetti nella visione che lo sguardo coglie solo per pochi attimi. Gli scatti di Loprieno destabilizzano lo spettatore coinvolgendolo in un viaggio straniante verso la ricerca del proprio umore di luce nascosto nel profondo della nostra coscienza. La mostra sarà visitabile fino al 16 gennaio nella sede barese dell’Artoteca Alliance in Via Marchese di Montrone 39, tutti i giorni dalle 17 alle 20.

“NEW WORKS” ALLA GALLERIA PAOLO ERBETTA DI FOGGIA

2009-01-10T15:07:00.000-08:00

ARTICOLO PUBBLICATO SUL QUOTIDIANO L'ATTACCO DI SABATO 10 GENNAIO 2009
È stata inaugurata il 21 dicembre 2008 presso la Galleria Paolo Erbetta di Foggia la mostra collettiva “New Works” che ospita i nuovi lavori di Giovanni Albanese, Pietro Capogrosso, Pierluca Cetera, Elastic Group, Michele Giangrande e Cristiano Pallara.
La mostra riunisce artisti che hanno precedentemente esposto nella galleria foggiana, nomi noti nel panorama artistico italiano.
Entrando in galleria si incontrano le opere di Pierluca Cetera, tarantino, che propone opere dove la figura umana viene trasposta sulla tela attraverso l’uso di colori pallidi e ingialliti. Colpiscono i ritratti dove lo sguardo del soggetto in posa è sempre celato allo spettatore. Occhi chiusi in un sogno spento o occhi al cielo in un sogno senza ascesi. L’artista dona alle proprie opere una fumosità che inesorabilmente ha agito sui colori originali, in modo lento e crudele manifestandosi su corpi assuefatti, cadenti, ma fortemente reali. L’uomo che emerge dalle opere di Cetera è un essere martoriato da una quotidianità estraniante per via di ritmi ripetitivi ed ossessivi.
Su un binario differente gli Elastic Group, che viaggiano nello spazio virtuale dei new media proponendo video e foto dal sapore onirico. Le immagini però restano fedeli al mondo reale seppur immerse in cromie negative, solarizzate, tipiche degli sviluppi fotografici.
Visi che ammiccano allo spettatore ma che si nascondono dietro lo schermo del colore a specchio creato dagli artisti.
Gli artisti alla collettiva hanno presentato un video visibile su uno schermo piatto riflettente e fortemente oscurato che permette di vedere il video solo trovando una parabola visiva particolare che tenga conto della luce esterna e quella artificiale della stanza. Gli Elastic Group, pur restando fedeli alla video art sembrano allontanarsi dalla produzione artistica degli ultimi anni che gli ha visti sempre presentarsi allo spettatore attraverso canali comunicativi diretti, per privilegiare in questo periodo una comunicazione più intima e introspettiva.
La mostra presenta, inoltre, gli ultimi lavori di Pietro Capogrosso che propone volti di astronauti della CCCP, un bimbo, una casa di campagna, un aviatore. Quelle di Caporosso sono tutti individui in attesa di qualcosa di indefinito. Un’attesa che ha corroso le immagini, quasi scomparse dietro un velo di solitudine e di indifferenza. Le opere colpiscono lo sguardo dello spettatore per l’impercettibilità del tratto dell’immagine che seppur presente resta evanescente.
Nella sala successiva della galleria si incontra l’istallazione di Michele Giangrande, non nuovo ad interventi nel territorio dal carattere fortemente dissacratorio. Giangrande crea con il metro semi-rigido giallo a rotellina la sagoma della statua della libertà e accanto un uomo con il braccio teso in un saluto romano. Giangrande gioca con la sagoma rendendo allo stesso modo la fiamma della statua e la mano tesa dell’uomo in un’assonanza che fa riflettere.
Successivamente incontriamo l’opera di Giovanni Albanese, che presenta un sole fiammeggiante, un’istallazione che si avvale di lampadine a fiamma che donano luce ad un sole spento nella propria struttura ma acceso nelle sue estremità. L’opera acquista grande potere comunicativo anche grazie alla collocazione in galleria che le permette di affacciarsi sull’esterno da dove è percepita come un sole in gabbia.
Si chiude con le opere di Cristiano Pallara che propone moltitudini umane che avanzano fiere verso il futuro. Pallara presenta sia gruppi in movimento, sia gruppi fermi in pose fotografiche, come nel caso della schiera di uomini e donne asiatici vestiti con abiti tradizionali, seduti a gradoni come nelle classiche pose anni ‘30.
Una mostra, quella organizzata da Paolo Erbetta, che vede coesistere temi e stili diversi in una reunion ben riuscita. L’esposizione ci accompagnerà fino al 28 febbraio 2009 e sarà visitabile in orari di galleria nella splendida sede di Via IV novembre 2 a Foggia.